Uvod. 3
1. Balet prije 1900. 4
1.1. Nastanak baleta kao dvorske predstave. 4
1.2. Balet u doba prosvjetiteljstva. 5
1.3. Romantični balet. 7
2. Balet 20. stoljeća. 9
2.1. Ruski balet S.P. Djagiljev. 9
2.2. Balet u SAD-u.. 10
3. Svjetski balet. 12
3.1. Velika Britanija. 12
3.2. Sovjetska Rusija i druge zemlje.. 13
3.3. Francuska. 14
Njemačka. 15
Zaključak. 16
Popis korištene literature... 18
Balet je vrsta kazališne umjetnosti u kojoj je glavno izražajno sredstvo tzv. “klasični” (povijesno utemeljen, podložan strogim pravilima) ples; scensko djelo koje pripada ovoj umjetničkoj formi.
Radnja baleta prikazana je u libretu (scenariju). Na temelju libreta napisana je glazba koja izražava emocionalni i značenjski sadržaj djela, zatim plesna i pantomimska scenografija te kostimi. U stvaranju baleta sudjeluju scenarist, skladatelj, koreograf i umjetnik. Postoje i baleti bez zapleta, gdje koreografija izražava isključivo sadržaj glazbe. Često se u baletu koristi glazba koju skladatelj izvorno nije zamislio za ples (Šeherezada Rimskog-Korsakova, Karneval Schumanna itd.). Ples je glavna komponenta baletne predstave. Balet obuhvaća klasične plesove i karakterne plesove, dvoranske, narodne, au nekim slučajevima akrobatske i ritmičko-plastične plesove. Postoje predstave bazirane samo na klasičnom ili samo na karakternom plesu, ali u modernom zapadnom baletu.
Balet je nastao na kneževskim dvorovima u Italiji tijekom renesanse, a kako je njegova popularnost rasla i tehnika izvođenja se usavršavala, proširio se Europom, a kasnije je osvojio Sjevernu i Južnu Ameriku, Aziju i Australiju.
Kroz veći dio 18.st. balet se uglavnom razvio u Italiji; početkom 19. stoljeća Francuska, a kasnije i Rusija, postale su poznate po baletnim trupama. U 20. stoljeću balet je zauzeo snažno mjesto na pozornicama SAD-a (osobito u New Yorku), Velike Britanije i Sovjetskog Saveza.
Svrha je eseja pratiti povijest nastanka i razvoja baleta kao oblika kazališne umjetnosti.
Zadatak je proučiti i analizirati literaturu o temi eseja.
1. Balet prije 1900. godine
1.1. Nastanak baleta kao dvorske predstave
Krajem srednjeg vijeka talijanski su prinčevi pridavali veliku pozornost veličanstvenim dvorskim svečanostima. Ples je u njima zauzimao važno mjesto, što je stvorilo potrebu za profesionalnim plesnim majstorima.
Vještina ranih talijanskih učitelja plesa impresionirala je plemenite Francuze koji su pratili vojsku Karla VIII. kada je ušao u Italiju 1494. godine, polažući pravo na prijestolje Napuljskog kraljevstva. Kao rezultat toga, talijanski majstori plesa počeli su pozivati na francuski dvor. Ples je cvjetao u doba Katarine de' Medici, supruge Henrika II (vladao 1547-1559) i majke Charlesa IX (vladao 1560-1574) i Henrika III (vladao 1574-1589). Na poziv Katarine Medici Talijan Baldasarino di Belgioioso (u Francuskoj su ga zvali Balthazar de Beaujoyeux) postavljao je dvorske predstave od kojih je najpoznatija nazvana Balet kraljičine komedije (1581.) i općenito se smatra prvom baletnom izvedbom. u povijesti glazbenog kazališta. Tijekom vladavine trojice francuskih kraljeva - Henrika IV. (1533.-1610.), Luja XIII. (1601.-1643.) i Luja XIV. (1638.-1715.) - plesni učitelji istaknuli su se kako na području dvoranskog plesa, tako iu onim oblicima koji su se razvili u u okviru dvorskog baleta. U Engleskoj u isto doba, tj. Za vrijeme vladavine Elizabete I. dogodio se sličan proces koji je došao do izražaja u produkcijama tzv. maske na sudu u Whitehallu. U Italiji se nastavlja obogaćivati tehnika profesionalnog plesa, a pojavljuju se i prva djela o plesu (Il Ballarino Fabrizia Carosa, 1581. i Le Gratie d'Amore Cesarea Negrija, 1602.).
Sredinom 17.st. Došlo je do odstupanja od strogih formi svojstvenih dvorskom baletu. Baletani su sada nastupali na pozornici izdignutoj iznad razine dvorane i odvojenoj od publike, kao što je to bio slučaj, primjerice, u kazalištu koje je sagradio kardinal Richelieu početkom 17. stoljeća. To kazalište u talijanskom stilu nalazilo se u njegovoj palači i imalo je proscenij, što je pružalo dodatne mogućnosti za stvaranje scenske iluzije i spektakularnih efekata. Tako se razvio čisto kazališni oblik plesa.
Za vrijeme vladavine Luja XIV. dvorske baletne predstave dostigle su poseban sjaj kako u Parizu, tako iu dvorcu Versailles. "Kralj Sunce" pojavio se, među ostalim, kao Sunce u Baletu noći (1653.).
Mnoge značajke baletnog plesa koje su preživjele do danas objašnjavaju se podrijetlom baleta i stilom ponašanja njegovih prvih izvođača - dvorjana obučenih u plemenitim manirama. Svi plemići bili su upoznati s umjetnošću mačevanja, a mnoge od njegovih tehnika korištene su u plesu: na primjer, "izvlačenje", tj. položaj nogu u kojem su okrenute prema van od kuka prema stopalu. Potrebni položaji nogu, glave i ruku u baletu također podsjećaju na mačevaoce.
Godine 1661. Louis XIV stvorio je Kraljevsku akademiju za glazbu i ples, koja je ujedinila 13 vodećih plesnih majstora koji su bili pozvani održavati plesnu tradiciju.
1.2. Balet u doba prosvjetiteljstva
U 18. stoljeću Oba stila plesa - plemeniti i virtuozni - brzo su se razvijala. Na polju kazališnog plesa pojavili su se majstori koji su formirali vlastiti individualni stil. Uz Duprea, tu su bili briljantni Gaetan Vestris (1729. – 1808.), vrhunski tehnički Pierre Gardel (1758. – 1840.) i inovator Auguste Vestris (1760. – 1842.), koji se odlikovao neobičnim izgledom i fenomenalnim uzdizanjem (tj. sposobnošću da skoci visoko). Jednostavnija i laganija odjeća, koja je ušla u modu uoči Francuske revolucije, dala je veću slobodu u izvođenju pirueta i dizanja (posebni pokreti skakanja), a fascinacija njome postala je sveopća, što je iritiralo pristaše tradicije.
No, još značajniji za razvoj baleta od razvoja tehnologije bio je novi odnos prema ovoj umjetnosti koji je generiralo prosvjetiteljstvo. Došlo je do odvajanja baleta od opere, a pojavila se i nova vrsta kazališne predstave u kojoj su ples i pantomima bili izražajno sredstvo. Jean Georges Noverre (1727–1810) bio je najznačajniji koreograf ovog pokreta, ne samo inovativni praktičar, već i autor vrlo uvjerljivih publikacija. Njegova Pisma o plesu i baletima (1760.) postavila su estetske temelje baletne umjetnosti, a mnoge njegove izjave ostale su relevantne i danas. Noverre se proslavio kao redatelj mnogih ballets d'action, “efektivnih baleta” (tj. baleta s fabulom) u Stuttgartu 1760-ih, a 1776. pozvan je kao koreograf u Parišku operu. , uspio je afirmirati balet kao samostalan oblik izvedbe u ovoj slavnoj opernoj kući.
Balet se počeo širiti Europom. Do sredine 18.st. Kneževski dvorovi posvuda su nastojali oponašati raskoš Versaillesa, a istodobno su u mnogim gradovima otvorene operne kuće, pa su plesači i učitelji plesa, kojih je bilo sve više, lako nalazili posao. Ne samo u Francuskoj, već iu drugim zemljama, koreografi su predlagali inovacije koje su bile važne za razvoj baleta. U Austriji je Franz Hilferding (1710.–1768.) među prvima stvorio predstave u kojima se radnja prikazuje izrazima lica i plesom. Talijanski učitelj Gennaro Magri izdao je detaljan udžbenik o kazališnom plesu, kakav je postao posljednjih godina prije pada starog režima u Francuskoj.
Kad je izbila revolucija 1789. godine, balet se već nametnuo kao posebna umjetnička forma. Publika se navikla na konvencije scenske mimike, a ples se pod utjecajem ideja prosvjetiteljstva oslobodio izvještačenosti protiv koje se Noverre borio. Balet se više nije doživljavao kao fenomen dvorskog života.
Ruski utjecaj očitovao se u činjenici da je Charles Louis Didelot, koji je prethodno radio kao koreograf u Sankt Peterburgu, pozvan da postavi njegov najpoznatiji balet Flora i Zephyr (glazba K.A. Kavosa) u Pariškoj operi. Vrativši se u Sankt Peterburg i radeći ondje nekoliko godina, Didelot je ostavio kazalištu u nasljeđe ne samo ogroman novi repertoar, uključujući balete temeljene na ruskim temama, poput Kavkaskog zarobljenika (glazba Kavosa, 1823.), nego i visoka razina nastave u baletnoj školi, koja će kasnije postati priznata kao najbolja na svijetu.
U 1790-ima, pod utjecajem moderne mode, ženski baletni kostim postao je znatno lakši i opušteniji, tako da su linije tijela bile vidljive ispod; Istodobno su napustili cipele s petom, zamijenivši ih laganim cipelama bez pete.
1.3. Romantični balet
U vrijeme kada je uspostavljen mir u Europi (1815.), odrasla je nova generacija koja se malo zanimala za prošlost. Zaboravilo se ono što je bilo svojstveno prethodnom dobu, rodila se nova estetika romantizma, koja se proširila na sve umjetnosti. Romantizam nije samo uništio stare oblike koji su se činili zastarjelima i neumjesnima, već je tražio nove izvore inspiracije. Mladi romantičarski umjetnici okrenuli su se nadnaravnim i egzotičnim pojavama, privlačila ih je kultura dalekih zemalja i sijeva starina. Osobito su dojmljive prve manifestacije romantizma, a balet je bio pod njegovim utjecajem dulje od mnogih drugih oblika kazališne umjetnosti.
Mnoge su se ideje o baletnoj umjetnosti potpuno promijenile pod utjecajem Marije Taglioni (1804–1884). Pojavom u La Sylphide (1832.), u koreografiji njezina oca, otvorila je pozornicu za novi tip baletne heroine: eterične gošće s onoga svijeta. Njezin je ples imao gracioznost koja je pridonijela stvaranju ovog idealnog bića. Iako Taglioni nije bila prva koja joj je stala na prste, kako su povjesničari više puta pogrešno tvrdili, uspjela je ono što je prije nje bilo samo trik pretvoriti u izražajno sredstvo prenošenja posebnih svojstava svojstvenih nedostižnim, eteričnim slikama.
Glazbu većine baleta romantične ere napisali su skladatelji specijalizirani za lake žanrove. Najznačajniji među njima bio je A. Adam, autor glazbe Giselle i Corsaira. Baletna se glazba u to doba pisala po narudžbi i nije se pretpostavljalo da je to dovoljno ozbiljno djelo za izvođenje na koncertima; odlomci namijenjeni plesu bili su melodični, a njihova konstrukcija jednostavna, dok je glazba trebala samo pratiti epizode stvarajući opći ugođaj izvedbe.
Pošaljite svoj dobar rad u bazu znanja jednostavno je. Koristite obrazac u nastavku
Studenti, diplomanti, mladi znanstvenici koji koriste bazu znanja u svom studiju i radu bit će vam vrlo zahvalni.
Objavljeno na http://www.allbest.ru
Uvod
Balet (franc. ballet, od lat. ballo - plešem) je vrsta scenske umjetnosti čija su glavna izražajna sredstva neraskidivo povezani glazba i ples.
Najčešće se balet temelji na nekakvom zapletu, dramskom konceptu, libretu, ali ima i besprizornih baleta. Glavne vrste plesa u baletu su klasični ples i karakterni ples. Važnu ulogu ovdje igra pantomima, uz pomoć koje glumci prenose osjećaje likova, njihov "razgovor" jedni s drugima i bit onoga što se događa. Moderni balet također široko koristi elemente gimnastike i akrobatike.
1. Rođenje baleta
Balet je nastao u Italiji tijekom renesanse (XVI. stoljeće), u početku kao plesna scena objedinjena jednom radnjom ili raspoloženjem, epizodom u glazbenoj predstavi ili operi. Posuđen iz Italije, dvorski balet procvjetao je u Francuskoj kao veličanstveni ceremonijalni spektakl. Glazbena osnova prvih baleta (The Queen's Comedy Ballet, 1581) bili su narodni i dvorski plesovi koji su bili dio antičke suite. U drugoj polovici 17. stoljeća javljaju se nove kazališne vrste, poput komedije-baleta, opere-baleta, u kojima se značajno mjesto daje baletnoj glazbi i pokušava se dramatizirati. No balet postaje samostalan oblik scenske umjetnosti tek u drugoj polovici 18. stoljeća zahvaljujući reformama koje je proveo francuski koreograf J. J. Nover. Polazeći od estetike francuskog prosvjetiteljstva, stvarao je predstave u kojima se sadržaj otkriva u dramatično izražajnim plastičnim slikama, te je uspostavio aktivnu ulogu glazbe kao “programa koji određuje pokrete i postupke plesača”.
2. Daljnji razvoj baleta
Daljnji razvoj i procvat baleta dogodio se u doba romantizma.
Moderni baletni kostim (kostim Vile Šećerne šljive iz predstave “Orašar”).
Još 30-ih godina 18.st. Francuska balerina Camargo skratila je suknju (tutu) i odustala od potpetica, što joj je omogućilo da u svoj ples uvede klizanje. Do kraja 18.st. baletni kostim postaje znatno lakši i slobodniji što uvelike pridonosi brzom razvoju plesne tehnike. Pokušavajući svoj ples učiniti prozračnijim, izvođači su pokušavali stajati na prstima, što je dovelo do izuma špica. U budućnosti se aktivno razvija tehnika prstiju ženskog plesa. Prva koja je upotrijebila ples na pointe kao sredstvo izražavanja bila je Maria Taglioni.
Dramatizacija baleta zahtijevala je razvoj baletne glazbe. Beethoven je u svom baletu “Prometejeva djela” (1801.) napravio prvi pokušaj simfonizacije baleta. Romantičarski smjer utemeljen je u Adamovim baletima Giselle (1841) i Corsair (1856). Delibesovi baleti Coppélia (1870.) i Sylvia (1876.) smatraju se prvim simfoniziranim baletima. Istodobno se javlja i pojednostavljeni pristup baletnoj glazbi (u baletima C. Pugne, L. Minkusa, R. Driga i dr.), kao melodične glazbe, jasnog ritma, koja služi samo kao pratnja plesu.
Balet prodire u Rusiju i počinje se širiti još pod Petrom I. u poč. XVIII stoljeće Godine 1738., na zahtjev francuskog plesnog majstora Jean-Baptistea Landea, u Petrogradu je otvorena prva baletna plesna škola u Rusiji (danas Akademija ruskog baleta Vaganova).
Povijest ruskog baleta počinje 1738. godine. Tada se, zahvaljujući zahtjevu gospodina Landea, pojavila prva škola baletne umjetnosti u Rusiji - danas svjetski poznata Sanktpeterburška akademija plesa nazvana po Agripini Jakovljevnoj Vaganovoj. Vladari ruskog prijestolja uvijek su brinuli o razvoju plesne umjetnosti. Mihail Fedorovič bio je prvi od ruskih careva koji je u osoblje svog dvora uveo novo mjesto plesačice. Bio je to Ivan Lodygin. Morao je ne samo sam plesati, već i podučavati druge ovom zanatu. Na raspolaganje mu je stavljeno dvadeset i devet mladića. Prvo kazalište pojavilo se pod carem Aleksejem Mihajlovičem. Tada je bio običaj da se između činova predstave prikazuje scenski ples, koji se zvao balet. Kasnije, posebnim dekretom cara Petra Velikog, ples je postao sastavni dio dvorskog bontona. Tridesetih godina osamnaestog stoljeća plemićka mladež morala je učiti ples. U Sankt Peterburgu je dvoranski ples postao obvezna disciplina u Gentry Kadetskom korpusu. Otvaranjem ljetnog kazališta u Ljetnom vrtu i zimskog kazališta u krilu Zimske palače, kadeti počinju sudjelovati u baletnim plesovima. Učitelj plesa u korpusu bio je Jean-Baptiste Lande. Savršeno je dobro razumio da se plemići u budućnosti neće posvetiti baletnoj umjetnosti. Iako su u baletima plesali ravnopravno s profesionalcima. Lande je, kao nitko drugi, vidio potrebu za ruskim baletnim kazalištem. U rujnu 1737. podnio je molbu u kojoj je mogao opravdati potrebu stvaranja nove posebne škole u kojoj bi djevojčice i dječaci jednostavnog podrijetla učili koreografsku umjetnost. Ubrzo je takvo dopuštenje dano. Dvanaest djevojaka i dvanaest vitkih dječaka odabrano je od slugu palače, koje je Lande počeo poučavati. Svakodnevni rad je dao rezultate, publika je bila oduševljena viđenim. Od 1743. Landeovi bivši učenici počeli su dobivati plaće kao baletni plesači. Škola je vrlo brzo uspjela pružiti ruskoj pozornici izvrsne kor de baletne plesače i veličanstvene soliste. Imena najboljih učenika prve skupine ostala su u povijesti: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov
Nacionalni identitet ruskog baleta počeo se oblikovati početkom 19. stoljeća zahvaljujući radu francuskog koreografa Sh.L. Didlo. Didelot jača ulogu corps de balleta, vezu između plesa i pantomime i afirmira prioritet ženskog plesa.
Pravu revoluciju u baletnoj glazbi napravio je Čajkovski, koji je u nju unio kontinuirani simfonijski razvoj, duboki figurativni sadržaj i dramatičnu ekspresivnost. Glazba njegovih baleta “Labuđe jezero” (1877.), “Uspavana ljepotica” (1890.), “Orašar” (1892.) stekla je, uz simfonijsku glazbu, sposobnost otkrivanja unutarnjeg tijeka radnje. Utjelovite karaktere likova u njihovoj interakciji, razvoju, borbi. U koreografiji su inovativnost Čajkovskog utjelovili koreografi Marius Petipa i L. I. Ivanov, koji su postavili temelje simfonizaciji plesa. Tradiciju simfoniziranja baletne glazbe nastavio je Glazunov u baletima "Raymonda" (1898), "Sluškinja" (1900) i "Godišnja doba" (1900).
Početak 20. stoljeća obilježen je inovativnim traženjima, željom za prevladavanjem stereotipa i konvencija akademskog baleta 19. stoljeća. U svojim baletima koreograf Boljšoj teatra A.A. Gorsky je nastojao postići dosljednost u razvoju dramske radnje, povijesnu autentičnost, nastojao je ojačati ulogu corps de baleta kao masovnog lika, prevladati odvojenost pantomime i plesa. M. M. Fokin dao je velik doprinos ruskoj baletnoj umjetnosti značajno proširivši paletu ideja i slika u baletu, obogativši ga novim oblicima i stilovima. Njegove produkcije baleta “Chopiniana”, “Petruška”, “Žar ptica” i drugih za “Ruske sezone” donijele su slavu ruskom baletu u inozemstvu. Minijatura “Umirući labud” (1907.) koju je Fokin stvorio za Anu Pavlovu stekla je svjetsku slavu. Godine 1911-13, na temelju "Ruskih sezona", formirana je stalna trupa "Ruski balet Djagiljeva". Nakon što je Fokine napustio trupu, Vaslav Nižinski postaje njen koreograf. Njegova najpoznatija produkcija bio je balet “Posvećenje proljeća” na glazbu Stravinskog.
balet Čajkovski romantizam pozornica
3. Moderni ples
Moderni ples pravac je u plesnoj umjetnosti koji se javlja početkom 20. stoljeća kao rezultat odstupanja od strogih normi baleta u korist kreativne slobode koreografa.
Balet je inspiriran slobodnim plesom, čiji su tvorci bili zainteresirani ne toliko za nove plesne tehnike ili koreografije, koliko za ples kao posebnu filozofiju koja može promijeniti život. Ovaj pokret, nastao početkom dvadesetog stoljeća (Isadora Duncan smatra se njegovom utemeljiteljicom), poslužio je kao izvor mnogih trendova u modernom plesu i dao je poticaj reformi samog baleta.
Objavljeno na Allbest.ru
...Slični dokumenti
Povijest nastanka baleta kao oblika izvedbene umjetnosti koja uključuje formalizirani oblik plesa. Odvajanje baleta od opere, nastanak nove vrste kazališne predstave. Ruski balet S.P. Djagiljev. Svjetski balet krajem 9. i početkom 20. stoljeća.
sažetak, dodan 08.02.2011
Ples kao oblik umjetnosti. Vrste i žanrovi koreografije. Balet Italije 17. stoljeća. Romantični balet u Rusiji. Položaji ruku i nogu, položaj tijela i glave u klasičnom plesu. Libreto baleta "Bakhchisarai Fontana". Likovi francuskog baleta 18. stoljeća.
varalica, dodano 04.11.2014
Razmatranje plesa kao umjetničke forme čiji su materijal pokreti i položaji ljudskog tijela, čineći jedinstveni umjetnički sustav. Mogućnosti koreografije u otkrivanju ljudskih emocija. Jedinstvo duha i tijela u glazbenoj plastici baleta.
test, dodan 24.12.2012
Filozofska i estetska obilježja kulture renesanse. Mjesto glazbe u sustavu renesansne umjetnosti. Glazba i ples: aspekti interakcije. Koreografija na pristupima samoodređenju. Žanrovska paleta plesne umjetnosti renesanse.
kolegij, dodan 19.12.2010
Glavne sastavnice baleta, postupak njegovog nastanka na temelju književnog djela. Svrha kostima i scenografije, uloga junaka u baletnoj predstavi. Povijest nastanka baleta zbog podjele plesa na svakodnevne i scenske oblike.
prezentacija, dodano 25.02.2012
Folklorni plesovi kao izvori ruskog baleta, uloga kmetskog baleta u njegovom razvoju. Prvi ruski profesionalni plesači. Balet 19. i 20. stoljeća. – nastavak narodne tradicije u ruskom klasičnom plesu. Rođenje moderne plesne umjetnosti.
sažetak, dodan 20.05.2011
Širenje romantizma kao pokreta u umjetnosti. Sinteza umjetnosti, filozofije, religije u romantičnom umjetničkom sustavu. Pad baletne umjetnosti u Europi, njezin procvat u Rusiji. Izvanredni koreografi i koreografi epohe romantizma.
test, dodan 03/11/2013
Balet prije 1900. Nastanak baleta kao dvorskog spektakla. Vještina ranih talijanskih učitelja plesa. Balet u doba prosvjetiteljstva. Romantični balet. Balet 20. st. Ruski balet S.P. Djagiljev. Balet u SAD-u. Svjetski balet. Velika Britanija. Francuska.
sažetak, dodan 08.11.2008
Pojam koreografije kao vrste umjetnosti, njezine karakteristike i posebnosti, povijest njezina nastanka i razvoja. Faze procvata baletne umjetnosti, njene vodeće škole i pravci. Razvoj koreografije i baleta u modernoj Ukrajini.
sažetak, dodan 04.10.2009
Povijest baleta. Začeci temelja baletne tehnike u Pariškoj operi 1681. Ukidanje baleta u Turkmenistanu 2001. Baleti poznatih skladatelja. Izvanredni majstori ruske baletne umjetnosti. Škola klasičnog baleta.
Najljepša od svih umjetnosti, balet, priča priče o ljubavi i smrti jezikom razumljivim svim ljudima na Zemlji. Trajne vrijednosti, opetovani zločini i čuda vjere, zakletve i dužnosti nalaze svoj izraz u plesu. “U početku bijaše Riječ”, kaže Biblija, ali Maja Pliseckaja prigovara: “U početku bijaše gesta!” Umjetnost tihog pokreta ne zahtijeva ljudski jezik ili prijevod. Ljepota tijela u pokretu, tijelo kao instrument za stvaranje umjetnosti, sada sami služe kao “zapleti” za plesove bez zapleta. Balet je nemoguć bez tehnike klasičnog plesa, bez prirode tijela, bez požrtvovnosti i bezuvjetne ljubavi, bez znoja i krvi. A balet je ipak savršen pokret koji tjera da zaboravite na sve sitno i zemaljsko.
Kratka povijest ruskog baleta.
Prva baletna predstava u Rusiji održana je na Maslenicu 17. veljače 1672. na dvoru cara Alekseja Mihajloviča u Preobraženskome. Prije početka predstave, glumac koji tumači Orfeja izašao je na pozornicu i otpjevao njemačke dvostihove, prevedene Caru od strane prevoditelja, u kojima su veličana čudesna svojstva duše Alekseja Mihajloviča. U to vrijeme s obje strane Orfeja stajale su dvije piramide ukrašene zastavama i osvijetljene raznobojnim svjetlima, koje su nakon Orfejeve pjesme zaplesale. Pod Petrom I. u Rusiji se pojavio ples u današnjem značenju te riječi: uvedeni su menueti, seoski plesovi itd. Izdao je dekret prema kojem je ples postao glavnim dijelom dvorskog bontona, a plemićka mladež bila je obvezna učiti plesati . Godine 1731. u Sankt Peterburgu je otvoren Zemaljski plemićki korpus, koji je bio predodređen da postane kolijevka ruskog baleta. Budući da su maturanti zbora u budućnosti trebali zauzeti visoke državne položaje te im je bilo potrebno poznavanje društvenih običaja, studij likovnih umjetnosti, uključujući i ples, dobio je značajno mjesto u zboru. Dana 4. svibnja 1738. francuski plesni majstor Jean Baptiste Lande otvorio je prvu baletnu plesnu školu u Rusiji - "Plesnu školu njezinog carskog veličanstva" (danas Akademija ruskog baleta Vaganova).
U posebno opremljenim prostorijama Zimskog dvorca, Lande je počeo trenirati 12 ruskih dječaka i djevojčica. Učenici su regrutirani među djecom jednostavnog podrijetla. Školovanje u školi bilo je besplatno, učenici su bili potpuno potpomognuti. Balet u Rusiji dobio je daljnji razvoj za vrijeme vladavine Elizabete Petrovne. Među kadetima Kopnenog korpusa u plesu je briljirao Nikita Beketov. Štoviše, Beketov, koji je kasnije postao Elizabetin miljenik, uživao je posebnu naklonost carice, koja je sama odijevala mladića, koji je izvrsno izvodio ženske uloge. Godine 1742. stvorena je prva baletna trupa od učenika Landeove škole, a 1743. počeli su se isplaćivati honorari njezinim sudionicima. Dana 1. kolovoza 1759., na caričin imendan i u povodu pobjede nad pruskim trupama kod Frankfurta, svečano je postavljena baletna drama “Utočište vrline” koja je postigla golem uspjeh.
Za vrijeme vladavine Katarine II balet u Rusiji dobiva još veću popularnost i dalje se razvija. U povodu njezine krunidbe u moskovskoj palači izveden je raskošni balet "Radosni povratak arkadijskim pastirima i pastiricama božice proljeća", u kojem su sudjelovali najplemenitiji plemići. Poznato je da je prijestolonasljednik Pavel Petrovich često plesao u baletnim predstavama u dvorskom kazalištu. Od doba Katarine II u Rusiji se pojavila tradicija kmetovskih baleta, kada su zemljoposjednici osnivali trupe sastavljene od kmetova. Od tih baleta najveću slavu uživao je balet veleposjednika Naščokina.
Godine 1766. koreograf i skladatelj Gasparo Angiolini, koji je otpušten iz Beča, dodao je baletnim predstavama ruski okus - uveo je ruske melodije u glazbenu pratnju baletnih predstava, što je sve iznenadilo i steklo sveopću pohvalu. Na početku vladavine Pavla I. balet je još uvijek bio u modi. Zanimljivo je da su pod Pavlom I. izdana posebna pravila za balet - naređeno je da na pozornici tijekom predstave ne smije biti niti jedan muškarac, uloge muškaraca plesale su Evgenija Kolosova i Nastasja Berilova.
To se nastavilo sve dok Auguste Poirot nije stigao u St. Petersburg. Tijekom vladavine Aleksandra I. ruski balet nastavio je svoj razvoj, dostižući nove visine. Ruski balet duguje svoj uspjeh u to vrijeme, prije svega, pozvanom francuskom koreografu Carlu Didelot-u, koji je stigao u Rusiju 1801. godine. Pod njegovim vodstvom, plesačice poput Marije Danilove i Evdokije Istomine počele su blistati u ruskom baletu. U to je vrijeme balet u Rusiji postigao neviđenu popularnost. Deržavin, Puškin i Gribojedov pjevali su balete Didelota i njegovih učenika - Istomina i Telešove. Car je volio baletne predstave i gotovo nijednu nije propuštao. Godine 1831. Didelot napušta petrogradsku pozornicu zbog sukoba s kazališnim redateljem knezom Gagarinom. Ubrzo je zvijezda počela sjati na pozornici Sankt Peterburga Europski balet Maria Taglioni.
Debitirala je 6. rujna 1837. u baletu La Sylphide i oduševila publiku. Takvu lakoću, takvu čednu gracioznost, tako izvanrednu tehniku i izraze lica nikada nije pokazao nijedan plesač. Godine 1841. oprostila se od Sankt Peterburga, nakon što je za to vrijeme plesala više od 200 puta.
Godine 1848. Taglionijeva suparnica Fanny Elsler, poznata po gracioznosti i izrazima lica, dolazi u St. Petersburg. Nakon nje Peterburg je posjetila Carlotta Grisi, koja je debitirala 1851. u "Giselle" i postigla veliki uspjeh, pokazavši se kao prvorazredna plesačica i izvrsna mimičarka. U to su vrijeme koreografi Marius Petipa, Joseph Mazilier i drugi dosljedno postavljali raskošne balete i, privlačeći talentirane umjetnike, pokušavali postaviti baletne predstave koje su se počele hladiti zahvaljujući talijanskoj operi. Među tadašnjim baletnim kritičarima bio je Vissarion Belinsky, koji je pisao članke o Taglioniju, Guerinu i Sankovskoj. Tijekom vladavine Aleksandra II u ruskom baletu započela je promocija domaćih talenata. Niz talentiranih ruskih plesača krasilo je baletnu pozornicu. Iako je uočena velika ekonomičnost u baletnim produkcijama, iskustvo Mariyce Petipa omogućilo je postavljanje elegantnih baletnih predstava uz niske financijske troškove, čiji je uspjeh uvelike olakšan izvrsnim dekoracijama umjetnika. U tom razdoblju razvoja ruskog baleta ples je preuzeo primat nad plastikom i mimikom.
Za vrijeme vladavine Aleksandra III baleti su se u Marijinskom kazalištu izvodili dva puta tjedno - srijedom i nedjeljom. Koreograf je i dalje bio Marius Petipa. U to su vrijeme u Sankt Peterburgu gostovale strane balerine, među njima i Carlotta Brianza, koja je prva izvela ulogu Aurore u baletu “Uspavana ljepotica” Petra Čajkovskog. Vodeći plesači bili su Vasilij Geltser i Nikolaj Domašev. U 20. stoljeću - A. V. Širjajev, 1904. A. A. Gorski, 1906. Mihail Fokin, 1909. Početkom 20. stoljeća čuvari akademske tradicije bili su umjetnici: Olga Preobraženskaja, Matilda Kšesinskaja, Vera Trefilova, Ju. N. Sedova, Agripina Vaganova, Olga Spesivtseva. U potrazi za novim oblicima, Mihail Fokin se oslanjao na modernu likovnu umjetnost.
Anna Pavlova. Poziv na Ples aka Poziv na valse.
Omiljeni koreografov scenski oblik bio je jednočinki balet lakonske kontinuirane radnje i jasno definiranog stilskog kolorita. Mihailu Fokinu pripadaju sljedeći baleti: “Paviljon Armide”, “Chopiniana”, “Egipatske noći”, “Karneval”, 1910.; "Petruška", "Polovetski plesovi" u operi "Knez Igor". Tamara Karsavina, Vaslav Nižinski i Anna Pavlova proslavili su se u Fokinovim baletima. Prvi čin baleta “Don Quijote” na glazbu Ludwiga Minkusa stigao je do suvremenika u izdanju Aleksandra Gorskog.
Ruski balet dvadesetog stoljeća.
Galina Ulanova u baletu "Giselle".
Pas de deux iz baleta "Labuđe jezero" Čajkovskog.
Ruski balet 21. stoljeća.
Pas de deux iz baleta "Corsair" od Adane.
Pas de deux iz baleta "Don Quijote" Minkusa.
Pas de deux iz baleta "La Bayadère" Minkusa.
Adagio i pas de deux iz baleta "Giselle" Adama.
Prva koreografska predstava u Rusiji bila je "Orfejev balet", prikazana u "komodijskom dvorcu" cara Alekseja Mihajloviča na njegovom imanju - selu Preobraženskoe u blizini Moskve (13. veljače 1675.?). Od 1. polovice 18. stoljeća. balet su uveli koreografi i plesni učitelji iz Italije i Francuske. Posjedujući bogat plesni folklor, Rusija se pokazala vrlo plodnim tlom za razvoj baletnog kazališta. Shvaćajući nauku koju su poučavali stranci, Rusi su zauzvrat unijeli vlastite intonacije u strani ples. Godine 1730. u Petrogradu baletne scene u predstavama dvorske opere postavio je J.-B. Lande i A. Rinaldi (Fossano). Godine 1738. otvorena je Petrogradska baletna škola (danas Sanktpeterburška akademija plesa nazvana po A. Ya. Vaganova), čiji je tvorac i ravnatelj bio Lande. Godine 1773. u autopraonici. Obrazovni dom otvorio je baletni odjel - preteču i temelj Moskovske koreografske škole. Jedan od njegovih prvih učitelja i koreografa bio je L. Paradise. Do kraja 18.st. kmetske trupe počele su se razvijati na imanjima grofova Šeremetjeva u blizini Moskve (Kuskovo, Ostankino) i dr. Do tada su Petrograd i Moskva imali dvorska i javna kazališta. Tu su djelovali veliki strani skladatelji, koreografi i mnogi drugi. Ruski izvođači-A. S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova. Od 1760-ih. rus. balet se razvio u općoj struji teatra klasicizma. Ideal estetike klasicizma bila je "oplemenjena priroda", a norma umjetničkog djela bila je stroga proporcionalnost, izražena u obliku tri jedinstva - mjesta, vremena i radnje. U okviru tih normativnih zahtjeva središte radnje postala je osoba, njezina sudbina, njezini postupci i doživljaji, posvećeni jednom cilju, obilježeni jednom sveprožimajućom strašću. Žanr herojsko-tragedičnog baleta odgovarao je temeljnim načelima klasicizma. Zastupnik estetike baletnog klasicizma na Zapadu bio je J. J. Nover, koji je baletnu predstavu smatrao samostalnom umjetničkom cjelinom, sa snažnom intrigom sižea, logično i dosljedno razvijenom radnjom, s junacima - nositeljima snažnih strasti. U 2. polovici 18.st. u Sankt Peterburgu, balete su postavljali Austrijanac F. Hilferding, Talijani G. Canziani, G. Angiolini, koji su ponekad koristili ruske parcele (npr. "Semira" prema tragediji A. P. Sumarokova, uprizorio Angiolini i s njegova glazba, 1772.) . Ove predstave, sa svojim oštrim sukobima i detaljnom radnjom, bile su novost na ruskoj pozornici. Među ostalima, u Moskvi je djelovao Talijan G. Solomoni, promovirajući balete Novera, koji je postavio “Uzaludni oprez” u koreografiji J. Daubervala (izvedena pod naslovom “Prevarena starica”, 1800).
Procvat ruskog baleta u 18. i 19. stoljeću.
Na prijelazu iz 18. u 19.st. Ruski balet je ušao u svoj procvat. Javljaju se domaći skladatelji - A. N. Titov, S. I. Davidov i rusificirani strani skladatelji - K. A. Kavos, F. E. Scholz. Ruski plesač i koreograf I. I. Valberkh zacrtao je put sinteze ruskog izvođačkog stila s dramatičnom pantomimom i virtuoznom plesnom tehnikom talijanskog baleta, kao i sa strukturalnim oblicima francuske škole. U njegovoj umjetnosti uspostavljena su načela sentimentalizma. Vodeći žanr bio je melodramski balet.Događaji Domovinskog rata 1812. uzrokovali su procvat divertismentnih baleta: u Petrogradu ih postavlja Walberg, u Moskvi I. M. Abletz, I. K. Lobanov, A. P. Gluškovski. Solisti su bili: u Sankt Peterburgu E. I. Kolosova, u Moskvi - T. I. Gluškovskaja, A. I. Voronina-Ivanova. Godine 1800-20. U Petrogradu započinje rad koreografa C. Didelota. Nastavljač tradicije Novere i Daubervala, Didelot je postavljao balete na mitološke teme (Zefir i Flora, 1808.; Kupid i Psiha, 1809.; Acis i Galatea, 1816.) i herojsko-povijesne teme (Mađarska koliba, ili Slavni prognanici "F. Venua, 1817. "Raoul de Créquy, ili Povratak iz križarskih ratova" Kavosa i T. V. Žučkovskog, 1819.). U suradnji s Kavosom iznio je princip programiranja koji se temelji na jedinstvu glazbene i koreografske dramaturgije baletne predstave. U njegovim predromantičnim baletima ansambli solo i corps de baletnih plesova međusobno su sudjelovali na složene načine. Didelotovi herojsko-tragedijski baleti otkrivali su radnju sredstvima psihologizirane pantomime i obilovali kontrastnim dramskim situacijama. Njegovi komični baleti imali su raznolika izražajna sredstva (»Mlada mljekarica, ili Nicetta i Luca« F. Antonolinija, 1817; »Povratak iz Indije, ili Drvena noga« Venua, 1821). Godine 1823. Didelot je postavio balet prema poemi A. S. Puškina "Kavkaski zarobljenik ili sjena nevjeste". E. I. Kolosova, M. I. Danilova, A. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (A. Poirot), N. O. Golts proslavili su se u njegovim nastupima.
U Moskvi je od 1806. baletna trupa privatnog kazališta M. Meddoxa došla pod nadležnost Ravnateljstva carskih kazališta. Do 1812. ovdje su se nekoliko puta mijenjali manji koreografi. Nakon protjerivanja Francuza iz Moskve, baletnu školu i trupu vodio je Didelotov učenik, koreograf A. P. Gluškovski. Sljedbenik Walberga i Didelota, Gluškovski je u svom izdanju prenio sanktpeterburški repertoar na moskovsku pozornicu, prvenstveno Didelotove balete, postavljao anakreontične balete i melodrame, koristio se zapletima A. S. Puškina (“Ruslan i Ljudmila, ili Svrgavanje Černomora). , Zli čarobnjak” Scholz, 1821.) i V. A. Žukovski (“Tri pojasa, ili ruski Cendrillon” Scholza, 1826.). Gluškovski je pripremio podloške. baletne trupe, u kojoj su plesali Voronina-Ivanova, T. I. Gluškovskaja, V. S. i D. S. Lopukhins, stvoriti romantični repertoar.
U 1. trećini 19.st. Ruska baletna umjetnost dostigla je kreativnu zrelost i izrasla u nacionalnu školu. Najpreciznije, osebujnost izvedbene umjetnosti ruskih plesača definirao je A. S. Puškin kada je opisao ples svoje suvremenice A. I. Istomine kao “let ispunjen dušom”. Balet je među ostalim vrstama kazališta zauzimao privilegiran položaj. Vlasti su mu posvetile veliku pozornost i davale mu državne potpore. Godine 1825. u Moskvi je otvoren Boljšoj teatar, a baletna trupa dobila je tehnički opremljenu pozornicu i ujedno vodećeg plesača, pedagoga i koreografa predromantičarskog smjera F. V. Gyullen-Sor. Do početka 1830-ih. i moskovske i petrogradske baletne trupe nastupale su u dobro opremljenim kazalištima. Ruski balet organski su usvojili oni rođeni na Zapadu. europski romantizam. Do sredine 30-ih. Izvedbe su se odlikovale raskošnošću i skladnošću, visokom školom umijeća i uigranošću ansambla.
Teme romantizma i realizma
Sukob između snova i jave - glavni u romantičnoj umjetnosti - obnovio je teme i stil umjetničkog stvaralaštva. U baletnom su se kazalištu pojavile dvije vrste romantične umjetnosti. Prvi je ustvrdio nespojivost snova i jave na generaliziranom lirskom planu, gdje su dominirale fantastične slike - silfi, vili, najade. Drugi je gravitirao napetim životnim situacijama i ponekad sadržavao motive za kritiku stvarnosti (u središtu raznih, često egzotičnih zbivanja bio je junak-sanjar koji ulazi u borbu protiv zla). Među likovima prve grane su koreograf F. Taglioni i plesačica M. Taglioni; drugi je koreograf J. Perrot i plesač F. Elsler. Oba smjera ujedinio je novi, estetski obećavajući odnos plesa i pantomime. Ples je izbio u prvi plan i postao vrhunac dramske radnje. Romantična umjetnost jasno se očitovala u izvedbi, osobito E. I. Andrejanova, E. A. Sankovskaja, T. Guerino. Repertoar ruskog kazališta uključuje sve najpoznatije romantične balete zapadne Europe. Europa: “La Sylphide”, “Giselle”, “Esmeralda”, “Corsair”, “Naiad i ribar”, “Katarina, razbojnikova kći”. Šezdesetih godina 19. stoljeća u Rusiji je započeo slom romantične izvedbe. U godinama kada su ruska književnost i umjetnost poprimile realističko usmjerenje, balet je ostao dvorsko kazalište s obiljem ekstravagantnih efekata i divertismentskih brojeva. Istodobno je A. Saint-Leon obogatio vokabular kako klasičnog tako i karakternog plesa, proširujući mogućnosti proširenih plesnih ansambala, pripremajući postignuća M. I. Petitpasa. U isto vrijeme K. Blazis usavršavao je tehniku plesača u Moskovskoj baletnoj školi. Poetske visine baletne umjetnosti sačuvali su M. N. Muravjova, P. P. Lebedeva, N. K. Bogdanova, V. F. Geltser.
Povijesno gledano, upravo je ruski balet trebao oživjeti baletnu umjetnost u novoj kvaliteti. Koreograf M. I. Petipa započeo je svoje stvaralaštvo u kanonima zastarjele estetike romantizma. Ali nastavio je proces obogaćivanja plesa koji je započeo u ovo doba. U njegovim baletima na glazbu stožernih skladatelja carskih kazališta C. Pugnija (Kralj Candaulus, 1868.) i L. Minkusa (La Bayadère, 1877.) smisaona osnova i vrhunac radnje bili su majstorski razvijeni klasični plesni ansambli, gdje razvijale su se i suprotstavljale teme corps de balleta i solo plesa, plesni motivi i karakteristike. Zahvaljujući Petipau, nastala je estetika “velikog” ili akademskog baleta - monumentalnog spektakla izgrađenog prema normama scenarija i glazbene dramaturgije, a vanjska radnja otkrivena je u pantomimskoj inscenaciji, a unutarnja - u kanonskim strukturama klasike. ples. Petipaovo traganje dovršeno je u suradnji s P. I. Čajkovskim (Uspavana ljepotica, 1890.; Labuđe jezero, 1895.) i A. K. Glazunovom (Raymonda, 1898.; Godišnja doba, 1900.), čije su partiture postale vrhunac baletnog simfonizma 19. stoljeća. Djelovanje koreografa L. I. Ivanova, Petipaova pomoćnika (Orašar, 1892.; prizori labudova u Labuđem jezeru, 1895.), već je nagovijestilo nove slike plesa s početka 20. stoljeća. E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, P. A. Gerdt, N. G. Legat, M. F. Kshesinskaya, A. I. Sobeshanekaya, A. V. Shiryaev, O. I. Preobrazhenskaya, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi. 
Do početka 20.st. Ruski balet zauzima vodeće mjesto u svjetskom baletnom teatru. Koreograf-reformator M. M. Fokin osvježio je sadržaj i formu baletne predstave, stvorivši novu vrstu izvedbe - jednočinku, podređenu radnji od kraja do kraja, gdje se sadržaj otkrivao u neraskidivom jedinstvu glazbe. , koreografija, scenografija (“Chopiniana”, “Petruška”, “Šeherezada”). A. A. Gorsky (»Gudulina kći« prema romanu »Katedrala Notre Dame« V. Hugoa, 1902.; »Salammbô« prema romanu G. Flauberta, 1910.) također je zagovarao cjelovitost baletne radnje, povijesnu autentičnost stil, te prirodnost plastičnosti. Glavni koautori obaju koreografa nisu bili skladatelji, nego umjetnici (ponekad su bili i autori scenarija). Fokinove predstave osmislili su L. S. Bakst, A. N. Benois, A. Ja. Golovin, N. K. Roerich; Gorski - K. A. Korovin. Reformatorski koreografi bili su pod utjecajem umjetnosti američkog plesača A. Duncana, promicatelja "slobodnog" plesa. No, uz zastarjelo, odbačeno je i nešto vrijedno - generalizacija glazbenih i koreografskih slika. No pronađeno je i nešto novo - balet je ušao u kontekst umjetničkih kretanja svoga vremena. Od 1909. S. P. Djagiljev organizira gostovanja ruskog baleta u Parizu, poznata kao Ruske sezone. Otkrili su svijetu skladatelja I. F. Stravinskog i koreografa Fokina (Žar ptica, 1910.; Petruška, 1911.), plesača i koreografa V. F. Nižinskog (Faunovo poslijepodne, 1912.; Posvećenje proljeća, 1913.) i druge, privukli poznate glazbenike a umjetnici baletnom kazalištu.
Djagiljevljeve ruske sezone u inozemstvu
S početkom ruskih sezona u inozemstvu, koje organizira Djagiljev, ruski balet postoji iu Rusiji iu Europi. Nakon listopada 1917., kada su mnogi umjetnici emigrirali, ruski se balet osobito intenzivno razvija u inozemstvu. Tijekom 1920-40-ih. Ruski umjetnici (A. P. Pavlova sa svojom trupom), koreografi (Fokine. L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, B. G. Romanov, S. M. Lifar) vodili su grupe (“Balle Russe de Monte Carlo”, “Original Ballet Russe”, “Russian Romantično kazalište" i mnogi drugi), stvorio je škole i trupe u mnogim zemljama Europe i Amerike, imajući ogroman utjecaj na svjetski balet. Dugi niz godina, čuvajući ruski repertoar i tradiciju ruske škole plesa, te su skupine istodobno bile pod utjecajem umjetnosti krajeva u kojima su djelovale, te su se postupno s njom asimilirale.
U Rusiji je nakon 1917. balet ostao glavno središte nacionalne umjetnosti. Unatoč emigraciji niza istaknutih ličnosti baletnog kazališta, škola ruskog baleta opstala je i promovirala nove izvođače. Patos kretanja prema novom životu, revolucionarne teme i, što je najvažnije, prostor za kreativno eksperimentiranje inspirirali su baletne majstore i omogućili im da se odvaže. Pritom je očuvana tradicija prethodnika i akademizam izvedbene kulture. Voditelj trupe Boljšoj teatra, Gorsky, preradio je balete klasičnog naslijeđa, stvarajući vlastita scenska izdanja (Labuđe jezero, 1920; Giselle, 1922). Na čelu 1920-ih. Petrogradska trupa F. V. Lopukhov, stručnjak za klasičnu baštinu, talentirano je obnovio stari repertoar. Lopuhov je postavio prvu plesnu simfoniju “Veličina svemira” (1922.), alegorijski prikazao revoluciju (“Crveni vihor”, 1924.) i okrenuo se tradiciji folklornih žanrova (“Pulcinella”, 1926.; “Priča o Lisica ...”, 1927).
Intenzivan stvaralački rad i potraga za novim formama odvijao se i izvan akademskih kazališta i unutar njihovih zidova. Tijekom tih godina razvijaju se različita područja plesne umjetnosti. Studiji Duncana, L. I. Lukina, V. V. Maye, I. S. Chernetskaya, L. N. Alekseeva, N. S. Poznyakova, radionica N. M. Foreggera, “Heptakhor”, “Mladi balet” otvorila je M. Balanchivadze, studio “Dramballet”. Od posebne važnosti bio je rad K. Ya. Goleizovskog, koji je inovativno razvio žanr pop-koreografskih minijatura i postavljao balete kako u studiju Moskovskog komornog baleta, tako iu Boljšoj teatru ("Josip Prekrasni", 1925., Eksperimentalno kazalište - ogranak Boljšoj teatra). Do sredine 20-ih. Razdoblje eksperimenata u cjelokupnoj ruskoj umjetnosti, posebno koreografskoj, završilo je zatvaranjem niza studija i kampanjama u tisku za povratak tradicijama ruske kulture 19. stoljeća.
Socijalistički realizam i njegov kraj
Bio je to početak formiranja službene metode socrealizma u koreografskom kazalištu, gdje su do izražaja dolazile predstave u kojima su do izražaja dolazile forme “velikog baleta” 19. stoljeća. u kombinaciji s novim sadržajem (“Crveni mak”, 1927). Službeni zahtjevi za realizmom i dostupnošću umjetnosti doveli su do prevlasti na pozornici predstava stvorenih u žanru takozvanog dramskog baleta. Baleti ove vrste su višečinovni, obično temeljeni na radnji poznatog književnog djela, izgrađeni prema zakonima dramske izvedbe, čiji je sadržaj prikazan pantomimom i figurativnim plesom. Najpoznatiji majstori ovog žanra bili su R. V. Zakharov ("Bakhchisarai Fountain", 1934.; "Izgubljene iluzije", 1935.) i L. M. Lavrovski ("Zatočenik Kavkaza", 1938.; "Romeo i Julija", 1940.). V. I. Vainonen (»Plamenovi Pariza«, 1932.) i V. M. Chabukiani (»Laurencia«, 1939.) težili su većoj plesnosti unutar dramskoga baleta. Tridesetih godina prošlog stoljeća formirala se nova izvođačka škola koju su karakterizirali, s jedne strane, lirizam i psihološka dubina (u djelima G. S. Ulanova, K. M. Sergejeva, M. M. Gabovicha), s druge, herojski način plesa, izražaja i dinamika (u djelima M. T. Semenova i mnogih muških plesača, osobito Chabukiani, A. N. Ermolaev). Među vodećim umjetnicima kasnih 20-ih - ranih 30-ih. također T. M. Vecheslova, N. M. Dudinskaya, O. V. Lepeshinskaya.
Tridesetih godina prošlog stoljeća Baletno kazalište u Rusiji se intenzivno razvijalo. Nova operna i baletna kazališta s baletnim trupama otvorena su u Lenjingradu (Maly Opera Theatre), Moskvi (Moskovski umjetnički balet - kasnije Kazalište nazvano po K. S. Stanislavskom i Vl. I. Nemiroviču-Dančenku) i mnogim drugim gradovima Rusije. No, unatoč uspjesima, monopol jednog smjera u baletnom kazalištu doveo je do umjetno kultivirane jednoobraznosti. Mnoge vrste predstava nestale su iz kazališne upotrebe, osobito jednočinke, uključujući besprizorne i simfonijske balete. Osiromašeni su plesni oblici i plesni jezik, budući da se u izvedbama koristi isključivo klasični ples, a tek ponegdje narodni karakterni ples. Budući da su sva traženja izvan dramskog baleta proglašena formalističkim, Lopuhov je nakon razorne kritike baleta “Svijetli potok” D. D. Šostakoviča, Golejzovski, L. V. Yakobson i neki drugi izgubili mogućnost postavljanja baleta u vodećim baletnim kućama. ili su gurnuti na pozornicu. Svi predstavnici neakademskih pokreta, slobodnog plastičnog i ritmičkog plesa prekinuli su svoj producentski rad. Ali krajem 1940-ih - početkom 1950-ih. nastupila je kriza službeno podržanog dramskog baleta. Koreografi privrženi tom smjeru uzalud su ga pokušavali očuvati, povećavajući zabavnu vrijednost predstava pomoću scenskih efekata (npr. scena potopa u Zaharovljevom Brončanom konjaniku, 1949). Ipak, očuvali su se izvođačko umijeće i njegova tradicija. Tijekom tih godina na pozornici su se pojavili M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, V. T. Bovt, N. B. Fadeechev. Prijelomni trenutak dogodio se krajem 50-ih godina 20. stoljeća, kada se pojavila nova generacija koreografa. Prvi koji su krenuli putem inovacija bili su lenjingradski koreografi Yu. N. Grigorovich (“Kameni cvijet”, 1957.; “Legenda o ljubavi”, 1961.; kasnije “Spartak”, 1968.) i I. D. Belsky (“Obala nade”, 1959.; “Lenjingradska simfonija”, 1961.), koji je predstavu izgradio na temelju glazbene i plesne dramaturgije, otkrivajući njezin sadržaj u plesu. Ovoj generaciji bliski su koreografi N. D. Kasatkina i V. Yu Vasilev, O. M. Vinogradov. U tim istim godinama Lopukhov i Goleizovski vratili su se kreativnosti i stvorili niz novih produkcija; oživljeni su dotad zaboravljeni žanrovi - jednočinka, plakat, satirični balet, baletna simfonija, koreografska minijatura, proširena je tematika baletne izvedbe, a obogaćen je rječnik. U tom procesu obnove L. je imao značajnu ulogu. V. Jakobson. Koreograf je neumorno tražio nova umjetnička izražajna sredstva i koristio se slikama drugih umjetnosti u baletu. Na baletnim pozornicama Rusije pojavila se nova generacija izvođača koji su u prvim godinama rada postali saveznici novog vala koreografa: M. N. Baryshnikov, N. I. Bessmertnova, V. V. Vasiljev, I. A. Kolpakova, M. L. Lavrovski, M.-R. . E. Liepa, N. R. Makarova, E. S. Maksimova, R. X. Nurejev, A. E. Osipenko, A. I. Sizova, Yu.V. Solovjev, N. I. Sorokina, N. V. Timofejeva. Nakon intenzivnog uspona baletne umjetnosti 1960-ih i ranih 1970-ih. došlo je do usporavanja njezina razvoja, kada se na glavnim pozornicama stvaralo malo novog i značajnog, mnoge su produkcije bile epigonske. Ipak, eksperimentalni rad nije prestao tijekom ovih godina, kada su M. M. Plisetskaya, V. V. Vasiliev, N. N. Boyarchikov, G. D. Aleksidze, D. A. Bryancev stvarali izvedbe.
Krajem 80-ih - ranih 90-ih. Značajno se povećao broj gostovanja u inozemstvu kako baletnih trupa najvećih opernih i baletnih kazališta, tako i malih grupa posebno stvorenih u komercijalne svrhe. Od 1970-ih. Ruski umjetnici, osjećajući nedostatak potražnje u zastarjelom i siromašnom repertoaru kazališta, počeli su sve više raditi u inozemstvu. Nurejev je prvi ostao u inozemstvu, a za njim Makarova i Barišnjikov; Kasnije, kada je ova praksa legalizirana, Grigorovič, Vinogradov, kao i Pliseckaja, Vasiljev i drugi počeli su raditi u inozemstvu, ponekad postavljajući predstave pa čak i vodeći baletne trupe u SAD-u i Europi. Ruski plesači mlađe generacije rade u mnogim inozemnim grupama .
Povijest baleta počinje tijekom renesanse u Italiji. Izrastao je iz ceremonijalnih predstava koje su za aristokrate priređivali njihovi sluge: glazbenici i plesači na dvoru. Balet je u to vrijeme bio poput neiskusnog mladića od osamnaest godina: nespretan, ali s plamenom u očima. Razvio se izuzetno brzo. Kao onaj isti mladić kojeg su prvi put pustili u radionicu i prozvali šegrtom.
U to je vrijeme baletna moda bila potpuno drugačija: kostimi su odgovarali vremenu, tute i špice jednostavno nisu postojale, a publika je imala priliku sudjelovati u tome na kraju predstave.
Ovo je zanimljivo! U vrijeme rađanja baleta u Italiji je jedva bilo više od pet koreografa. Bilješke samo trojice stručnjaka preživjele su do danas, od kojih je jedan postao "kum baleta": u svojim je bilješkama Domenico da Piacenza plesove nazvao ballo. Učvrstivši se, riječ se transformirala u balli i balletto, počeli su je upotrebljavati i drugi ljubitelji plesa da bi se konačno pripisala baletu kao umjetnosti.
Catherine de Medici postaje značajna osoba u povijesti razvoja baleta. Iz Italije donosi ovu umjetnost u Francusku i priređuje spektakl za pozvane goste. Na primjer, veleposlanici iz Poljske mogli su vidjeti veliku produkciju pod nazivom Le Ballet des Polonais.
Vjeruje se da je modernom baletu doista najbliže bilo remek-djelo Ballet Comique de la Reine koje je publiku držalo u neizvjesnosti više od pet sati. Postavljena je 1581.
17. stoljeće
17. stoljeće nova je etapa u razvoju baleta. Odvojen od jednostavnog plesa, postao je samostalna umjetnost, koju je strastveno podržavao Luj XIV. Za njega je Mazarin naručio koreografa iz Italije koji je postavljao balete uz sudjelovanje kralja.
Godine 1661. Louis je osnovao Prvu plesnu akademiju, koja je podučavala baletnu umjetnost. Prvi koreograf Luja XIV., monsieur Lully, preuzeo je uzde prve baletne škole u svoje ruke. Pod njegovim vodstvom Plesna akademija napredovala je i davala ton cijelom baletnom svijetu. Učinio je sve da balet od mladog i neiskusnog mladića s plamenom u očima preobrazi u veličanstvenog naočitog muškarca koji je posvuda poznat i cijenjen. Godine 1672. uz njegovu je potporu osnovana plesna akademija koja je do danas u svijetu poznata kao Balet pariške opere. Još jedan dvorski koreograf Luja XIV., Pierre Beauchamp, radio je na terminologiji plesa.
1681. bila je još jedna značajna godina u povijesti baleta. Po prvi put u produkciji Mr. Lullyja sudjelovale su i djevojke. 4 ljepotice uletjele su u svijet plesa i utrle put drugima. Od ovog nezaboravnog trenutka, djevojke su počele biti uključene u balet.
XVIII stoljeće
U 18. stoljeću balet je nastavio osvajati srca ljubitelja gracioznog plesa diljem svijeta. Ogroman broj inscenacija, novi oblici izražavanja vlastitog “ja” na pozornici, slava više nije u uskim dvorskim krugovima. Baletna umjetnost došla je u Rusiju. Godine 1738. u Petrogradu je otvorena Carska baletna škola.
Što se bližila sredina stoljeća, to je baletna umjetnost postajala svjetlija. Europa je bila fascinirana njime, većina visokih ljudi bila je zainteresirana za balet. Posvuda su se otvarale baletne škole. Razvila se i baletna moda. Djevojke su skidale maske, mijenjali su se stilovi odijevanja. Sada su plesači nosili laganu odjeću, što im je omogućilo izvođenje koraka koji su do tada bili nemogući.
19. stoljeća
Početkom 19. stoljeća aktivno se razvija baletna teorija. Godine 1820. Carlo Blasis napisao je "Elementarnu raspravu o teoriji i praksi umjetnosti plesa". Počinje prijelaz s kvantitete na kvalitetu, sve se više pažnje posvećuje detaljima.
A ono glavno što početak 19. stoljeća donosi baletu je ples na vršcima prstiju. Inovacija je primljena s praskom i prihvatila ju je većina koreografa.
Općenito, ovih sto godina dalo je puno, puno baletnoj umjetnosti. Balet se pretvorio u neobično lagan i prozračan ples, poput ljetnog vjetra koji se rađa u zrakama izlazećeg sunca. Teorija i praksa tekle su ruku pod ruku: objavljeni su brojni znanstveni radovi koji se i danas koriste u nastavi baleta.
XX. stoljeća
Dvadeseto stoljeće proteklo je u znaku ruskog baleta. U Europi i Americi do početka stoljeća interes za balet jenjavao je, ali nakon dolaska majstora iz Rusije ljubav prema baletnoj umjetnosti tamo se ponovno rasplamsala. Ruski glumci organizirali su duge turneje, dajući svima priliku da uživaju u njihovim vještinama.
Revolucija 1917. nije mogla spriječiti razvoj baleta. Usput, baletna paleta na koju smo navikli pojavila se otprilike u isto vrijeme, a izvedbe su postale dublje.
U 20. stoljeću balet nije umjetnost samo za aristokrate i plemićke kuće. Balet postaje dostupan široj javnosti.
XXI stoljeće
U naše vrijeme balet ostaje ista čarobna umjetnost, u kojoj se uz pomoć plesa može govoriti o svim ljudskim emocijama. Nastavlja se razvijati i rasti, mijenjajući se zajedno sa svijetom i ne gubeći svoju važnost.
