การแนะนำ. 3
1. บัลเล่ต์ก่อนปี 1900 4
1.1. ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์เป็นการแสดงในศาล 4
1.2. บัลเล่ต์ในยุคแห่งการตรัสรู้ 5
1.3. บัลเล่ต์โรแมนติก 7
2. บัลเล่ต์ศตวรรษที่ 20 9
2.1. Russian Ballet S.P. ไดอากีเลฟ. 9
2.2. บัลเลต์ที่อเมริกา..10
3. บัลเล่ต์โลก 12
3.1. บริเตนใหญ่. 12
3.2. โซเวียต รัสเซีย และประเทศอื่นๆ..13
3.3. ฝรั่งเศส. 14
เยอรมนี. 15
บทสรุป. 16
รายชื่อวรรณกรรมที่ใช้แล้ว...18
บัลเล่ต์เป็นศิลปะการแสดงละครประเภทหนึ่งที่วิธีการแสดงออกหลักคือการเต้นรำที่เรียกว่า "คลาสสิก" (ก่อตั้งขึ้นตามประวัติศาสตร์ภายใต้กฎเกณฑ์ที่เข้มงวด) ผลงานอันงดงามที่อยู่ในรูปแบบศิลปะนี้
เนื้อเรื่องของบัลเล่ต์ถูกนำเสนอในบท (บท) ดนตรีถูกเขียนขึ้นโดยอิงจากบทเพลงที่แสดงออกถึงเนื้อหาทางอารมณ์และความหมายของงาน จากนั้นจึงสร้างฉากการเต้นรำและละครใบ้และเครื่องแต่งกายขึ้นมา นักเขียนบท นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และศิลปินมีส่วนร่วมในการสร้างสรรค์บัลเล่ต์ นอกจากนี้ยังมีบัลเล่ต์ที่ไม่มีโครงเรื่องซึ่งท่าเต้นแสดงออกเฉพาะเนื้อหาของเพลงเท่านั้น บ่อยครั้งที่บัลเล่ต์ใช้ดนตรีที่ผู้แต่งไม่ได้ตั้งใจสำหรับการเต้นรำในตอนแรก (Scheherazade โดย Rimsky-Korsakov, Carnival โดย Schumann ฯลฯ ) การเต้นรำเป็นองค์ประกอบหลักของการแสดงบัลเล่ต์ บัลเล่ต์ประกอบด้วยการเต้นรำคลาสสิกและการเต้นรำของตัวละคร ห้องบอลรูม โฟล์ค และในบางกรณี การเต้นรำกายกรรมและจังหวะพลาสติก มีการแสดงที่ใช้เฉพาะการเต้นรำแบบคลาสสิกหรือการเต้นรำของตัวละครเท่านั้น แต่ในบัลเล่ต์ตะวันตกสมัยใหม่
บัลเลต์มีต้นกำเนิดที่ราชสำนักของอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ และเมื่อความนิยมเพิ่มขึ้นและเทคนิคการแสดงดีขึ้น ก็แพร่กระจายไปทั่วยุโรป และต่อมาได้พิชิตอเมริกาเหนือ อเมริกาใต้ เอเชีย และออสเตรเลีย
ตลอดช่วงศตวรรษที่ 18 ส่วนใหญ่ บัลเล่ต์พัฒนาในอิตาลีเป็นหลัก ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ฝรั่งเศสและรัสเซียในเวลาต่อมา มีชื่อเสียงในด้านคณะบัลเล่ต์ ในศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์ครองตำแหน่งที่แข็งแกร่งบนเวทีของสหรัฐอเมริกา (โดยเฉพาะในนิวยอร์ก) บริเตนใหญ่และสหภาพโซเวียต
วัตถุประสงค์ของการเขียนเรียงความคือเพื่อติดตามประวัติศาสตร์ของการเกิดขึ้นและพัฒนาการของบัลเล่ต์ในฐานะศิลปะการแสดงละครรูปแบบหนึ่ง
ภารกิจคือศึกษาและวิเคราะห์วรรณกรรมในหัวข้อเรียงความ
1. บัลเล่ต์ก่อนปี 1900
1.1. ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ในฐานะการแสดงในศาล
ในช่วงปลายยุคกลาง เจ้าชายชาวอิตาลีให้ความสนใจอย่างมากกับการเฉลิมฉลองในพระราชวังอันงดงาม การเต้นรำครอบครองสถานที่สำคัญในพวกเขาซึ่งทำให้มีความต้องการผู้เชี่ยวชาญด้านการเต้นรำมืออาชีพ
ทักษะของครูสอนเต้นรำชาวอิตาลียุคแรกสร้างความประทับใจให้กับชาวฝรั่งเศสผู้สูงศักดิ์ที่ร่วมทัพกับกองทัพของพระเจ้าชาร์ลส์ที่ 8 เมื่อเขาเข้าสู่อิตาลีในปี 1494 โดยอ้างสิทธิ์ในบัลลังก์แห่งราชอาณาจักรเนเปิลส์ เป็นผลให้ปรมาจารย์การเต้นรำชาวอิตาลีเริ่มได้รับเชิญไปที่ราชสำนักฝรั่งเศส การเต้นรำเฟื่องฟูในยุคของแคทเธอรีนเดอเมดิชี ภรรยาของพระเจ้าเฮนรีที่ 2 (ครองราชย์ในปี 1547–1559) และพระมารดาของพระเจ้าชาร์ลที่ 9 (ครองราชย์ในปี 1560–1574) และพระเจ้าเฮนรีที่ 3 (ครองราชย์ในปี 1574–1589) ตามคำเชิญของ Catherine de' Medici Baldasarino di Belgioioso ชาวอิตาลี (ในฝรั่งเศสเขาถูกเรียกว่า Balthazar de Beaujoyeux) ได้จัดการแสดงในราชสำนัก การแสดงที่มีชื่อเสียงที่สุดเรียกว่า Queen's Comedy Ballet (1581) และโดยทั่วไปถือเป็นการแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรก ในประวัติศาสตร์ละครเพลง ในช่วงรัชสมัยของกษัตริย์ฝรั่งเศสทั้งสาม - Henry IV (1533-1610), Louis XIII (1601-1643) และ Louis XIV (1638-1715) - ครูสอนเต้นรำมีความโดดเด่นทั้งในด้านการเต้นรำบอลรูมและในรูปแบบที่พัฒนามา อยู่ในกรอบของศาลบัลเล่ต์ ในประเทศอังกฤษในยุคเดียวกันคือ ในช่วงรัชสมัยของสมเด็จพระราชินีนาถเอลิซาเบธที่ 1 มีกระบวนการคล้าย ๆ กันเกิดขึ้น ซึ่งพบการแสดงออกในผลงานของสิ่งที่เรียกว่า หน้ากากที่ศาลในไวท์ฮอลล์ ในอิตาลี เทคนิคการเต้นรำแบบมืออาชีพยังคงได้รับการปรับปรุงอย่างต่อเนื่อง และผลงานการเต้นรำชิ้นแรกก็ปรากฏขึ้น (Il Ballarino โดย Fabrizio Caroso, 1581 และ Le Gratie d'Amore โดย Cesare Negri, 1602)
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 มีการละทิ้งรูปแบบที่เข้มงวดซึ่งมีอยู่ในบัลเล่ต์ในศาล ปัจจุบัน นักเต้นบัลเลต์แสดงบนเวทีที่ยกขึ้นเหนือระดับห้องโถงและแยกออกจากผู้ชม ดังเช่นในกรณี ในโรงละครที่สร้างโดยพระคาร์ดินัลริเชอลิเยอเมื่อต้นศตวรรษที่ 17 โรงละครสไตล์อิตาลีแห่งนี้ตั้งอยู่ในวังของเขาและมีฉากจำลอง ซึ่งให้โอกาสเพิ่มเติมในการสร้างภาพลวงตาบนเวทีและเอฟเฟกต์อันตระการตา นี่คือวิธีการพัฒนารูปแบบการเต้นรำแบบละครล้วนๆ
ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 การแสดงบัลเล่ต์ในราชสำนักมีความอลังการเป็นพิเศษทั้งในปารีสและในพระราชวังแวร์ซายส์ "ราชาแห่งดวงอาทิตย์" ปรากฏตัวขึ้นในฐานะดวงอาทิตย์ในบัลเล่ต์แห่งราตรี (1653)
คุณสมบัติหลายประการของการเต้นรำบัลเล่ต์ที่รอดชีวิตมาจนถึงทุกวันนี้อธิบายได้จากที่มาของบัลเล่ต์และรูปแบบพฤติกรรมของนักแสดงคนแรก - ข้าราชบริพารที่ได้รับการฝึกฝนด้วยมารยาทอันสูงส่ง ขุนนางทุกคนคุ้นเคยกับศิลปะการฟันดาบและมีการใช้เทคนิคหลายอย่างในการเต้นรำ: ตัวอย่างเช่น "การเปิดออก" เช่น ตำแหน่งของขาที่หันออกจากสะโพกถึงเท้า ตำแหน่งที่ต้องการของขา ศีรษะ และแขนในบัลเล่ต์ก็มีลักษณะคล้ายกับของนักฟันดาบเช่นกัน
ในปี ค.ศ. 1661 พระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ทรงก่อตั้ง Royal Academy of Music and Dance ซึ่งรวมปรมาจารย์ด้านการเต้นชั้นนำ 13 คนเข้าด้วยกัน ซึ่งถูกเรียกให้รักษาประเพณีการเต้นรำ
1.2. บัลเล่ต์ในยุคแห่งการตรัสรู้
ในศตวรรษที่ 18 การเต้นรำทั้งสองรูปแบบ - มีเกียรติและมีไหวพริบ - พัฒนาอย่างรวดเร็ว ในสาขานาฏศิลป์มีปรมาจารย์ที่สร้างสไตล์เฉพาะของตนเองขึ้นมา นอกจาก Dupre แล้ว ยังมี Gaetan Vestris ที่เก่งกาจ (1729–1808), Pierre Gardel ที่มีเทคนิคขั้นสูง (1758–1840) และผู้ริเริ่ม Auguste Vestris (1760–1842) ซึ่งโดดเด่นด้วยรูปลักษณ์ที่ไม่ธรรมดาและการยกระดับที่น่าอัศจรรย์ (เช่น ความสามารถในการ กระโดดสูง). เสื้อผ้าที่เรียบง่ายและเบากว่าซึ่งเข้ามาในแฟชั่นในช่วงก่อนการปฏิวัติฝรั่งเศสทำให้มีอิสระมากขึ้นในการแสดงท่าหมุนและลิฟต์ (ท่ากระโดดแบบพิเศษ) และความหลงใหลในเสื้อผ้าเหล่านี้ก็กลายเป็นสากลซึ่งทำให้ผู้นับถือประเพณีหงุดหงิด
อย่างไรก็ตาม สิ่งที่สำคัญที่สุดสำหรับการพัฒนาบัลเล่ต์มากกว่าการเติบโตของเทคโนโลยีก็คือทัศนคติใหม่ต่อศิลปะนี้ที่เกิดจากการตรัสรู้ มีการแยกบัลเล่ต์ออกจากโอเปร่าและมีการแสดงละครรูปแบบใหม่ปรากฏขึ้นโดยที่การเต้นรำและละครใบ้เป็นวิธีการแสดงออก Jean Georges Noverre (1727–1810) เป็นนักออกแบบท่าเต้นที่สำคัญที่สุดของขบวนการนี้ ไม่เพียงแต่เป็นผู้ปฏิบัติงานที่มีนวัตกรรมเท่านั้น แต่ยังเป็นผู้เขียนสิ่งพิมพ์ที่น่าเชื่อถืออีกด้วย จดหมายเกี่ยวกับการเต้นรำและบัลเล่ต์ของเขา (พ.ศ. 2303) ได้วางรากฐานด้านสุนทรียศาสตร์ของศิลปะบัลเล่ต์ และข้อความหลายคำของเขายังคงมีความเกี่ยวข้องในปัจจุบัน Noverre มีชื่อเสียงในฐานะผู้กำกับบัลเล่ต์หลายเรื่อง "บัลเล่ต์ที่มีประสิทธิภาพ" (นั่นคือบัลเล่ต์ที่มีเนื้อเรื่อง) ในเมืองสตุ๊ตการ์ทในช่วงทศวรรษที่ 1760 และในปี พ.ศ. 2319 เขาได้รับเชิญให้เป็นนักออกแบบท่าเต้นของ Paris Opera หลังจากเอาชนะความยากลำบากมากมาย เขาสามารถอนุมัติบัลเล่ต์เป็นรูปแบบการแสดงอิสระในโรงละครโอเปร่าที่มีชื่อเสียงแห่งนี้
บัลเล่ต์เริ่มแพร่กระจายไปทั่วยุโรป ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ราชสำนักทุกแห่งพยายามเลียนแบบความหรูหราของแวร์ซายส์ ในเวลาเดียวกัน โรงละครโอเปร่าก็เปิดขึ้นในหลาย ๆ เมือง ดังนั้นนักเต้นและครูสอนเต้นรำซึ่งมีมากขึ้นเรื่อย ๆ จึงหางานทำได้ง่าย นักออกแบบท่าเต้นไม่เพียงแต่ในฝรั่งเศสเท่านั้น แต่ยังในประเทศอื่นๆ ด้วย นักออกแบบท่าเต้นได้เสนอนวัตกรรมที่มีความสำคัญต่อการพัฒนาบัลเล่ต์ ในออสเตรีย Franz Hilferding (1710–1768) เป็นหนึ่งในคนกลุ่มแรกๆ ที่สร้างผลงานโดยนำเสนอโครงเรื่องผ่านการแสดงออกทางสีหน้าและการเต้นรำ Gennaro Magri ครูชาวอิตาลีได้ตีพิมพ์หนังสือเรียนที่มีรายละเอียดเกี่ยวกับการเต้นรำการแสดงละครดังที่เกิดขึ้นในช่วงไม่กี่ปีที่ผ่านมาก่อนการล่มสลายของระบอบการปกครองเก่าในฝรั่งเศส
เมื่อการปฏิวัติในปี 1789 ปะทุขึ้น บัลเลต์ก็ได้สถาปนาตนเองเป็นรูปแบบศิลปะพิเศษแล้ว ประชาชนเริ่มคุ้นเคยกับธรรมเนียมของการแสดงออกทางสีหน้าบนเวที และการเต้นรำภายใต้อิทธิพลของแนวคิดเรื่องการตรัสรู้ ได้ปลดปล่อยตัวเองจากสิ่งเทียมที่ Noverre ต่อสู้ด้วย บัลเลต์ไม่ถูกมองว่าเป็นปรากฏการณ์ของชีวิตในศาลอีกต่อไป
อิทธิพลของรัสเซียแสดงให้เห็นในความจริงที่ว่า Charles Louis Didelot ซึ่งเคยทำงานเป็นนักออกแบบท่าเต้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กมาก่อนได้รับเชิญให้แสดงบัลเล่ต์ Flora และ Zephyr ที่โด่งดังที่สุดของเขา (ดนตรีโดย K.A. Kavos) ที่ Paris Opera เมื่อกลับมาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและทำงานที่นั่นเป็นเวลาหลายปี Didelot ทิ้งโรงละครไว้ซึ่งมรดกไม่เพียงแต่ละครใหม่ขนาดใหญ่เท่านั้น รวมถึงบัลเล่ต์ที่มีธีมของรัสเซีย เช่น The Prisoner of the Caucasus (ดนตรีโดย Kavos, 1823) แต่ยังรวมถึง การสอนระดับสูงในโรงเรียนบัลเล่ต์ซึ่งต่อมาได้รับการยอมรับว่าดีที่สุดในโลก
ในช่วงทศวรรษที่ 1790 ภายใต้อิทธิพลของแฟชั่นสมัยใหม่ ชุดบัลเล่ต์ของผู้หญิงจึงมีน้ำหนักเบาและหลวมขึ้นมาก ดังนั้นจึงมองเห็นเส้นลำตัวข้างใต้ได้ ในเวลาเดียวกันพวกเขาละทิ้งรองเท้าที่มีส้นและแทนที่ด้วยรองเท้าที่เบาและไม่มีส้น
1.3. บัลเล่ต์โรแมนติก
เมื่อถึงเวลาที่สันติภาพได้รับการสถาปนาขึ้นในยุโรป (พ.ศ. 2358) คนรุ่นใหม่เติบโตขึ้นโดยไม่สนใจอดีตมากนัก สิ่งที่มีอยู่ในยุคก่อนถูกลืมไป สุนทรียภาพใหม่ของแนวโรแมนติกถือกำเนิดขึ้น ซึ่งแพร่กระจายไปยังศิลปะทุกประเภท ยวนใจไม่เพียงแต่ทำลายรูปแบบเก่าๆ ที่ดูล้าสมัยและผิดที่ แต่ยังแสวงหาแหล่งที่มาของแรงบันดาลใจใหม่ๆ ศิลปินโรแมนติกรุ่นเยาว์หันไปหาปรากฏการณ์เหนือธรรมชาติและแปลกใหม่พวกเขาถูกดึงดูดโดยวัฒนธรรมของประเทศที่ห่างไกลและโบราณวัตถุที่น่ากลัว การแสดงยวนใจครั้งแรกนั้นน่าประทับใจเป็นพิเศษ และบัลเลต์ได้รับอิทธิพลจากศิลปะนี้นานกว่าศิลปะการแสดงละครรูปแบบอื่นๆ มากมาย
แนวคิดมากมายเกี่ยวกับศิลปะบัลเล่ต์เปลี่ยนไปอย่างสิ้นเชิงภายใต้อิทธิพลของ Maria Taglioni (1804–1884) ปรากฏตัวใน La Sylphide (1832) ซึ่งออกแบบท่าเต้นโดยพ่อของเธอ เธอเปิดเวทีสำหรับนางเอกบัลเล่ต์ประเภทใหม่: แขกที่ไม่มีตัวตนจากโลกอื่น การเต้นรำของเธอมีความสง่างามที่มีส่วนช่วยในการสร้างสรรค์สิ่งมีชีวิตในอุดมคตินี้ แม้ว่า Taglioni จะไม่ใช่คนแรกที่ยืนบนนิ้วของเธอ ตามที่นักประวัติศาสตร์ยืนยันอย่างผิดพลาดซ้ำแล้วซ้ำเล่า เธอสามารถเปลี่ยนสิ่งที่เป็นเพียงกลอุบายที่อยู่ตรงหน้าเธอให้กลายเป็นวิธีที่แสดงออกในการถ่ายทอดคุณสมบัติพิเศษที่มีอยู่ในภาพที่เข้าใจยากและไม่มีตัวตน
ดนตรีบัลเลต์ส่วนใหญ่ในยุคโรแมนติกเขียนโดยนักแต่งเพลงที่เชี่ยวชาญด้านแนวเพลงเบา สิ่งที่สำคัญที่สุดในหมู่พวกเขาคือ A. Adam ผู้แต่งเพลงของ Giselle และ Corsair ดนตรีบัลเลต์ในสมัยนั้นเขียนขึ้นตามคำสั่ง และไม่ถือว่านี่เป็นงานที่จริงจังพอที่จะแสดงในคอนเสิร์ต ข้อความที่ใช้สำหรับการเต้นรำมีความไพเราะและโครงสร้างก็เรียบง่าย ในขณะที่ดนตรีควรประกอบกับตอนต่างๆ เท่านั้น ทำให้เกิดอารมณ์ทั่วไปของการแสดง
ส่งผลงานดีๆ ของคุณในฐานความรู้ได้ง่ายๆ ใช้แบบฟอร์มด้านล่าง
นักศึกษา นักศึกษาระดับบัณฑิตศึกษา นักวิทยาศาสตร์รุ่นเยาว์ ที่ใช้ฐานความรู้ในการศึกษาและการทำงาน จะรู้สึกขอบคุณเป็นอย่างยิ่ง
โพสต์เมื่อ http://www.allbest.ru
การแนะนำ
บัลเล่ต์ (บัลเล่ต์ฝรั่งเศสจากภาษาละติน ballo - ฉันเต้น) เป็นศิลปะบนเวทีประเภทหนึ่งซึ่งมีวิธีการหลักในการแสดงออกซึ่งเชื่อมโยงดนตรีและการเต้นรำอย่างแยกไม่ออก
บ่อยครั้งที่บัลเล่ต์มีพื้นฐานมาจากพล็อตเรื่องแนวดราม่าบทเพลง แต่ก็มีบัลเล่ต์ที่ไม่มีพล็อตเรื่องเช่นกัน การเต้นรำประเภทหลักในบัลเล่ต์คือการเต้นรำแบบคลาสสิกและการเต้นรำแบบตัวละคร บทบาทสำคัญที่นี่เล่นโดยละครใบ้โดยได้รับความช่วยเหลือจากนักแสดงในการถ่ายทอดความรู้สึกของตัวละคร "การสนทนา" ของพวกเขาระหว่างกันและแก่นแท้ของสิ่งที่เกิดขึ้น บัลเลต์สมัยใหม่ยังใช้องค์ประกอบของยิมนาสติกและกายกรรมอย่างกว้างขวาง
1. กำเนิดบัลเล่ต์
บัลเล่ต์มีต้นกำเนิดในอิตาลีในช่วงยุคเรอเนซองส์ (ศตวรรษที่ 16) โดยเริ่มแรกเป็นฉากเต้นรำที่รวมเป็นหนึ่งเดียวด้วยการกระทำหรืออารมณ์เดียว เป็นตอนหนึ่งของการแสดงดนตรีหรือโอเปร่า บัลเล่ต์ในศาลยืมมาจากอิตาลีเบ่งบานในฝรั่งเศสในฐานะการแสดงพิธีการอันงดงาม พื้นฐานทางดนตรีของบัลเล่ต์ชุดแรก (The Queen's Comedy Ballet, 1581) คือการเต้นรำพื้นบ้านและราชสำนักซึ่งเป็นส่วนหนึ่งของชุดโบราณ ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 17 มีการแสดงละครแนวใหม่เกิดขึ้น เช่น คอมเมดี้-บัลเล่ต์ โอเปร่า-บัลเลต์ ซึ่งมีการมอบสถานที่สำคัญให้กับดนตรีบัลเล่ต์และมีความพยายามที่จะแสดงละคร แต่บัลเล่ต์กลายเป็นรูปแบบศิลปะบนเวทีที่เป็นอิสระในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 เท่านั้นด้วยการปฏิรูปที่ดำเนินการโดยนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส J. J. Nover จากสุนทรีย์แห่งการตรัสรู้ของฝรั่งเศส เขาสร้างการแสดงที่มีการเปิดเผยเนื้อหาในภาพพลาสติกที่สื่อความหมายได้อย่างน่าทึ่ง และสร้างบทบาทที่กระตือรือร้นของดนตรีในฐานะ “โปรแกรมที่กำหนดการเคลื่อนไหวและการกระทำของนักเต้น”
2. การพัฒนาบัลเล่ต์เพิ่มเติม
การพัฒนาและการออกดอกของบัลเล่ต์เพิ่มเติมเกิดขึ้นในยุคแห่งความโรแมนติก
ชุดบัลเล่ต์สมัยใหม่ (ชุด Sugar Plum Fairy จากละครเรื่อง The Nutcracker)
ย้อนกลับไปในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 นักบัลเล่ต์ชาวฝรั่งเศส Camargo ย่อกระโปรง (ตูตู) ของเธอให้สั้นลงและสวมส้นเท้าที่ทิ้งไป ซึ่งทำให้เธอสามารถนำความลื่นไถลมาสู่การเต้นรำของเธอได้ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 ชุดบัลเล่ต์จะเบาและอิสระมากขึ้นซึ่งมีส่วนช่วยในการพัฒนาเทคนิคการเต้นอย่างรวดเร็ว พยายามทำให้การเต้นรำดูโปร่งมากขึ้น นักแสดงพยายามยืนด้วยเท้า ซึ่งนำไปสู่การประดิษฐ์รองเท้าปวงต์ ในอนาคตเทคนิคการเต้นรำของผู้หญิงกำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน คนแรกที่ใช้การเต้นรำปวงต์เป็นวิธีการแสดงออกคือ Maria Taglioni
การแสดงบัลเล่ต์จำเป็นต้องพัฒนาดนตรีบัลเล่ต์ เบโธเฟนในบัลเล่ต์ของเขาเรื่อง "The Works of Prometheus" (1801) ได้พยายามครั้งแรกในการประสานเสียงบัลเล่ต์ ทิศทางที่โรแมนติกถูกกำหนดไว้ในบัลเล่ต์ของอดัม Giselle (1841) และ Corsair (1856) บัลเล่ต์ของ Delibes Coppélia (1870) และ Sylvia (1876) ถือเป็นบัลเล่ต์ซิมโฟนีชุดแรก ในเวลาเดียวกันแนวทางดนตรีบัลเล่ต์ที่เรียบง่ายก็เกิดขึ้น (ในบัลเล่ต์ของ C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo ฯลฯ ) เป็นดนตรีที่ไพเราะมีจังหวะชัดเจนทำหน้าที่เป็นดนตรีประกอบการเต้นรำเท่านั้น
บัลเล่ต์แทรกซึมเข้าไปในรัสเซียและเริ่มแพร่กระจายแม้กระทั่งภายใต้ปีเตอร์ที่ 1 ในตอนแรก ศตวรรษที่สิบแปด ในปี 1738 ตามคำร้องขอของปรมาจารย์การเต้นรำชาวฝรั่งเศส Jean-Baptiste Lande โรงเรียนสอนเต้นบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียได้เปิดขึ้นในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก (ปัจจุบันคือ Vaganova Academy of Russian Ballet)
ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์รัสเซียเริ่มต้นในปี 1738 ต้องขอบคุณคำขอของ Mr. Lande ที่โรงเรียนสอนศิลปะบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซียปรากฏตัว - สถาบันนาฏศิลป์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กที่มีชื่อเสียงระดับโลกซึ่งตั้งชื่อตาม Agrippina Yakovlevna Vaganova ผู้ปกครองบัลลังก์รัสเซียให้ความสำคัญกับการพัฒนาศิลปะการเต้นรำมาโดยตลอด มิคาอิล เฟโดโรวิชเป็นกษัตริย์รัสเซียองค์แรกที่แนะนำตำแหน่งนักเต้นใหม่ให้กับเจ้าหน้าที่ในราชสำนักของเขา มันคืออีวาน โลดีกิน เขาไม่เพียงแต่ต้องเต้นด้วยตัวเองเท่านั้น แต่ยังต้องสอนทักษะนี้ให้ผู้อื่นด้วย ชายหนุ่มยี่สิบเก้าคนถูกจัดให้อยู่ในการกำจัดของเขา โรงละครแห่งแรกปรากฏภายใต้ซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิช จากนั้นจึงเป็นเรื่องปกติที่จะแสดงการเต้นรำบนเวทีระหว่างการแสดงละครซึ่งเรียกว่าบัลเล่ต์ ต่อมาตามพระราชกฤษฎีกาพิเศษของจักรพรรดิปีเตอร์มหาราช การเต้นรำจึงกลายเป็นส่วนสำคัญของมารยาทในราชสำนัก ในช่วงทศวรรษที่ 30 ของศตวรรษที่ 18 เยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนการเต้นรำ ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก การเต้นรำบอลรูมกลายเป็นระเบียบวินัยบังคับใน Gentry Cadet Corps ด้วยการเปิดโรงละครฤดูร้อนในสวนฤดูร้อน และโรงละครฤดูหนาวในปีกของพระราชวังฤดูหนาว นักเรียนนายร้อยเริ่มมีส่วนร่วมในการเต้นรำบัลเล่ต์ ครูสอนเต้นรำในคณะคือ Jean-Baptiste Lande เขาเข้าใจดีว่าขุนนางจะไม่อุทิศตนให้กับศิลปะบัลเล่ต์ในอนาคต แม้ว่าพวกเขาจะเต้นบัลเล่ต์ได้ทัดเทียมกับมืออาชีพก็ตาม Lande ไม่เหมือนใครที่เห็นความจำเป็นของโรงละครบัลเล่ต์รัสเซีย ในเดือนกันยายน พ.ศ. 2280 เขาได้ยื่นคำร้องโดยสามารถพิสูจน์ความจำเป็นในการสร้างโรงเรียนพิเศษแห่งใหม่ที่ซึ่งเด็กหญิงและเด็กชายที่มีต้นกำเนิดเรียบง่ายจะได้เรียนศิลปะการออกแบบท่าเต้น ในไม่ช้าก็ได้รับอนุญาตเช่นนั้น เด็กหญิงสิบสองคนและเด็กชายเรียวสิบสองคนได้รับเลือกจากคนรับใช้ในวังซึ่งแลนเดเริ่มสอน งานประจำวันนำมาซึ่งผลลัพธ์ประชาชนก็พอใจกับสิ่งที่พวกเขาเห็น ตั้งแต่ปี 1743 อดีตนักเรียนของ Lande เริ่มได้รับเงินเดือนในฐานะนักเต้นบัลเล่ต์ โรงเรียนจัดการได้อย่างรวดเร็วเพื่อให้เวทีรัสเซียมีนักเต้นบัลเล่ต์ที่ยอดเยี่ยมและศิลปินเดี่ยวที่ยอดเยี่ยม ชื่อของนักเรียนที่ดีที่สุดของกลุ่มแรกยังคงอยู่ในประวัติศาสตร์: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov
เอกลักษณ์ประจำชาติของบัลเล่ต์รัสเซียเริ่มเป็นรูปเป็นร่างเมื่อต้นศตวรรษที่ 19 ด้วยผลงานของนักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศส Sh.L. ดิดโล. Didelot เสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ ความเชื่อมโยงระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ และให้ความสำคัญกับการเต้นรำของผู้หญิงเป็นอันดับแรก
การปฏิวัติดนตรีบัลเล่ต์อย่างแท้จริงเกิดขึ้นโดยไชคอฟสกี้ ผู้ซึ่งนำการพัฒนาซิมโฟนิกอย่างต่อเนื่อง เนื้อหาเชิงอุปมาอุปไมยที่ลึกซึ้ง และการแสดงออกทางอารมณ์มาใช้ เพลงบัลเล่ต์ของเขา "Swan Lake" (1877), "Sleeping Beauty" (1890), "The Nutcracker" (1892) ได้มาพร้อมกับดนตรีไพเราะความสามารถในการเปิดเผยกระแสภายในของการกระทำ รวบรวมตัวละครของตัวละครในการมีปฏิสัมพันธ์ พัฒนาการ และการต่อสู้ ในการออกแบบท่าเต้นนวัตกรรมของไชคอฟสกีได้รับการรวบรวมโดยนักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa และ L. I. Ivanov ซึ่งเป็นผู้วางรากฐานสำหรับการซิมโฟนีของการเต้น ประเพณีการประสานเสียงดนตรีบัลเล่ต์ยังคงดำเนินต่อไปโดย Glazunov ในบัลเล่ต์ "Raymonda" (1898), "The Young Lady Servant" (1900) และ "The Seasons" (1900)
จุดเริ่มต้นของศตวรรษที่ 20 โดดเด่นด้วยการค้นหาเชิงสร้างสรรค์ ความปรารถนาที่จะเอาชนะแบบเหมารวมและแบบแผนของบัลเล่ต์เชิงวิชาการแห่งศตวรรษที่ 19 ในบัลเล่ต์ของเขา A.A. นักออกแบบท่าเต้นโรงละครบอลชอย กอร์สกี้พยายามที่จะบรรลุความสม่ำเสมอในการพัฒนาแอ็คชั่นดราม่าความถูกต้องทางประวัติศาสตร์พยายามเสริมสร้างบทบาทของคณะบัลเล่ต์ในฐานะตัวละครมวลชนและเพื่อเอาชนะการแยกโขนและการเต้นรำ M. M. Fokin มีส่วนสนับสนุนอย่างมากต่อศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียโดยการขยายแนวความคิดและภาพลักษณ์ในบัลเล่ต์อย่างมีนัยสำคัญ เสริมด้วยรูปแบบและสไตล์ใหม่ๆ ผลงานบัลเล่ต์ของเขา "Chopiniana", "Petrushka", "Firebird" และอื่น ๆ สำหรับ "Russian Seasons" สร้างชื่อเสียงให้กับบัลเล่ต์รัสเซียในต่างประเทศ ภาพจิ๋ว “The Dying Swan” (1907) ที่สร้างโดย Fokin สำหรับ Anna Pavlova ได้รับชื่อเสียงไปทั่วโลก ในปี 1911-13 บนพื้นฐานของ "ฤดูกาลรัสเซีย" คณะถาวร "บัลเล่ต์รัสเซียของ Diaghilev" ได้ก่อตั้งขึ้น หลังจากที่ Fokine ออกจากคณะ Vaslav Nijinsky ก็กลายเป็นนักออกแบบท่าเต้น ผลงานที่โด่งดังที่สุดของเขาคือบัลเล่ต์ "The Rite of Spring" กับดนตรีของ Stravinsky
บัลเล่ต์ ไชคอฟสกี แนวโรแมนติก
3. การเต้นรำสมัยใหม่
การเต้นรำสมัยใหม่เป็นทิศทางในศิลปะการเต้นรำที่ปรากฏเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 อันเป็นผลมาจากการออกจากบรรทัดฐานที่เข้มงวดของบัลเล่ต์เพื่อสนับสนุนเสรีภาพในการสร้างสรรค์ของนักออกแบบท่าเต้น
บัลเลต์ได้รับแรงบันดาลใจจากการเต้นรำแบบฟรี ซึ่งผู้สร้างไม่สนใจเทคนิคการเต้นหรือท่าเต้นใหม่ๆ มากนัก แต่สนใจในการเต้นในฐานะปรัชญาพิเศษที่สามารถเปลี่ยนแปลงชีวิตได้ การเคลื่อนไหวนี้ซึ่งเกิดขึ้นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 (Isadora Duncan ถือเป็นผู้ก่อตั้ง) ทำหน้าที่เป็นแหล่งที่มาของกระแสมากมายในการเต้นรำสมัยใหม่และเป็นแรงผลักดันในการปฏิรูปบัลเล่ต์เอง
โพสต์บน Allbest.ru
...เอกสารที่คล้ายกัน
ประวัติความเป็นมาของต้นกำเนิดบัลเล่ต์ในฐานะศิลปะการแสดงรูปแบบหนึ่งซึ่งรวมถึงรูปแบบการเต้นรำที่เป็นทางการ การแยกบัลเล่ต์ออกจากโอเปร่าการเกิดขึ้นของการแสดงละครรูปแบบใหม่ Russian Ballet S.P. ไดอากีเลฟ. บัลเล่ต์โลกในช่วงปลายศตวรรษที่ 9 และต้นศตวรรษที่ 20
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 02/08/2011
เต้นรำเป็นรูปแบบศิลปะ ประเภทและประเภทของท่าเต้น บัลเลต์แห่งอิตาลีในศตวรรษที่ 17 บัลเล่ต์โรแมนติกในรัสเซีย ตำแหน่งแขนและขา ตำแหน่งของร่างกายและศีรษะในนาฏศิลป์คลาสสิก บทเพลงบัลเล่ต์ "The Fountain of Bakhchisarai" บุคคลสำคัญของบัลเล่ต์ฝรั่งเศสในศตวรรษที่ 18
แผ่นโกงเพิ่มเมื่อ 11/04/2014
การพิจารณานาฏศิลป์เป็นรูปแบบศิลปะที่มีเนื้อหาเป็นการเคลื่อนไหวและอิริยาบถของร่างกายมนุษย์ซึ่งประกอบขึ้นเป็นระบบศิลปะเดียว ความเป็นไปได้ของท่าเต้นในการเปิดเผยอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์ ความสามัคคีของจิตวิญญาณและร่างกายในความเป็นพลาสติกทางดนตรีของบัลเล่ต์
ทดสอบเพิ่มเมื่อ 24/12/2555
ลักษณะทางปรัชญาและสุนทรียศาสตร์ของวัฒนธรรมยุคฟื้นฟูศิลปวิทยา สถานที่แห่งดนตรีในระบบศิลปะเรอเนซองส์ ดนตรีและการเต้นรำ: แง่มุมของการมีปฏิสัมพันธ์ การออกแบบท่าเต้นเกี่ยวกับแนวทางการตัดสินใจด้วยตนเอง ประเภทศิลปะการเต้นรำของยุคเรอเนซองส์
งานหลักสูตร เพิ่มเมื่อ 12/19/2010
องค์ประกอบหลักของบัลเล่ต์กระบวนการสร้างจากงานวรรณกรรม วัตถุประสงค์ของเครื่องแต่งกายและทิวทัศน์บทบาทของวีรบุรุษในการผลิตบัลเล่ต์ ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์เนื่องจากการแบ่งการเต้นรำเป็นรูปแบบประจำวันและบนเวที
การนำเสนอเพิ่มเมื่อ 25/02/2555
การเต้นรำพื้นบ้านเป็นต้นกำเนิดของบัลเล่ต์รัสเซีย บทบาทของบัลเล่ต์เสิร์ฟในการพัฒนา นักเต้นมืออาชีพชาวรัสเซียคนแรก บัลเล่ต์แห่งศตวรรษที่ 19 และ 20 – ความต่อเนื่องของประเพณีพื้นบ้านในนาฏศิลป์รัสเซีย การกำเนิดของศิลปะการเต้นรำสมัยใหม่
บทคัดย่อเพิ่มเมื่อ 20/05/2554
การเผยแพร่แนวโรแมนติกเป็นการเคลื่อนไหวทางศิลปะ การสังเคราะห์ศิลปะ ปรัชญา ศาสนา ในระบบศิลปะโรแมนติก ความเสื่อมถอยของศิลปะบัลเล่ต์ในยุโรป และเฟื่องฟูในรัสเซีย นักออกแบบท่าเต้นและนักออกแบบท่าเต้นดีเด่นแห่งยุคโรแมนติก
ทดสอบเพิ่มเมื่อ 03/11/2013
บัลเล่ต์ก่อนปี 1900 ต้นกำเนิดของบัลเล่ต์ในฐานะการแสดงในศาล ทักษะของครูสอนเต้นรำชาวอิตาลียุคแรก บัลเล่ต์ในยุคแห่งการตรัสรู้ บัลเล่ต์โรแมนติก บัลเล่ต์ศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์รัสเซีย S.P. ไดอากีเลฟ. บัลเล่ต์ในสหรัฐอเมริกา บัลเลต์โลก. บริเตนใหญ่. ฝรั่งเศส.
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 11/08/2008
แนวคิดของการออกแบบท่าเต้นในฐานะศิลปะประเภทหนึ่ง ลักษณะและคุณลักษณะที่โดดเด่น ประวัติความเป็นมาของการก่อตัวและการพัฒนา ขั้นตอนการเบ่งบานของศิลปะบัลเล่ต์ โรงเรียนชั้นนำ และทิศทาง การพัฒนาท่าเต้นและบัลเล่ต์ในยูเครนยุคใหม่
บทคัดย่อ เพิ่มเมื่อ 10/04/2009
ประวัติความเป็นมาของบัลเล่ต์ ต้นกำเนิดของรากฐานของเทคนิคบัลเล่ต์ที่ Paris Opera ในปี 1681 การยกเลิกบัลเล่ต์ในเติร์กเมนิสถานในปี 2544 บัลเลต์จากนักประพันธ์เพลงชื่อดัง ปรมาจารย์ด้านศิลปะบัลเล่ต์รัสเซียที่โดดเด่น โรงเรียนบัลเล่ต์คลาสสิก
ศิลปะที่สวยงามที่สุด บัลเล่ต์ บอกเล่าเรื่องราวความรักและความตายในภาษาที่ทุกคนบนโลกเข้าใจได้ ค่านิยมที่ยั่งยืน อาชญากรรมที่เกิดขึ้นซ้ำแล้วซ้ำเล่า ปาฏิหาริย์แห่งศรัทธา คำสาบาน และหน้าที่ แสดงออกผ่านการเต้นระบำ พระคัมภีร์กล่าวว่า “ในปฐมกาลนั้นมีพระวาทะ” แต่มายา พลีเซตสกายาคัดค้านว่า “ในปฐมกาลนั้นมีท่าทาง!” ศิลปะแห่งการเคลื่อนไหวอย่างเงียบๆ ไม่จำเป็นต้องใช้ภาษามนุษย์หรือการแปล ความงามของร่างกายในการเคลื่อนไหว ร่างกายเป็นเครื่องมือในการสร้างสรรค์งานศิลปะ ปัจจุบันทำหน้าที่เป็น "แผนการ" สำหรับการเต้นรำที่ไร้การวางแผน บัลเล่ต์เป็นไปไม่ได้หากปราศจากเทคนิคการเต้นรำแบบคลาสสิก ปราศจากธรรมชาติของร่างกาย ปราศจากการเสียสละและความรักที่ไม่มีเงื่อนไข ปราศจากเหงื่อและเลือด แต่บัลเล่ต์ก็เป็นการเคลื่อนไหวที่สมบูรณ์แบบที่ทำให้คุณลืมทุกสิ่งที่ไม่สำคัญและทางโลก
ประวัติโดยย่อของบัลเล่ต์รัสเซีย
การแสดงบัลเล่ต์ครั้งแรกในรัสเซียเกิดขึ้นที่ Maslenitsa เมื่อวันที่ 17 กุมภาพันธ์ ค.ศ. 1672 ที่ราชสำนักของซาร์อเล็กซี่ มิคาอิโลวิช ใน Preobrazhenskoye ก่อนเริ่มการแสดง นักแสดงที่รับบทเป็นออร์ฟัสก็ขึ้นมาบนเวทีและร้องเพลงโคลงภาษาเยอรมันซึ่งแปลโดยนักแปลถึงซาร์ซึ่งคุณสมบัติอันมหัศจรรย์ของจิตวิญญาณของอเล็กซี่ มิคาอิโลวิชได้รับการยกย่อง ในเวลานี้ทั้งสองด้านของ Orpheus มีปิรามิดสองตัวประดับด้วยแบนเนอร์และส่องสว่างด้วยไฟหลากสีซึ่งหลังจากเพลงของ Orpheus ก็เริ่มเต้น ภายใต้ Peter I การเต้นรำในความหมายสมัยใหม่ของคำที่ปรากฏในรัสเซีย: มีการแนะนำ minuets การเต้นรำในชนบท ฯลฯ เขาได้ออกพระราชกฤษฎีกาตามที่การเต้นรำกลายเป็นส่วนหลักของมารยาทในศาลและเยาวชนผู้สูงศักดิ์จำเป็นต้องเรียนรู้การเต้นรำ . ในปี 1731 Land Noble Corps เปิดทำการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งถูกกำหนดให้เป็นแหล่งกำเนิดของบัลเล่ต์รัสเซีย เนื่องจากผู้สำเร็จการศึกษาจากคณะในอนาคตคาดว่าจะดำรงตำแหน่งระดับสูงในรัฐบาลและต้องการความรู้ด้านมารยาททางสังคม การศึกษาด้านวิจิตรศิลป์ รวมทั้งการเต้นรำบอลรูม จึงได้รับความสำคัญในคณะ เมื่อวันที่ 4 พฤษภาคม ค.ศ. 1738 Jean Baptiste Lande ปรมาจารย์การเต้นรำชาวฝรั่งเศสได้เปิดโรงเรียนสอนเต้นบัลเล่ต์แห่งแรกในรัสเซีย - "โรงเรียนเต้นรำของพระบาทสมเด็จพระเจ้าอยู่หัว" (ปัจจุบันคือ Vaganova Academy of Russian Ballet)
ในห้องที่มีอุปกรณ์พิเศษของพระราชวังฤดูหนาว Lande เริ่มฝึกเด็กชายและเด็กหญิงชาวรัสเซีย 12 คน นักเรียนถูกคัดเลือกจากเด็กที่มีต้นกำเนิดเรียบง่าย การศึกษาที่โรงเรียนนั้นฟรี นักเรียนได้รับการสนับสนุนอย่างเต็มที่ บัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาเพิ่มเติมในรัสเซียในรัชสมัยของเอลิซาเบธ เปตรอฟนา ในบรรดานักเรียนนายร้อยของ Ground Corps Nikita Beketov เก่งด้านการเต้น ยิ่งไปกว่านั้น Beketov ซึ่งต่อมากลายเป็นคนโปรดของเอลิซาเบ ธ ได้รับความโปรดปรานเป็นพิเศษจากจักรพรรดินีซึ่งแต่งตัวให้กับชายหนุ่มซึ่งแสดงบทบาทหญิงได้อย่างยอดเยี่ยม ในปี 1742 คณะบัลเล่ต์ชุดแรกถูกสร้างขึ้นจากนักเรียนของโรงเรียน Lande และในปี 1743 ค่าธรรมเนียมเริ่มจ่ายให้กับผู้เข้าร่วม ในวันที่ 1 สิงหาคม พ.ศ. 2302 ในวันพระนามจักรพรรดินีและเนื่องในโอกาสแห่งชัยชนะเหนือกองทหารปรัสเซียนที่แฟรงก์เฟิร์ต ละครบัลเล่ต์เรื่อง "Refuge of Virtue" ได้รับการจัดแสดงอย่างเคร่งขรึมซึ่งประสบความสำเร็จอย่างมาก
ในช่วงรัชสมัยของแคทเธอรีนที่ 2 บัลเล่ต์ในรัสเซียได้รับความนิยมมากยิ่งขึ้นและได้รับการพัฒนาเพิ่มเติม เนื่องในโอกาสราชาภิเษกของเธอมีการมอบบัลเล่ต์อันหรูหรา "Joyful Return to the Arcadian Shepherds and Shepherdesses of the Goddess of Spring" ในพระราชวังมอสโกซึ่งมีขุนนางผู้สูงศักดิ์ที่สุดเข้าร่วม เป็นที่ทราบกันดีว่าทายาทแห่งบัลลังก์ Pavel Petrovich มักเต้นรำในการแสดงบัลเล่ต์ที่โรงละครในศาล ตั้งแต่ยุคของแคทเธอรีนที่ 2 ประเพณีบัลเล่ต์ทาสได้ปรากฏในรัสเซียเมื่อเจ้าของที่ดินเริ่มคณะเร่ร่อนที่ประกอบด้วยชาวนาทาส บัลเล่ต์ของเจ้าของที่ดิน Nashchokin มีชื่อเสียงมากที่สุดในบรรดาบัลเล่ต์เหล่านี้
ในปี 1766 นักออกแบบท่าเต้นและนักแต่งเพลง Gasparo Angiolini ซึ่งถูกปลดออกจากเวียนนาได้เพิ่มรสชาติของรัสเซียให้กับการแสดงบัลเล่ต์ - เขาแนะนำท่วงทำนองของรัสเซียในการแสดงบัลเล่ต์ดนตรีซึ่งทำให้ทุกคนประหลาดใจและได้รับการยกย่องจากทั่วโลก ในตอนต้นของรัชสมัยของพระเจ้าปอลที่ 1 บัลเล่ต์ยังคงเป็นแฟชั่นอยู่ ที่น่าสนใจภายใต้ Paul I มีการออกกฎพิเศษสำหรับบัลเล่ต์ - ได้รับคำสั่งว่าไม่ควรมีผู้ชายคนเดียวบนเวทีในระหว่างการแสดง Evgenia Kolosova และ Nastasya Berilova เต้นรำบทบาทของผู้ชาย
สิ่งนี้ดำเนินต่อไปจนกระทั่ง Auguste Poirot มาถึงเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ในช่วงรัชสมัยของพระเจ้าอเล็กซานเดอร์ที่ 1 บัลเลต์รัสเซียยังคงพัฒนาอย่างต่อเนื่องจนก้าวไปสู่จุดสูงสุดใหม่ บัลเล่ต์รัสเซียเป็นหนี้ความสำเร็จในเวลานี้ ประการแรกคือ Carl Didelot นักออกแบบท่าเต้นชาวฝรั่งเศสที่ได้รับเชิญซึ่งมาถึงรัสเซียในปี 1801 ภายใต้การนำของเขา นักเต้นเช่น Maria Danilova และ Evdokia Istomina เริ่มโดดเด่นในบัลเล่ต์รัสเซีย ในเวลานี้ บัลเล่ต์ในรัสเซียได้รับความนิยมอย่างที่ไม่เคยมีมาก่อน Derzhavin, Pushkin และ Griboyedov ร้องเพลงบัลเล่ต์ของ Didelot และนักเรียนของเขา - Istomin และ Teleshova องค์จักรพรรดิทรงชื่นชอบการแสดงบัลเล่ต์และแทบไม่เคยพลาดแม้แต่การแสดงเดียว ในปี พ.ศ. 2374 Didelot ออกจากเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเนื่องจากมีความขัดแย้งกับผู้กำกับละคร Prince Gagarin ในไม่ช้าดาวดวงหนึ่งก็เริ่มส่องแสงบนเวทีเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก บัลเล่ต์ยุโรป Maria Taglioni
เธอเปิดตัวเมื่อวันที่ 6 กันยายน พ.ศ. 2380 ในบัลเล่ต์ La Sylphide และสร้างความพึงพอใจให้กับสาธารณชน ความเบาบาง ความสง่างามที่บริสุทธิ์ เทคนิคพิเศษ และการแสดงออกทางสีหน้าไม่เคยแสดงโดยนักเต้นคนใดเลย ในปีพ.ศ. 2384 เธอกล่าวคำอำลากับเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก โดยได้เต้นรำมากกว่า 200 ครั้งในช่วงเวลานี้
ในปี 1848 Fanny Elsler คู่แข่งของ Taglioni ซึ่งมีชื่อเสียงในด้านความสง่างามและการแสดงออกทางสีหน้ามาที่เซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ตามเธอไป Carlotta Grisi ได้ไปเยือนเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ซึ่งเปิดตัวในปี 1851 ในภาพยนตร์เรื่อง "Giselle" และประสบความสำเร็จอย่างมาก โดยแสดงตัวว่าเป็นนักเต้นชั้นหนึ่งและเป็นนักแสดงเลียนแบบที่ยอดเยี่ยม ในเวลานี้นักออกแบบท่าเต้น Marius Petipa, Joseph Mazilier และคนอื่น ๆ จัดแสดงบัลเล่ต์หรูหราอย่างต่อเนื่องและพยายามดึงดูดศิลปินที่มีความสามารถมาโดยตลอดและพยายามนำเสนอการแสดงบัลเล่ต์ซึ่งเริ่มเย็นลงด้วยโอเปร่าของอิตาลี ในบรรดานักวิจารณ์บัลเล่ต์ในยุคนั้นคือ Vissarion Belinsky ผู้เขียนบทความเกี่ยวกับ Taglioni, Guerino และ Sankovskaya ในช่วงรัชสมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 2 การส่งเสริมความสามารถในประเทศเริ่มขึ้นในบัลเล่ต์รัสเซีย นักเต้นชาวรัสเซียที่มีพรสวรรค์จำนวนหนึ่งร่วมแสดงความยินดีบนเวทีบัลเล่ต์ แม้ว่าการผลิตบัลเล่ต์จะมีเศรษฐกิจที่ดี แต่ประสบการณ์ของ Mariyca Petipa ทำให้สามารถแสดงบัลเล่ต์อันหรูหราด้วยต้นทุนทางการเงินที่ต่ำ ซึ่งความสำเร็จได้รับการอำนวยความสะดวกอย่างมากจากการตกแต่งที่ยอดเยี่ยมของศิลปิน ในช่วงระยะเวลาของการพัฒนาบัลเล่ต์รัสเซียนี้ การเต้นรำมีความสำคัญมากกว่าความเป็นพลาสติกและการแสดงออกทางสีหน้า
ในช่วงรัชสมัยของอเล็กซานเดอร์ที่ 3 มีการจัดแสดงบัลเล่ต์ที่โรงละคร Mariinsky สัปดาห์ละสองครั้ง - ในวันพุธและวันอาทิตย์ นักออกแบบท่าเต้นยังคงเป็น Marius Petipa ในเวลานี้ นักบัลเล่ต์ชาวต่างชาติกำลังทัวร์ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก รวมถึง Carlotta Brianza ซึ่งเป็นคนแรกที่แสดงบทบาทของออโรร่าในบัลเล่ต์เรื่อง The Sleeping Beauty โดย Pyotr Tchaikovsky นักเต้นชั้นนำคือ Vasily Geltser และ Nikolai Domashev ในศตวรรษที่ 20 - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909 ในตอนต้นของศตวรรษที่ 20 ผู้ดูแลประเพณีทางวิชาการคือศิลปิน: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina วากาโนวา, โอลก้า สเปซีฟเซวา. ในการค้นหารูปแบบใหม่ มิคาอิล โฟคินอาศัยงานศิลปะสมัยใหม่
แอนนา ปาฟโลวา. เชิญชวนไปเต้นรำอาคา คำเชิญไปที่วาล์ว
รูปแบบละครเวทีที่นักออกแบบท่าเต้นชื่นชอบคือบัลเล่ต์แบบหนึ่งองก์ซึ่งมีการแสดงต่อเนื่องสั้นๆ และการใช้สีโวหารที่กำหนดไว้อย่างชัดเจน Mikhail Fokine เป็นเจ้าของบัลเล่ต์ต่อไปนี้: "Pavilion of Armida", "Chopiniana", "Egyptian Nights", "Carnival", 1910; "Petrushka", "Polovtsian Dances" ในโอเปร่า "Prince Igor" Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky และ Anna Pavlova มีชื่อเสียงในบัลเล่ต์ของ Fokine การแสดงชุดแรกของบัลเล่ต์ Don Quixote ซึ่งเป็นเพลงของ Ludwig Minkus เข้าถึงผู้ร่วมสมัยในฉบับของ Alexander Gorsky
บัลเล่ต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 20
Galina Ulanova ในบัลเล่ต์ "Giselle"
Pas de deux จากบัลเล่ต์ "Swan Lake" โดย Tchaikovsky
บัลเล่ต์รัสเซียแห่งศตวรรษที่ 21
Pas de deux จากบัลเล่ต์ "Corsair" โดย Adana
Pas de deux จากบัลเล่ต์ "Don Quixote" โดย Minkus
Pas de deux จากบัลเล่ต์ "La Bayadère" โดย Minkus
Adagio และ pas de deux จากบัลเล่ต์ "Giselle" โดย Adam
การแสดงออกแบบท่าเต้นครั้งแรกในรัสเซียคือ "The Ballet of Orpheus" ซึ่งแสดงใน "คฤหาสน์ตลก" ของซาร์อเล็กซี่มิคาอิโลวิชในที่ดินของเขา - หมู่บ้าน Preobrazhenskoe ใกล้มอสโก (13 กุมภาพันธ์ 1675?) ตั้งแต่ครึ่งแรกของศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ได้รับการแนะนำโดยนักออกแบบท่าเต้นและครูสอนเต้นรำจากอิตาลีและฝรั่งเศส รัสเซียกลายเป็นดินแดนที่อุดมสมบูรณ์มากสำหรับการพัฒนาโรงละครบัลเล่ต์ด้วยคติชนวิทยาการเต้นที่เข้มข้น เมื่อเข้าใจวิทยาศาสตร์ที่ชาวต่างชาติสอน ในทางกลับกัน ชาวรัสเซียได้นำน้ำเสียงของตนเองมาใช้ในการเต้นรำในต่างประเทศ ในช่วงทศวรรษที่ 1730 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก ฉากบัลเล่ต์ในการแสดงโอเปร่าในศาลจัดแสดงโดย J.-B. ลันเด และ เอ. รินัลดี (ฟอสซาโน) ในปี 1738 โรงเรียนบัลเล่ต์เซนต์ปีเตอร์สเบิร์กเปิดทำการ (ปัจจุบันคือสถาบันการเต้นรำเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กซึ่งตั้งชื่อตาม A. Ya. Vaganova) ผู้สร้างและผู้อำนวยการคือ Lande ในปี พ.ศ. 2316 กิจการล้างรถ สถานศึกษาเปิดแผนกบัลเล่ต์ - ผู้บุกเบิกและเป็นรากฐานของโรงเรียนออกแบบท่าเต้นมอสโก ครูและนักออกแบบท่าเต้นคนแรกของเขาคือแอล. พาราไดซ์ ในช่วงปลายศตวรรษที่ 18 คณะทาสเริ่มพัฒนาในนิคมของ Sheremetev Count ใกล้มอสโก (Kuskovo, Ostankino) ฯลฯ เมื่อถึงเวลานั้นเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กและมอสโกมีศาลและโรงละครสาธารณะ นักแต่งเพลง นักออกแบบท่าเต้น และคนอื่นๆ อีกหลายคนทำงานที่นั่น นักแสดงชาวรัสเซีย - A. S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova ตั้งแต่คริสต์ทศวรรษ 1760 มาตุภูมิ บัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาในกระแสหลักทั่วไปของโรงละครแห่งความคลาสสิก อุดมคติของสุนทรียภาพแห่งศิลปะคลาสสิกคือ "ธรรมชาติอันสูงส่ง" และบรรทัดฐานของงานศิลปะก็คือความเป็นสัดส่วนที่เข้มงวด ซึ่งแสดงออกในรูปแบบของสามเอกภาพ ได้แก่ สถานที่ เวลา และการกระทำ ภายในกรอบของข้อกำหนดเชิงบรรทัดฐานเหล่านี้ ศูนย์กลางของการกระทำกลายเป็นบุคคล ชะตากรรม การกระทำและประสบการณ์ของเขา อุทิศตนเพื่อเป้าหมายเดียว โดดเด่นด้วยความหลงใหลที่กินเวลาทั้งหมดเพียงจุดเดียว ประเภทของบัลเล่ต์โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญสอดคล้องกับหลักการพื้นฐานของลัทธิคลาสสิก ตัวแทนของสุนทรียศาสตร์ของบัลเล่ต์คลาสสิกในตะวันตกคือ J. J. Nover ซึ่งถือว่าการแสดงบัลเล่ต์เป็นงานศิลปะที่เป็นอิสระโดยมีการวางอุบายที่แข็งแกร่งการกระทำที่พัฒนาอย่างมีเหตุผลและสม่ำเสมอพร้อมวีรบุรุษ - ผู้ถือความหลงใหลอันแรงกล้า ในช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 18 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กบัลเล่ต์จัดแสดงโดยชาวออสเตรีย F. Hilferding ชาวอิตาลี G. Canziani, G. Angiolini ซึ่งบางครั้งใช้แผนการของรัสเซีย (เช่น "Semira" ตามโศกนาฏกรรมของ A. P. Sumarokov จัดแสดงโดย Angiolini และด้วย ดนตรีของเขา พ.ศ. 2315) การแสดงเหล่านี้ซึ่งมีความขัดแย้งที่คมชัดและการกระทำที่มีรายละเอียดถือเป็นการแสดงใหม่บนเวทีรัสเซีย เหนือสิ่งอื่นใด G. Solomoni ชาวอิตาลีทำงานในมอสโกโดยโปรโมตบัลเล่ต์ของ Novera ซึ่งออกแบบท่าเต้น "Vain Precaution" โดย J. Dauberval (แสดงภายใต้ชื่อ "The Deceived Old Woman", 1800)
ความมั่งคั่งของบัลเล่ต์รัสเซียในศตวรรษที่ 18 และ 19
ในช่วงเปลี่ยนศตวรรษที่ 18-19 บัลเล่ต์รัสเซียเข้าสู่ยุครุ่งเรือง นักแต่งเพลงในประเทศปรากฏตัว - A. N. Titov, S. I. Davydov และนักแต่งเพลงชาวต่างประเทศ Russified - K. A. Kavos, F. E. Scholz นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้นชาวรัสเซีย I. I. Valberkh ได้สรุปเส้นทางสู่การสังเคราะห์สไตล์การแสดงของรัสเซียด้วยละครใบ้และเทคนิคการเต้นที่เก่งกาจของบัลเล่ต์อิตาลีตลอดจนรูปแบบโครงสร้างของโรงเรียนภาษาฝรั่งเศส หลักการของความรู้สึกอ่อนไหวถูกกำหนดไว้ในงานศิลปะของเขา ประเภทชั้นนำคือบัลเล่ต์ที่ไพเราะ เหตุการณ์ของสงครามรักชาติในปี 1812 ทำให้เกิดความเจริญรุ่งเรืองของบัลเล่ต์ที่หลากหลาย: ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กพวกเขาจัดแสดงโดย Walberch ในมอสโกโดย I. M. Abletz, I. K. Lobanov, A. P. Glushkovsky ศิลปินเดี่ยว ได้แก่: ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก E. I. Kolosova ในมอสโก - T. I. Glushkovskaya, A. I. Voronina-Ivanova ในช่วงปี 1800-20 ในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กงานของนักออกแบบท่าเต้น C. Didelot เริ่มขึ้น Didelot ผู้สืบสานประเพณีของ Novera และ Dauberval ได้จัดแสดงบัลเล่ต์ในหัวข้อในตำนาน (Zephyr and Flora, 1808; Cupid and Psyche, 1809; Acis และ Galatea, 1816) และธีมประวัติศาสตร์ที่กล้าหาญ (The Hungarian Hut หรือ Famous Exiles "F . Venua, 1817 "Raoul de Créquy หรือการกลับมาจากสงครามครูเสด" โดย Kavos และ T.V. Zhuchkovsky, 1819) ด้วยความร่วมมือกับ Kavos เขาได้หยิบยกหลักการของการเขียนโปรแกรมโดยอิงจากความสามัคคีของละครเพลงและการออกแบบท่าเต้นของการแสดงบัลเล่ต์ ในบัลเล่ต์ก่อนโรแมนติกของเขา การเต้นรำเดี่ยวและคณะบัลเล่ต์มีปฏิสัมพันธ์กันในรูปแบบที่ซับซ้อน บัลเล่ต์โศกนาฏกรรมที่กล้าหาญของ Didelot เผยให้เห็นการกระทำผ่านละครใบ้ทางจิตวิทยาและมีจุดยืนที่น่าทึ่งที่ขัดแย้งกันมากมาย บัลเล่ต์ตลกของเขามีวิธีการแสดงออกที่หลากหลาย ("The Young Milkmaid หรือ Nicetta and Luca" โดย F. Antonolini, 1817; "Return from India, or the Wooden Leg" โดย Venua, 1821) ในปี ค.ศ. 1823 Didelot ได้แสดงบัลเล่ต์โดยอิงจากบทกวีของ A. S. Pushkin เรื่อง "The Prisoner of the Caucasus หรือ the Shadow of the Bride" E. I. Kolosova, M. I. Danilova, A. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (A. Poirot), N. O. Golts มีชื่อเสียงในการแสดงของเขา
ในมอสโกตั้งแต่ปี 1806 คณะบัลเล่ต์ของโรงละครส่วนตัวของ M. Meddox อยู่ภายใต้เขตอำนาจของ Directorate of Imperial Theatres จนถึงปี ค.ศ. 1812 นักออกแบบท่าเต้นรองก็ถูกแทนที่ที่นี่หลายครั้ง หลังจากการขับไล่ชาวฝรั่งเศสออกจากมอสโกว A.P. Glushkovsky นักออกแบบท่าเต้นและนักเรียนของ Didelot เป็นหัวหน้าโรงเรียนบัลเล่ต์และคณะ Glushkovsky ซึ่งเป็นลูกศิษย์ของ Walberg และ Didelot ได้ย้ายละครเพลงของเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กไปยังเวทีมอสโก โดยหลักๆ แล้วคือบัลเล่ต์ของ Didelot การแสดงบัลเล่ต์แบบอะนาครีออนติกและบัลเล่ต์เรื่องประโลมโลก ใช้โครงเรื่องของ A. S. Pushkin (“Ruslan และ Lyudmila หรือการโค่นล้มเชอร์โนมอร์” , the Evil Wizard” Scholz, 1821) และ V. A. Zhukovsky (“Three Belts, or Russian Cendrillon” โดย Scholz, 1826) Glushkovsky เตรียมเครื่องซักผ้า คณะบัลเล่ต์ซึ่ง Voronina-Ivanova, T. I. Glushkovskaya, V. S. และ D. S. Lopukhins เต้นเพื่อสร้างละครโรแมนติก
ในช่วงที่สามของศตวรรษที่ 19 ศิลปะบัลเล่ต์ของรัสเซียได้เติบโตเป็นผู้ใหญ่อย่างสร้างสรรค์และได้กลายมาเป็นโรงเรียนระดับชาติ แม่นยำที่สุด ความแปลกประหลาดของศิลปะการแสดงของนักเต้นชาวรัสเซียถูกกำหนดโดย A. S. Pushkin เมื่อเขาบรรยายการเต้นรำของ A. I. Istomina ร่วมสมัยของเขาว่าเป็น "การบินที่เต็มไปด้วยจิตวิญญาณ" บัลเลต์มีตำแหน่งพิเศษเหนือโรงละครประเภทอื่นๆ เจ้าหน้าที่ให้ความสนใจอย่างใกล้ชิดและให้เงินอุดหนุนจากรัฐบาล ในปี พ.ศ. 2368 โรงละครบอลชอยเปิดทำการในมอสโก และคณะบัลเล่ต์ได้รับเวทีที่มีอุปกรณ์ครบครันและในขณะเดียวกันก็มีนักเต้น ครู และนักออกแบบท่าเต้นชั้นนำของทิศทางก่อนโรแมนติก F. V. Gyullen-Sor ในช่วงต้นทศวรรษที่ 1830 คณะบัลเล่ต์ทั้งมอสโกและเซนต์ปีเตอร์สเบิร์กแสดงในโรงละครที่มีอุปกรณ์ครบครัน บัลเลต์รัสเซียได้รับการยอมรับโดยผู้ที่เกิดในโลกตะวันตก ยวนใจยุโรป ในช่วงกลางทศวรรษที่ 30 การแสดงโดดเด่นด้วยความงดงามและความสามัคคี ทักษะระดับมัธยมศึกษาตอนปลายและความสามัคคีของวงดนตรี
ธีมของแนวโรแมนติกและความสมจริง
ความขัดแย้งระหว่างความฝันและความเป็นจริง ซึ่งเป็นประเด็นหลักในศิลปะโรแมนติก ได้เปลี่ยนรูปแบบและรูปแบบของความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะขึ้นมาใหม่ ในโรงละครบัลเล่ต์ มีศิลปะโรแมนติกสองประเภทเกิดขึ้น ครั้งแรกยืนยันความไม่ลงรอยกันของความฝันและความเป็นจริงในระนาบโคลงสั้น ๆ ทั่วไปซึ่งมีภาพที่ยอดเยี่ยมครอบงำ - ซิลฟ์, วิลลิส, ไนแอด อีกคนหนึ่งมุ่งสู่สถานการณ์ชีวิตที่ตึงเครียดและบางครั้งก็มีแรงจูงใจในการวิพากษ์วิจารณ์ความเป็นจริง (ที่ศูนย์กลางของเหตุการณ์ต่าง ๆ ที่มักจะแปลกใหม่คือฮีโร่นักฝันที่เข้าร่วมต่อสู้กับความชั่วร้าย) ในบรรดาบุคคลสำคัญของสาขาแรก ได้แก่ นักออกแบบท่าเต้น F. Taglioni และนักเต้น M. Taglioni; คนที่สองคือนักออกแบบท่าเต้น J. Perrot และนักเต้น F. Elsler ทั้งสองทิศทางรวมกันเป็นหนึ่งเดียวด้วยความสัมพันธ์ใหม่ที่มีแนวโน้มสวยงามระหว่างการเต้นรำและละครใบ้ การเต้นรำปรากฏอยู่เบื้องหน้าและกลายเป็นจุดสุดยอดของการแสดงละคร การแสดงศิลปะโรแมนติกแสดงให้เห็นอย่างชัดเจนโดยเฉพาะโดย E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya, T. Guerino ละครของโรงละครรัสเซียประกอบด้วยบัลเล่ต์โรแมนติกที่มีชื่อเสียงที่สุดของยุโรปตะวันตก ยุโรป: "La Sylphide", "Giselle", "Esmeralda", "Corsair", "Naiad and the Fisherman", "Katarina, the Robber's Daughter" ในช่วงทศวรรษที่ 1860 การล่มสลายของการแสดงโรแมนติกเริ่มขึ้นในรัสเซีย ในช่วงหลายปีที่วรรณกรรมและศิลปะรัสเซียมีแนวทางที่สมจริง บัลเลต์ยังคงเป็นโรงละครในศาลที่มีเอฟเฟ็กต์อลังการและความหลากหลายมากมาย ในเวลาเดียวกัน A. Saint-Leon ได้เสริมสร้างคำศัพท์ของการเต้นรำทั้งคลาสสิกและตัวละครโดยขยายขีดความสามารถของวงดนตรีเต้นรำแบบขยายเพื่อเตรียมความสำเร็จของ M. I. Petitpas ในเวลาเดียวกัน K. Blazis ได้ปรับปรุงเทคนิคของนักเต้นที่โรงเรียนบัลเล่ต์มอสโก ความสูงของบทกวีของศิลปะบัลเล่ต์ได้รับการเก็บรักษาโดย M. N. Muravyova, P. P. Lebedeva, N. K. Bogdanova, V. F. Geltser
ในอดีต บัลเลต์รัสเซียคือผู้ที่ฟื้นคืนศิลปะการบัลเลต์ในคุณภาพใหม่ นักออกแบบท่าเต้น M. I. Petipa เริ่มกิจกรรมสร้างสรรค์ของเขาในหลักการของสุนทรียศาสตร์ที่ล้าสมัยของแนวโรแมนติก แต่เขายังคงดำเนินกระบวนการนาฏศิลป์ที่มีคุณค่าซึ่งเริ่มขึ้นในยุคนี้ต่อไป ในบัลเล่ต์ของเขากับดนตรีของนักประพันธ์เพลงของโรงละครอิมพีเรียล C. Pugni (King Candaulus, 1868) และ L. Minkus (La Bayadère, 1877) พื้นฐานที่มีความหมายและจุดสุดยอดของการแสดงได้รับการพัฒนาอย่างเชี่ยวชาญ วงดนตรีนาฏศิลป์คลาสสิกที่ ธีมของคณะบัลเล่ต์ได้รับการพัฒนาและเปรียบเทียบกัน และการเต้นรำเดี่ยว ลวดลายการเต้น และลักษณะเฉพาะก็ขัดแย้งกัน ต้องขอบคุณ Petipa ที่ทำให้สุนทรียศาสตร์ของบัลเล่ต์ "ยิ่งใหญ่" หรือเชิงวิชาการเกิดขึ้น - ปรากฏการณ์ที่ยิ่งใหญ่ที่สร้างขึ้นตามบรรทัดฐานของบทและละครเพลงและการกระทำภายนอกถูกเปิดเผยในการแสดงโขนและภายใน - ในโครงสร้างที่เป็นที่ยอมรับของคลาสสิก เต้นรำ. การค้นหาของ Petipa เสร็จสิ้นโดยความร่วมมือของเขากับ P. I. Tchaikovsky (The Sleeping Beauty, 1890; Swan Lake, 1895) และ A. K. Glazunov (Raymonda, 1898; The Seasons, 1900) ซึ่งเพลงดังกล่าวกลายเป็นจุดสุดยอดของการแสดงซิมโฟนีบัลเล่ต์ในศตวรรษที่ 19 ผลงานของนักออกแบบท่าเต้น L. I. Ivanov ผู้ช่วยของ Petipa (The Nutcracker, 1892; ฉากหงส์ใน Swan Lake, 1895) ได้ทำนายภาพการเต้นรำใหม่ของต้นศตวรรษที่ 20 แล้ว E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, P. A. Gerdt, N. G. Legat, M. F. Kshesinskaya, A. I. Sobeshanekaya, A. V. Shiryaev, O. I. Preobrazhenskaya, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi 
เมื่อต้นศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์รัสเซียเป็นผู้นำในโรงละครบัลเล่ต์โลก นักออกแบบท่าเต้น - ปฏิรูป M. M. Fokin อัปเดตเนื้อหาและรูปแบบของการแสดงบัลเล่ต์สร้างการแสดงรูปแบบใหม่ - บัลเล่ต์แบบหนึ่งองก์ซึ่งอยู่ใต้บังคับบัญชาของแอ็คชั่นจากต้นจนจบซึ่งเนื้อหาถูกเปิดเผยในความสามัคคีของดนตรีที่ไม่ละลายน้ำ , การออกแบบท่าเต้น, ฉาก (“ Chopiniana”, “ Petrushka”, “ Scheherazade”) A. A. Gorsky (“Gudula's Daughter” ที่สร้างจากนวนิยายเรื่อง “Notre Dame Cathedral” โดย V. Hugo, 1902; “Salammbô” ที่สร้างจากนวนิยายของ G. Flaubert, 1910) ยังสนับสนุนความสมบูรณ์ของการแสดงบัลเล่ต์ ความถูกต้องทางประวัติศาสตร์ของ สไตล์และความเป็นธรรมชาติของความเป็นพลาสติก ผู้เขียนร่วมหลักของนักออกแบบท่าเต้นทั้งสองคนไม่ใช่นักแต่งเพลง แต่เป็นศิลปิน (บางครั้งก็เป็นผู้เขียนบทด้วย) การแสดงของ Fokin ได้รับการออกแบบโดย L. S. Bakst, A. N. Benois, A. Ya. Golovin, N. K. Roerich; Gorsky - K. A. Korovin นักออกแบบท่าเต้นที่ปฏิรูปได้รับอิทธิพลจากศิลปะของนักเต้นชาวอเมริกัน A. Duncan ผู้สนับสนุนการเต้นรำแบบ "อิสระ" อย่างไรก็ตาม สิ่งที่มีค่าก็ถูกปฏิเสธพร้อมกับสิ่งที่ล้าสมัย - ภาพรวมของภาพดนตรีและการออกแบบท่าเต้น แต่ยังพบสิ่งใหม่ ๆ อีกด้วย - บัลเล่ต์เข้าสู่บริบทของการเคลื่อนไหวทางศิลปะในยุคนั้น ตั้งแต่ปี 1909 S. P. Diaghilev ได้จัดทัวร์บัลเล่ต์รัสเซียในปารีส หรือที่รู้จักในชื่อ Russian Seasons พวกเขาเปิดเผยให้โลกได้รับรู้ถึงนักแต่งเพลง I.F. Stravinsky และนักออกแบบท่าเต้น Fokine (The Firebird, 1910; Petrushka, 1911) นักเต้นและนักออกแบบท่าเต้น V. F. Nijinsky (The Afternoon of a Faun, 1912; The Rite of Spring, 1913) และคนอื่น ๆ ดึงดูดนักดนตรีชื่อดัง และศิลปินไปโรงละครบัลเล่ต์
ฤดูกาลรัสเซียของ Diaghilev ในต่างประเทศ
เมื่อเริ่มต้นฤดูกาลของรัสเซียในต่างประเทศซึ่งจัดโดย Diaghilev บัลเล่ต์รัสเซียก็มีอยู่ทั้งในรัสเซียและในยุโรป หลังเดือนตุลาคม พ.ศ. 2460 เมื่อศิลปินหลายคนอพยพ บัลเลต์รัสเซียก็ได้รับการพัฒนาอย่างเข้มข้นในต่างประเทศ ตลอดช่วงทศวรรษที่ 1920-40 ศิลปินชาวรัสเซีย (A. P. Pavlova พร้อมคณะของเธอ), นักออกแบบท่าเต้น (Fokine. L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, B. G. Romanov, S. M. Lifar) นำกลุ่ม (“ Balle Russe de Monte Carlo”, "Original Ballet Russe", "Russian Romantic Theatre" และอื่นๆ อีกมากมาย) ก่อตั้งโรงเรียนและคณะละครในหลายประเทศของยุโรปและอเมริกา ซึ่งมีอิทธิพลอย่างมากต่อบัลเล่ต์ระดับโลก เป็นเวลาหลายปีที่ยังคงรักษาละครรัสเซียและประเพณีของโรงเรียนนาฏศิลป์รัสเซีย กลุ่มเหล่านี้ได้รับอิทธิพลจากศิลปะของภูมิภาคที่พวกเขาทำงานไปพร้อมๆ กัน และค่อยๆ หลอมรวมเข้ากับมัน
ในรัสเซียหลังปี 1917 บัลเล่ต์ยังคงเป็นศูนย์กลางศิลปะแห่งชาติที่สำคัญ แม้จะมีการอพยพบุคคลสำคัญหลายคนในโรงละครบัลเล่ต์ แต่โรงเรียนบัลเลต์รัสเซียก็รอดและส่งเสริมนักแสดงหน้าใหม่ ความน่าสมเพชของการเคลื่อนไหวไปสู่ชีวิตใหม่ ธีมการปฏิวัติ และที่สำคัญที่สุด ขอบเขตของการทดลองเชิงสร้างสรรค์เป็นแรงบันดาลใจให้ปรมาจารย์บัลเล่ต์และทำให้พวกเขากล้าได้กล้าเสีย ในเวลาเดียวกันประเพณีของบรรพบุรุษและวิชาการของวัฒนธรรมการแสดงก็ได้รับการเก็บรักษาไว้ Gorsky หัวหน้าคณะละคร Bolshoi ได้ทำบัลเล่ต์ที่สืบทอดมรดกคลาสสิกขึ้นมาใหม่โดยสร้างละครเวทีของเขาเอง (Swan Lake, 1920; Giselle, 1922) มุ่งหน้าในปี ค.ศ. 1920 คณะ Petrograd F.V. Lopukhov ผู้เชี่ยวชาญด้านมรดกคลาสสิกได้ฟื้นฟูละครเก่าอย่างมีความสามารถ Lopukhov จัดแสดงซิมโฟนีเต้นรำครั้งแรก "The Greatness of the Universe" (1922) บรรยายถึงการปฏิวัติในเชิงเปรียบเทียบ ("Red Whirlwind", 1924) และหันไปหาประเพณีของแนวเพลงพื้นบ้าน ("Pulcinella", 1926; "The Tale about the ฟ็อกซ์ ... ", 2470)
งานสร้างสรรค์ที่เข้มข้นและการค้นหารูปแบบใหม่เกิดขึ้นทั้งภายนอกโรงละครและภายในกำแพง ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา นาฏศิลป์ได้รับการพัฒนาในด้านต่างๆ สตูดิโอของ Duncan, L. I. Lukin, V. V. Maya, I. S. Chernetskaya, L. N. Alekseeva, N. S. Poznyakov, เวิร์กช็อปของ N. M. Foregger, "Heptakhor", "Young Ballet" เปิดสตูดิโอ M. Balanchivadze, "Dramballet" สิ่งที่สำคัญเป็นพิเศษคือผลงานของ K. Ya. Goleizovsky ผู้พัฒนาแนวความคิดขนาดเล็กของท่าเต้นป๊อปและบัลเล่ต์ที่จัดแสดงอย่างสร้างสรรค์ทั้งในสตูดิโอ Moscow Chamber Ballet และที่โรงละคร Bolshoi (“ Joseph the Beautiful”, 1925, Experimental Theatre - สาขาหนึ่งของโรงละครบอลชอย) ในช่วงกลางทศวรรษที่ 20 ระยะเวลาของการทดลองในงานศิลปะรัสเซียทั้งหมด โดยเฉพาะการออกแบบท่าเต้น จบลงด้วยการปิดสตูดิโอและแคมเปญจำนวนมากในสื่อเพื่อกลับคืนสู่ประเพณีของวัฒนธรรมรัสเซียในศตวรรษที่ 19
สัจนิยมสังคมนิยมและการสิ้นสุดของมัน
นี่คือจุดเริ่มต้นของการก่อตัวของวิธีการอย่างเป็นทางการของสัจนิยมสังคมนิยมในโรงละครออกแบบท่าเต้นซึ่งมีการแสดงในรูปแบบของ "แกรนด์บัลเล่ต์" ของศตวรรษที่ 19 มาก่อน รวมกับเนื้อหาใหม่ (“Red Poppy”, 1927) ข้อกำหนดอย่างเป็นทางการสำหรับความสมจริงและการเข้าถึงงานศิลปะนำไปสู่ความโดดเด่นบนเวทีของการแสดงที่สร้างขึ้นในรูปแบบของบัลเล่ต์ละครที่เรียกว่า บัลเลต์ประเภทนี้เป็นแบบหลายองก์ซึ่งมักมีพื้นฐานมาจากโครงเรื่องของงานวรรณกรรมที่มีชื่อเสียงซึ่งสร้างขึ้นตามกฎของการแสดงละครซึ่งมีการนำเสนอเนื้อหาผ่านละครใบ้และการเต้นรำที่เป็นรูปเป็นร่าง ปรมาจารย์ที่มีชื่อเสียงที่สุดในประเภทนี้คือ R. V. Zakharov (“ The Bakhchisaray Fountain”, 1934; “ Lost Illusions”, 1935) และ L. M. Lavrovsky (“ Prisoner of the Caucasus”, 1938; “ Romeo and Juliet”, 1940) V. I. Vainonen (“ Flames of Paris”, 1932) และ V. M. Chabukiani (“ Laurencia”, 1939) มุ่งมั่นเพื่อเพิ่มความสามารถในการเต้นในละครบัลเล่ต์ ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงเรียนการแสดงแห่งใหม่ถูกสร้างขึ้นซึ่งมีลักษณะเฉพาะในด้านหนึ่งด้วยบทกวีและความลึกซึ้งทางจิตวิทยา (ในผลงานของ G. S. Ulanova, K. M. Sergeev, M. M. Gabovich) ในอีกด้านหนึ่งด้วยท่าทางการเต้นรำการแสดงออกและความกล้าหาญที่กล้าหาญ พลวัต (ในผลงานของ M. T. Semenova และนักเต้นชายหลายคนโดยเฉพาะ Chabukiani, A. N. Ermolaev) ในบรรดาศิลปินชั้นนำแห่งปลายยุค 20 - 30 ต้นๆ เช่น T. M. Vecheslova, N. M. Dudinskaya, O. V. Lepeshinskaya
ในช่วงทศวรรษที่ 1930 โรงละครบัลเล่ต์ในรัสเซียมีการพัฒนาอย่างเข้มข้น โรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์แห่งใหม่พร้อมคณะบัลเล่ต์เปิดในเลนินกราด (Maly Opera Theatre), มอสโก (Moscow Art Ballet - ต่อมาเป็นโรงละครที่ตั้งชื่อตาม K. S. Stanislavsky และ Vl. I. Nemirovich-Danchenko) และเมืองอื่น ๆ อีกมากมายของรัสเซีย อย่างไรก็ตามแม้จะประสบความสำเร็จ แต่การผูกขาดทิศทางเดียวในโรงละครบัลเล่ต์ก็นำไปสู่ความสม่ำเสมอที่ปลูกฝังเทียม การแสดงหลายประเภทได้หายไปจากการใช้ละคร โดยเฉพาะการแสดงเดี่ยว รวมทั้งบัลเลต์แบบไม่มีพล็อตเรื่องและซิมโฟนิก รูปแบบนาฏศิลป์และภาษานาฏศิลป์เริ่มเสื่อมถอยลง เนื่องจากการแสดงใช้การเต้นรำแบบคลาสสิกโดยเฉพาะและในบางกรณีการเต้นรำแบบพื้นบ้านเท่านั้น อันเป็นผลมาจากความจริงที่ว่าการค้นหาทั้งหมดนอกเหนือจากละครบัลเล่ต์ได้รับการประกาศอย่างเป็นทางการ Lopukhov หลังจากการวิพากษ์วิจารณ์อย่างรุนแรงเกี่ยวกับบัลเล่ต์ "The Bright Stream" ของ D. D. Shostakovich, Goleizovsky, L. V. Yakobson และคนอื่น ๆ บางคนสูญเสียโอกาสในการแสดงบัลเล่ต์ใน บริษัท บัลเล่ต์ชั้นนำ หรือถูกผลักขึ้นไปบนเวที ตัวแทนของขบวนการที่ไม่ใช่เชิงวิชาการ พลาสติกฟรี และการเต้นรำเข้าจังหวะทั้งหมดหยุดงานสร้างของพวกเขา แต่ในช่วงปลายทศวรรษ 1940 - ต้นทศวรรษ 1950 วิกฤติเกิดขึ้นสำหรับละครบัลเล่ต์ที่ได้รับการสนับสนุนอย่างเป็นทางการ นักออกแบบท่าเต้นที่มุ่งมั่นในทิศทางนี้พยายามรักษาไว้อย่างไร้ประโยชน์ โดยเพิ่มคุณค่าความบันเทิงจากการแสดงโดยใช้เอฟเฟกต์บนเวที (เช่น ฉากน้ำท่วมใน The Bronze Horseman ของ Zakharov, 1949) อย่างไรก็ตามทักษะการแสดงและประเพณียังคงรักษาไว้ ในช่วงหลายปีที่ผ่านมา M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, V. T. Bovt, N. B. Fadeechev ปรากฏตัวบนเวที จุดเปลี่ยนเกิดขึ้นเมื่อปลายทศวรรษ 1950 เมื่อมีนักออกแบบท่าเต้นรุ่นใหม่เกิดขึ้น คนแรกที่เริ่มต้นบนเส้นทางแห่งนวัตกรรมคือนักออกแบบท่าเต้นเลนินกราด Yu. N. Grigorovich (“ Stone Flower”, 1957; “ Legend of Love”, 1961; ต่อมา“ Spartak”, 1968) และ I. D. Belsky (“ Coast of Hope”, พ.ศ. 2502; “ Leningrad Symphony”, พ.ศ. 2504) ผู้สร้างการแสดงบนพื้นฐานของละครเพลงและการเต้นรำเผยให้เห็นเนื้อหาในการเต้นรำ ใกล้กับนักออกแบบท่าเต้นรุ่นนี้ N.D. Kasatkina และ V.Yu. Vasilev, O.M. Vinogradov ในปีเดียวกันนั้น Lopukhov และ Goleizovsky กลับมามีความคิดสร้างสรรค์และสร้างผลงานใหม่มากมาย แนวเพลงที่ถูกลืมไปก่อนหน้านี้ได้รับการฟื้นคืนชีพ - บัลเล่ต์การแสดงเดี่ยว, บัลเล่ต์โปสเตอร์, บัลเล่ต์เสียดสี, บัลเล่ต์ซิมโฟนี, การออกแบบท่าเต้นขนาดเล็ก, ธีมของการแสดงบัลเล่ต์ขยายออกไปและคำศัพท์ก็เข้มข้นขึ้น ในกระบวนการต่ออายุนี้ L. มีบทบาทสำคัญ ว. ยาคอบสัน. นักออกแบบท่าเต้นค้นหาวิธีการแสดงออกทางศิลปะใหม่ๆ อย่างไม่รู้จักเหน็ดเหนื่อย และใช้จินตภาพของศิลปะอื่นๆ ในบัลเล่ต์ นักแสดงรุ่นใหม่ปรากฏตัวบนเวทีบัลเล่ต์ของรัสเซียและในปีแรกของการทำงานพวกเขากลายเป็นพันธมิตรของนักออกแบบท่าเต้นคลื่นลูกใหม่: M. N. Baryshnikov, N. I. Bessmertnova, V. V. Vasiliev, I. A. Kolpakova, M. L. Lavrovsky, M.-R . E. Liepa, N. R. Makarova, E. S. Maksimova, R. X. Nureyev, A. E. Osipenko, A. I. Sizova, Yu.V. Solovyov, N. I. Sorokina, N. V. Timofeeva หลังจากที่ศิลปะบัลเล่ต์ได้รับความนิยมอย่างเข้มข้นในทศวรรษ 1960 และต้นทศวรรษ 1970 มีการชะลอตัวในการพัฒนาเมื่อมีการสร้างสิ่งใหม่หรือสำคัญเพียงเล็กน้อยบนเวทีหลัก โปรดักชั่นจำนวนมากก็กลายเป็นเรื่องที่ยอดเยี่ยม อย่างไรก็ตาม ในช่วงหลายปีที่ผ่านมางานทดลองไม่ได้หยุดลงเมื่อ M. M. Plisetskaya, V. V. Vasiliev, N. N. Boyarchikov, G. D. Aleksidze, D. A. Bryantsev สร้างการแสดง
ในช่วงปลายยุค 80 - ต้นยุค 90 จำนวนทัวร์ในต่างประเทศโดยคณะบัลเล่ต์ของโรงละครโอเปร่าและบัลเล่ต์ที่ใหญ่ที่สุดและกลุ่มเล็ก ๆ ที่สร้างขึ้นเป็นพิเศษเพื่อการค้าเพิ่มขึ้นอย่างมีนัยสำคัญ ตั้งแต่ปี 1970 ศิลปินชาวรัสเซียรู้สึกว่าขาดความต้องการในละครที่ล้าสมัยและไม่ดีจึงเริ่มทำงานในต่างประเทศมากขึ้น นูเรเยฟเป็นคนแรกที่อยู่ต่างประเทศ ตามมาด้วยมาคาโรวาและบารีชนิคอฟ; ต่อมาเมื่อการปฏิบัตินี้ถูกต้องตามกฎหมาย Grigorovich, Vinogradov รวมถึง Plisetskaya, Vasiliev และคนอื่น ๆ ก็เริ่มทำงานในต่างประเทศบางครั้งก็มีการแสดงละครและแม้แต่คณะบัลเล่ต์ชั้นนำในสหรัฐอเมริกาและยุโรป นักเต้นรุ่นเยาว์ชาวรัสเซียทำงานในกลุ่มต่างประเทศจำนวนมาก .
ประวัติศาสตร์บัลเล่ต์เริ่มต้นขึ้นในยุคเรอเนซองส์ในอิตาลี มันเกิดขึ้นจากการแสดงในพิธีที่จัดขึ้นสำหรับขุนนางโดยคนรับใช้ ได้แก่ นักดนตรีและนักเต้นในศาล ในเวลานั้นบัลเล่ต์เป็นเหมือนชายหนุ่มอายุสิบแปดที่ไม่มีประสบการณ์: อึดอัด แต่มีไฟในดวงตาของเขา มันพัฒนาเร็วมาก เช่นเดียวกับชายหนุ่มคนเดิมที่ได้รับอนุญาตให้เข้าเวิร์คช็อปครั้งแรกและเรียกเด็กฝึกงาน
ในเวลานั้นแฟชั่นบัลเล่ต์แตกต่างไปจากเดิมอย่างสิ้นเชิง: เครื่องแต่งกายที่สอดคล้องกับยุคสมัยไม่มีรองเท้า tutus และ pointe และผู้ชมมีโอกาสเข้าร่วมเมื่อสิ้นสุดการแสดง
นี่มันน่าสนใจ!ในช่วงเวลาที่บัลเลต์เกิดในอิตาลี มีนักออกแบบท่าเต้นไม่เกินห้าคน จนถึงทุกวันนี้บันทึกของผู้เชี่ยวชาญเพียงสามคนรอดชีวิตมาได้ หนึ่งในนั้นกลายเป็น "เจ้าพ่อแห่งบัลเล่ต์": ในบันทึกของเขา Domenico da Piacenza เรียกว่า dances ballo เมื่อแข็งแกร่งขึ้นคำนี้ก็เปลี่ยนเป็น balli และ balletto เริ่มใช้โดยผู้ชื่นชอบการเต้นรำคนอื่น ๆ และในที่สุดก็ได้รับมอบหมายให้บัลเล่ต์เป็นศิลปะ
Catherine de Medici กลายเป็นบุคคลสำคัญในประวัติศาสตร์การพัฒนาบัลเล่ต์ จากอิตาลี เธอนำงานศิลปะชิ้นนี้ไปยังฝรั่งเศสและจัดงานแสดงให้กับแขกรับเชิญ ตัวอย่างเช่น เอกอัครราชทูตจากโปแลนด์สามารถชมการแสดงอันยิ่งใหญ่ที่เรียกว่า Le Ballet des Polonais
เชื่อกันว่าสิ่งที่ใกล้เคียงที่สุดกับบัลเล่ต์สมัยใหม่อย่างแท้จริงคือผลงานชิ้นเอก Ballet Comique de la Reine ซึ่งทำให้ผู้ชมต้องสงสัยนานกว่าห้าชั่วโมง ติดตั้งในปี ค.ศ. 1581
ศตวรรษที่ 17
ศตวรรษที่ 17 เป็นก้าวใหม่ในการพัฒนาบัลเล่ต์ แยกออกจากการเต้นรำแบบเรียบง่าย กลายเป็นงานศิลปะอิสระซึ่งได้รับการสนับสนุนอย่างกระตือรือร้นจากพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 สำหรับเขา Mazarin สั่งให้นักออกแบบท่าเต้นจากอิตาลีซึ่งแสดงบัลเล่ต์โดยมีส่วนร่วมของกษัตริย์
ในปี ค.ศ. 1661 หลุยส์ได้ก่อตั้ง First Academy of Dance ซึ่งสอนศิลปะบัลเล่ต์ Monsieur Lully นักออกแบบท่าเต้นคนแรกของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 ได้กุมบังเหียนโรงเรียนบัลเล่ต์แห่งแรกไว้ในมือของเขาเอง ภายใต้การนำของเขา Dance Academy ได้ปรับปรุงและกำหนดโทนเสียงให้กับโลกบัลเล่ต์ทั้งหมด เขาทำทุกอย่างเท่าที่ทำได้เพื่อเปลี่ยนบัลเล่ต์จากเด็กหนุ่มและไม่มีประสบการณ์ที่มีไฟในดวงตาของเขาให้กลายเป็นชายหนุ่มรูปงามผู้เป็นที่รู้จักและเคารพทุกแห่ง ในปี 1672 ด้วยการสนับสนุนของเขา สถาบันสอนเต้นจึงได้ก่อตั้งขึ้น ซึ่งจนถึงทุกวันนี้เป็นที่รู้จักไปทั่วโลกในชื่อ Paris Opera Ballet นักออกแบบท่าเต้นในราชสำนักของพระเจ้าหลุยส์ที่ 14 อีกคนคือ ปิแอร์ โบชอมป์ ทำงานเกี่ยวกับคำศัพท์เฉพาะของการเต้น
ปี ค.ศ. 1681 ถือเป็นปีสำคัญอีกปีหนึ่งในประวัติศาสตร์บัลเล่ต์ ครั้งแรกที่สาวๆได้ร่วมงานโปรดักชั่นของมิสเตอร์ลัลลี่ ความงามทั้ง 4 พุ่งเข้าสู่โลกแห่งการเต้นรำและปูทางให้คนอื่นๆ จากช่วงเวลาที่น่าจดจำนี้ เด็กผู้หญิงก็เริ่มมีส่วนร่วมในบัลเล่ต์
ศตวรรษที่สิบแปด
ในศตวรรษที่ 18 บัลเล่ต์ยังคงครองใจผู้ชื่นชอบการเต้นรำอันสง่างามทั่วโลกอย่างต่อเนื่อง การแสดงจำนวนมาก รูปแบบใหม่ของการแสดงออกถึง "ฉัน" บนเวที ชื่อเสียงไม่อยู่ในแวดวงศาลแคบอีกต่อไป ศิลปะบัลเล่ต์มาถึงรัสเซีย ในปี 1738 โรงเรียน Imperial Ballet School เปิดทำการในเซนต์ปีเตอร์สเบิร์ก
ยิ่งช่วงกลางศตวรรษใกล้เข้ามา ศิลปะบัลเล่ต์ก็ยิ่งสดใสมากขึ้นเท่านั้น ยุโรปหลงใหลเขา บุคคลระดับสูงส่วนใหญ่สนใจบัลเล่ต์ โรงเรียนบัลเล่ต์เปิดทุกที่ แฟชั่นบัลเล่ต์ก็พัฒนาขึ้นเช่นกัน สาวๆ ถอดหน้ากาก สไตล์การแต่งตัวก็เปลี่ยนไป ตอนนี้นักเต้นสวมเสื้อผ้าสีอ่อนซึ่งช่วยให้พวกเขาสามารถแสดงขั้นตอนที่เป็นไปไม่ได้จนถึงเวลานั้น
ศตวรรษที่ 19
ในตอนต้นของศตวรรษที่ 19 ทฤษฎีบัลเล่ต์กำลังพัฒนาอย่างแข็งขัน ในปีพ.ศ. 2363 คาร์โล บลาซิสได้เขียน "บทความเบื้องต้นเกี่ยวกับทฤษฎีและการปฏิบัติศิลปะการเต้นรำ" การเปลี่ยนจากปริมาณไปสู่คุณภาพเริ่มต้นขึ้น โดยให้ความสำคัญกับรายละเอียดมากขึ้นเรื่อยๆ
และสิ่งสำคัญที่ต้นศตวรรษที่ 19 นำมาสู่บัลเล่ต์คือการเต้นรำบนปลายนิ้วของคุณ นวัตกรรมนี้ได้รับการตอบรับอย่างล้นหลามและนักออกแบบท่าเต้นส่วนใหญ่รับช่วงต่อ
โดยทั่วไปแล้ว ร้อยปีที่ผ่านมาได้ให้อะไรมากมายกับศิลปะบัลเล่ต์ บัลเล่ต์กลายเป็นการเต้นรำที่เบาและโปร่งสบายอย่างผิดปกติราวกับลมฤดูร้อนที่เกิดขึ้นท่ามกลางแสงตะวันที่กำลังขึ้น ทฤษฎีและการปฏิบัติสอดคล้องกัน: มีการตีพิมพ์ผลงานทางวิทยาศาสตร์หลายชิ้นซึ่งยังคงใช้ในการสอนบัลเล่ต์
ศตวรรษที่ XX
ศตวรรษที่ยี่สิบผ่านไปภายใต้สัญลักษณ์ของบัลเล่ต์รัสเซีย ในยุโรปและอเมริกา ในช่วงต้นศตวรรษ ความสนใจในบัลเล่ต์เริ่มลดลง แต่หลังจากการมาถึงของปรมาจารย์จากรัสเซีย ความรักในศิลปะบัลเล่ต์ก็กลับมาอีกครั้ง นักแสดงชาวรัสเซียจัดทัวร์ระยะยาวเพื่อให้ทุกคนมีโอกาสเพลิดเพลินไปกับทักษะของตนเอง
การปฏิวัติในปี 1917 ไม่สามารถขัดขวางการพัฒนาบัลเล่ต์ได้ อย่างไรก็ตาม ชุดบัลเล่ต์ที่เราคุ้นเคยก็ปรากฏตัวพร้อมๆ กัน และการแสดงก็ลึกซึ้งยิ่งขึ้น
ในศตวรรษที่ 20 บัลเล่ต์เป็นศิลปะไม่เพียงแต่สำหรับขุนนางและขุนนางเท่านั้น บัลเล่ต์มีให้บริการแก่บุคคลทั่วไป
ศตวรรษที่ 21
ในยุคของเราบัลเล่ต์ยังคงเป็นศิลปะเวทย์มนตร์เหมือนเดิมซึ่งพวกเขาสามารถพูดคุยเกี่ยวกับอารมณ์ความรู้สึกของมนุษย์ทั้งหมดได้ด้วยความช่วยเหลือจากการเต้นรำ มันยังคงพัฒนาและเติบโตอย่างต่อเนื่องเปลี่ยนแปลงไปพร้อมกับโลกและไม่สูญเสียความเกี่ยวข้อง
