Introducción. 3
1. Ballet antes de 1900 4
1.1. El origen del ballet como espectáculo de la corte. 4
1.2. Ballet en el Siglo de las Luces. 5
1.3. Ballet romántico. 7
2. Ballet del siglo XX. 9
2.1. Ballet Ruso S.P. Diáguilev. 9
2.2. Ballet en Estados Unidos.. 10
3. Ballet mundial. 12
3.1. Gran Bretaña. 12
3.2. La Rusia soviética y otros países. 13
3.3. Francia. 14
Alemania. 15
Conclusión. dieciséis
Lista de literatura usada... 18
El ballet es un tipo de arte teatral donde el principal medio de expresión es la danza denominada “clásica” (históricamente establecida, sujeta a un estricto código de reglas); una obra escénica perteneciente a este arte.
La trama del ballet se presenta en el libreto (guión). A partir del libreto se escribe música que expresa el contenido emocional y semántico de la obra, luego se crean escenografías y vestuario de danza y pantomima. En la creación del ballet participan un guionista, compositor, coreógrafo y artista. También hay ballets sin argumento, donde la coreografía expresa exclusivamente el contenido de la música. A menudo, el ballet utiliza música que originalmente no estaba destinada al compositor para la danza (Scheherazade de Rimsky-Korsakov, Carnival de Schumann, etc.). La danza es el componente principal de una actuación de ballet. El ballet incluye danzas clásicas y danzas de personajes, bailes de salón, folclóricos y, en algunos casos, danzas acrobáticas y rítmico-plásticas. No hay representaciones basadas únicamente en la danza clásica o únicamente en la danza de personajes, sino también en el ballet occidental moderno.
El ballet se originó en las cortes principescas de Italia durante el Renacimiento y, a medida que creció su popularidad y mejoraron sus técnicas de interpretación, se extendió por toda Europa y luego conquistó América del Norte y del Sur, Asia y Australia.
Durante la mayor parte del siglo XVIII. el ballet se desarrolló principalmente en Italia; a principios del siglo XIX Francia, y más tarde Rusia, se hicieron famosas por sus compañías de ballet. En el siglo 20 El ballet ocupó un lugar destacado en los escenarios de Estados Unidos (especialmente en Nueva York), Gran Bretaña y la Unión Soviética.
El propósito del ensayo es rastrear la historia del surgimiento y desarrollo del ballet como forma de arte teatral.
La tarea es estudiar y analizar la literatura sobre el tema del ensayo.
1. Ballet antes de 1900
1.1. Orígenes del ballet como espectáculo de corte
A finales de la Edad Media, los príncipes italianos prestaban gran atención a las magníficas festividades palaciegas. La danza ocupó en ellos un lugar importante, lo que generó la necesidad de contar con maestros de danza profesionales.
La habilidad de los primeros profesores de danza italianos impresionó a los nobles franceses que acompañaron al ejército de Carlos VIII cuando entró en Italia en 1494, reclamando el trono del Reino de Nápoles. Como resultado, los maestros de danza italianos comenzaron a ser invitados a la corte francesa. La danza floreció durante la era de Catalina de Médicis, esposa de Enrique II (que reinó entre 1547 y 1559) y madre de Carlos IX (que reinó entre 1560 y 1574) y Enrique III (que reinó entre 1574 y 1589). Por invitación de Catalina de Medici, el italiano Baldasarino di Belgioioso (en Francia se llamaba Balthazar de Beaujoyeux) organizó representaciones de la corte, la más famosa de las cuales se llamó Queen's Comedy Ballet (1581) y generalmente se considera la primera representación de ballet. en la historia del teatro musical. Durante el reinado de tres reyes franceses: Enrique IV (1533-1610), Luis XIII (1601-1643) y Luis XIV (1638-1715), los profesores de danza se distinguieron tanto en el campo del baile de salón como en las formas que se desarrollaron en en el marco del ballet de la corte. En Inglaterra en la misma época, es decir. Durante el reinado de Isabel I se produjo un proceso similar, que encontró expresión en las producciones de los llamados. Máscaras en la corte de Whitehall. En Italia la técnica de la danza profesional siguió enriqueciéndose y aparecieron las primeras obras sobre danza (Il Ballarino de Fabrizio Caroso, 1581 y Le Gratie d'Amore de Cesare Negri, 1602).
A mediados del siglo XVII. Se ha producido un alejamiento de las formas estrictas inherentes al ballet de la corte. Los bailarines de ballet actuaban ahora en un escenario elevado sobre el nivel de la sala y separado del público, como era el caso, por ejemplo, en el teatro construido por el cardenal Richelieu a principios del siglo XVII. Este teatro de estilo italiano estaba ubicado en su palacio y tenía un proscenio, que brindaba oportunidades adicionales para crear ilusión escénica y efectos espectaculares. Así se desarrolló una forma de danza puramente teatral.
Durante el reinado de Luis XIV, las representaciones de ballet de la corte alcanzaron especial esplendor tanto en París como en el Palacio de Versalles. El "Rey Sol" apareció, entre otros, como el Sol en el Ballet de la noche (1653).
Muchas de las características del ballet que han sobrevivido hasta el día de hoy se explican por el origen del ballet y el estilo de comportamiento de sus primeros intérpretes: cortesanos formados en modales nobles. Todos los nobles estaban familiarizados con el arte de la esgrima y muchas de sus técnicas se utilizaban en la danza: por ejemplo, "salir", es decir. una posición de las piernas en la que están giradas hacia afuera desde la cadera hasta el pie. Las posiciones requeridas de piernas, cabeza y brazos en el ballet también se parecen a las de los esgrimistas.
En 1661, Luis XIV creó la Real Academia de Música y Danza, que reunió a 13 destacados maestros de danza que estaban llamados a mantener las tradiciones de la danza.
1.2. Ballet en el Siglo de las Luces
En el siglo 18 Ambos estilos de danza, noble y virtuoso, se desarrollaron rápidamente. En el campo de la danza teatral surgieron maestros que formaron su propio estilo individual. Junto a Dupre, estaban el brillante Gaetan Vestris (1729-1808), el altamente técnico Pierre Gardel (1758-1840) y el innovador Auguste Vestris (1760-1842), distinguidos por su apariencia inusual y su fenomenal elevación (es decir, la capacidad de saltar alto). La ropa más sencilla y ligera, que se puso de moda en vísperas de la Revolución Francesa, dio mayor libertad para realizar piruetas y levantamientos (movimientos especiales de salto), y la fascinación por ellos se volvió universal, lo que irritó a los seguidores de la tradición.
Sin embargo, aún más significativa para el desarrollo del ballet que el crecimiento de la tecnología fue la nueva actitud hacia este arte generada por la Ilustración. Se separó el ballet de la ópera y apareció un nuevo tipo de representación teatral, donde la danza y la pantomima eran los medios de expresión. Jean Georges Noverre (1727-1810) fue el coreógrafo más importante de este movimiento, no sólo un practicante innovador, sino también autor de publicaciones muy convincentes. Sus Cartas sobre danza y ballets (1760) sentaron las bases estéticas del arte del ballet y muchas de sus declaraciones siguen siendo relevantes en la actualidad. Noverre se hizo famoso como director de numerosos ballets de acción, “ballets efectivos” (es decir, ballets con un argumento) en Stuttgart en la década de 1760, y en 1776 fue invitado como coreógrafo de la Ópera de París. , logró aprobar el ballet como forma independiente de representación en esta famosa ópera.
El ballet comenzó a extenderse por toda Europa. A mediados del siglo XVIII. Las cortes principescas de todas partes intentaron imitar el lujo de Versalles; al mismo tiempo, se abrieron teatros de ópera en muchas ciudades, de modo que los bailarines y profesores de danza, cada vez más numerosos, encontraban fácilmente empleo. No sólo en Francia, sino también en otros países, los coreógrafos propusieron innovaciones que fueron importantes para el desarrollo del ballet. En Austria, Franz Hilferding (1710-1768) fue uno de los primeros en crear producciones en las que la trama se presentaba a través de expresiones faciales y danzas. El profesor italiano Gennaro Magri publicó un detallado libro de texto sobre la danza teatral, tal como se hizo en los últimos años antes de la caída del antiguo régimen en Francia.
Cuando estalló la revolución de 1789, el ballet ya se había consolidado como una forma de arte especial. El público se acostumbró a las convenciones de las expresiones faciales escénicas y la danza, bajo la influencia de las ideas de la Ilustración, se liberó de la artificialidad contra la que luchaba Noverre. El ballet ya no se percibía como un fenómeno de la vida cortesana.
La influencia rusa se manifestó en el hecho de que Charles Louis Didelot, que anteriormente había trabajado como coreógrafo en San Petersburgo, fue invitado a presentar su ballet más famoso Flora y Zephyr (música de K.A. Kavos) en la Ópera de París. Al regresar a San Petersburgo y trabajar allí durante varios años, Didelot dejó al teatro un legado no solo de un enorme repertorio nuevo, incluidos ballets basados en temas rusos, como El prisionero del Cáucaso (música de Kavos, 1823), sino también un alto nivel de enseñanza en la escuela de ballet, que luego sería reconocida como la mejor del mundo.
En la década de 1790, bajo la influencia de la moda moderna, el traje de ballet femenino se volvió mucho más ligero y holgado, de modo que las líneas del cuerpo eran visibles debajo; Al mismo tiempo, abandonaron los zapatos con tacones y los reemplazaron por zapatos ligeros y sin tacones.
1.3. ballet romantico
Cuando se estableció la paz en Europa (1815), una nueva generación había crecido con poco interés en el pasado. Se olvidó lo inherente a la época anterior, nació una nueva estética del romanticismo, que se extendió a todas las artes. El romanticismo no sólo destruyó viejas formas que parecían obsoletas y fuera de lugar, sino que buscó nuevas fuentes de inspiración. Los jóvenes artistas románticos recurrieron a fenómenos sobrenaturales y exóticos, se sintieron atraídos por la cultura de países lejanos y la antigüedad. Las primeras manifestaciones del romanticismo fueron particularmente impresionantes y el ballet estuvo influenciado por él durante más tiempo que muchas otras formas de arte teatral.
Muchas ideas sobre el arte del ballet cambiaron por completo bajo la influencia de Maria Taglioni (1804-1884). Apareciendo en La Sylphide (1832), coreografiada por su padre, abrió el escenario para un nuevo tipo de heroína del ballet: la invitada etérea del otro mundo. Su baile tenía una gracia que contribuyó a la creación de este ser ideal. Aunque Taglioni no fue la primera en ponerse de puntillas, como han afirmado erróneamente repetidamente los historiadores, logró convertir lo que ante ella era sólo un truco en un medio expresivo para transmitir las propiedades especiales inherentes a las imágenes etéreas y esquivas.
La música de la mayoría de los ballets de la época romántica fue escrita por compositores especializados en géneros ligeros. El más significativo entre ellos fue A. Adam, autor de la música de Giselle y el Corsario. La música de ballet en aquellos días se escribía por encargo y no se daba por sentado que fuera una obra lo suficientemente seria como para ser interpretada en conciertos; los pasajes destinados a la danza eran melódicos y su construcción sencilla, mientras que la música sólo debía acompañar los episodios, creando el ambiente general de la actuación.
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Introducción
El ballet (ballet francés, del latín ballo - yo bailo) es un tipo de arte escénico, cuyos principales medios de expresión están indisolublemente ligados a la música y la danza.
La mayoría de las veces, un ballet se basa en algún tipo de trama, concepto dramático, libreto, pero también hay ballets sin trama. Los principales tipos de danza en el ballet son la danza clásica y la danza de personajes. La pantomima juega un papel importante aquí, con la ayuda de la cual los actores transmiten los sentimientos de los personajes, su "conversación" entre ellos y la esencia de lo que está sucediendo. El ballet moderno también utiliza ampliamente elementos de gimnasia y acrobacia.
1. El nacimiento del ballet
El ballet se originó en Italia durante el Renacimiento (siglo XVI), inicialmente como una escena de danza unida por una sola acción o estado de ánimo, un episodio de una representación musical u ópera. Tomado prestado de Italia, el ballet de la corte floreció en Francia como un magnífico espectáculo ceremonial. La base musical de los primeros ballets (The Queen's Comedy Ballet, 1581) fueron las danzas folclóricas y cortesanas que formaban parte de la antigua suite. En la segunda mitad del siglo XVII aparecieron nuevos géneros teatrales, como la comedia-ballet, la ópera-ballet, en los que se dio un lugar importante a la música del ballet y se intentó dramatizarla. Pero el ballet se convirtió en una forma independiente de arte escénico sólo en la segunda mitad del siglo XVIII gracias a las reformas llevadas a cabo por el coreógrafo francés J. J. Nover. Basándose en la estética de la Ilustración francesa, creó performances en las que el contenido se revela en imágenes plásticas dramáticamente expresivas y estableció el papel activo de la música como “un programa que determina los movimientos y acciones del bailarín”.
2. Mayor desarrollo del ballet.
El mayor desarrollo y florecimiento del ballet se produjo en la era del romanticismo.
Traje de ballet moderno (traje del Hada de Azúcar de la obra “El Cascanueces”).
Allá por los años 30 del siglo XVIII. La bailarina francesa Camargo acortó su falda (tutú) y abandonó los tacones, lo que le permitió introducir derrapes en su baile. A finales del siglo XVIII. el traje de ballet se vuelve mucho más ligero y libre, lo que contribuye en gran medida al rápido desarrollo de la técnica de la danza. Tratando de hacer su baile más aireado, los artistas intentaron ponerse de puntillas, lo que llevó a la invención de las zapatillas de punta. En el futuro, la técnica de los dedos de la danza femenina se está desarrollando activamente. La primera en utilizar la danza de puntas como medio de expresión fue Maria Taglioni.
La dramatización del ballet requirió el desarrollo de la música de ballet. Beethoven, en su ballet “Las obras de Prometeo” (1801), hizo el primer intento de sinfonizar un ballet. La dirección romántica se estableció en los ballets de Adam Giselle (1841) y Corsair (1856). Los ballets Coppélia (1870) y Sylvia (1876) de Delibes se consideran los primeros ballets sinfonizados. Al mismo tiempo, surgió un enfoque simplificado de la música de ballet (en los ballets de C. Pugna, L. Minkus, R. Drigo, etc.), como música melódica, de ritmo claro, que sirve únicamente como acompañamiento de la danza.
El ballet penetra en Rusia y comienza a extenderse incluso bajo Pedro I al principio. Siglo XVIII En 1738, a petición del maestro de danza francés Jean-Baptiste Lande, se abrió en San Petersburgo la primera escuela de danza de ballet de Rusia (ahora Academia Vaganova de Ballet Ruso).
La historia del ballet ruso comienza en 1738. Fue entonces, gracias a la petición del Sr. Lande, que apareció la primera escuela de ballet en Rusia: la ahora mundialmente famosa Academia de Danza de San Petersburgo que lleva el nombre de Agrippina Yakovlevna Vaganova. Los gobernantes del trono ruso siempre se preocuparon por el desarrollo del arte de la danza. Mikhail Fedorovich fue el primero de los zares rusos en introducir un nuevo puesto de bailarín en el personal de su corte. Era Iván Lodygin. No sólo tenía que bailar él mismo, sino también enseñar este arte a otros. Se pusieron a su disposición veintinueve jóvenes. El primer teatro apareció bajo el reinado del zar Alexei Mikhailovich. Entonces era costumbre mostrar una danza escénica entre los actos de una obra, que se llamaba ballet. Más tarde, por decreto especial del emperador Pedro el Grande, el baile se convirtió en una parte integral de la etiqueta de la corte. En los años 30 del siglo XVIII, los jóvenes nobles se vieron obligados a aprender a bailar. En San Petersburgo, los bailes de salón se convirtieron en una disciplina obligatoria en el Gentry Cadet Corps. Con la apertura del teatro de verano en el Jardín de Verano y del teatro de invierno en el ala del Palacio de Invierno, los cadetes comienzan a participar en bailes de ballet. El profesor de danza del cuerpo era Jean-Baptiste Lande. Entendió perfectamente que los nobles no se dedicarían al arte del ballet en el futuro. Aunque bailaron ballets a la par de los profesionales. Lande, como nadie, vio la necesidad del teatro de ballet ruso. En septiembre de 1737 presentó una petición en la que justificaba la necesidad de crear una nueva escuela especial donde niñas y niños de origen sencillo aprendieran el arte coreográfico. Pronto se concedió ese permiso. Se seleccionaron doce niñas y doce niños delgados entre los sirvientes del palacio, a quienes Lande comenzó a enseñar. El trabajo diario dio resultados, el público quedó encantado con lo que vio. A partir de 1743, los antiguos alumnos de Lande comenzaron a recibir salarios como bailarines de ballet. La escuela rápidamente logró dotar al escenario ruso de excelentes bailarines y magníficos solistas. Los nombres de los mejores alumnos de la primera cohorte permanecen en la historia: Aksinya Sergeeva, Avdotya Timofeeva, Elizaveta Zorina, Afanasy Toporkov, Andrei Nesterov
La identidad nacional del ballet ruso comenzó a gestarse a principios del siglo XIX gracias al trabajo del coreógrafo francés Sh.L. Didlo. Didelot refuerza el papel del cuerpo de ballet, la conexión entre danza y pantomima, y afirma la prioridad de la danza femenina.
Tchaikovsky hizo una verdadera revolución en la música de ballet, quien introdujo en ella un desarrollo sinfónico continuo, un contenido figurativo profundo y una expresividad dramática. La música de sus ballets "El lago de los cisnes" (1877), "La bella durmiente" (1890), "El cascanueces" (1892) adquirió, junto con la música sinfónica, la capacidad de revelar el flujo interior de la acción. Encarna los personajes de los personajes en su interacción, desarrollo, lucha. En coreografía, la innovación de Tchaikovsky fue encarnada por los coreógrafos Marius Petipa y L. I. Ivanov, quienes sentaron las bases para la sinfonización de la danza. Glazunov continuó la tradición de sinfonizar música de ballet en los ballets "Raymonda" (1898), "The Young Lady Servant" (1900) y "The Seasons" (1900).
El comienzo del siglo XX estuvo marcado por búsquedas innovadoras, el deseo de superar los estereotipos y convenciones del ballet académico del siglo XIX. En sus ballets, el coreógrafo del Teatro Bolshoi A.A. Gorsky se esforzó por lograr coherencia en el desarrollo de la acción dramática, autenticidad histórica, trató de fortalecer el papel del cuerpo de ballet como personaje de masas y de superar la separación entre pantomima y danza. M. M. Fokin hizo una importante contribución al arte del ballet ruso, ampliando significativamente la gama de ideas e imágenes del ballet, enriqueciéndolo con nuevas formas y estilos. Sus producciones de los ballets “Chopiniana”, “Petrushka”, “Firebird” y otros para las “Estaciones rusas” dieron fama al ballet ruso en el extranjero. La miniatura "El cisne moribundo" (1907), creada por Fokin para Anna Pavlova, ganó fama mundial. En 1911-13, sobre la base de las "Temporadas rusas", se formó la compañía permanente "Ballet ruso de Diaghilev". Después de que Fokine dejara la compañía, Vaslav Nijinsky se convirtió en su coreógrafo. Su producción más famosa fue el ballet “La consagración de la primavera” con música de Stravinsky.
ballet Tchaikovsky romanticismo etapa
3. danza moderna
La danza moderna es una tendencia en el arte de la danza que apareció a principios del siglo XX como resultado de un alejamiento de las estrictas normas del ballet en favor de la libertad creativa de los coreógrafos.
El ballet se inspiró en la danza libre, cuyos creadores no estaban interesados tanto en nuevas técnicas de danza o coreografías, sino en la danza como una filosofía especial que podía cambiar la vida. Este movimiento, que surgió a principios del siglo XX (se considera a Isadora Duncan como su fundadora), sirvió como fuente de muchas tendencias en la danza moderna e impulsó la reforma del ballet en sí.
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La más bella de todas las artes, el ballet, cuenta historias de amor y muerte en un lenguaje comprensible para todas las personas de la Tierra. Valores perdurables, crímenes repetidos y milagros de fe, juramento y deber encuentran su expresión en la danza. “En el principio existía la Palabra”, dice la Biblia, pero Maya Plisetskaya objeta: “¡En el principio existía un gesto!” El arte del movimiento silencioso no requiere lenguaje humano ni traducción. La belleza del cuerpo en movimiento, el cuerpo como instrumento para crear arte, ahora sirven ellos mismos como “tramas” para danzas sin trama. El ballet es imposible sin la técnica de la danza clásica, sin la naturaleza del cuerpo, sin sacrificio y amor incondicional, sin sudor y sangre. Y, sin embargo, el ballet es un movimiento perfecto que te hace olvidar todo lo mezquino y terrenal.
Una breve historia del ballet ruso.
La primera representación de ballet en Rusia tuvo lugar en Maslenitsa el 17 de febrero de 1672 en la corte del zar Alexei Mikhailovich en Preobrazhenskoye. Antes del inicio de la función, el actor que interpreta a Orfeo subió al escenario y cantó coplas en alemán, traducidas al zar por un traductor, en las que se exaltaban las maravillosas propiedades del alma de Alexei Mikhailovich. En ese momento, a ambos lados de Orfeo había dos pirámides decoradas con estandartes e iluminadas con luces multicolores, que, tras la canción de Orfeo, comenzaron a bailar. Bajo Pedro I, apareció en Rusia el baile en el sentido moderno de la palabra: se introdujeron minuetos, bailes campestres, etc., emitió un decreto según el cual el baile se convirtió en la parte principal de la etiqueta de la corte y los jóvenes nobles estaban obligados a aprender a bailar. . En 1731, se inauguró en San Petersburgo el Land Noble Corps, que estaba destinado a convertirse en la cuna del ballet ruso. Dado que se esperaba que en el futuro los graduados del cuerpo ocuparan altos cargos gubernamentales y necesitaran conocimientos de modales sociales, el estudio de bellas artes, incluidos los bailes de salón, ocupó un lugar importante en el cuerpo. El 4 de mayo de 1738, el maestro de danza francés Jean Baptiste Lande inauguró la primera escuela de danza de ballet en Rusia: la “Escuela de Danza de Su Majestad Imperial” (ahora Academia Vaganova de Ballet Ruso).
En salas especialmente equipadas del Palacio de Invierno, Lande comenzó a entrenar a 12 niños y niñas rusos. Los estudiantes fueron reclutados entre niños de origen simple. La educación en la escuela era gratuita y los estudiantes recibían apoyo total. El ballet recibió un mayor desarrollo en Rusia durante el reinado de Isabel Petrovna. Entre los cadetes del Cuerpo de Tierra, Nikita Beketov destacó en el baile. Además, Beketov, que más tarde se convirtió en el favorito de Isabel, disfrutó del favor especial de la emperatriz, quien vistió al joven, que interpretó de manera excelente los papeles femeninos. En 1742 se creó la primera compañía de ballet con alumnos de la escuela de las Landas y, en 1743, se empezaron a pagar tasas a sus participantes. El 1 de agosto de 1759, en el día del onomástica de la emperatriz y con motivo de la victoria sobre las tropas prusianas en Frankfurt, se representó solemnemente el ballet dramático "Refugio de la virtud", que fue un gran éxito.
Durante el reinado de Catalina II, el ballet en Rusia ganó aún más popularidad y se desarrolló aún más. Con motivo de su coronación, se representó en el palacio de Moscú un lujoso ballet “El regreso alegre a los pastores y pastoras arcadianos de la diosa de la primavera”, en el que participaron los nobles más nobles. Se sabe que el heredero al trono, Pavel Petrovich, bailaba a menudo en representaciones de ballet en el teatro de la corte. Desde la época de Catalina II, ha aparecido en Rusia una tradición de ballets de siervos, cuando los terratenientes fundaron compañías formadas por campesinos siervos. De estos ballets, el ballet del terrateniente Nashchokin gozó de la mayor fama.
En 1766, el coreógrafo y compositor Gasparo Angiolini, que fue dado de alta de Viena, añadió un sabor ruso a las representaciones de ballet: introdujo melodías rusas en el acompañamiento musical de las representaciones de ballet, lo que sorprendió a todos y obtuvo elogios universales. A principios del reinado de Pablo I, el ballet todavía estaba de moda. Es interesante que bajo Pablo I, se emitieron reglas especiales para el ballet: se ordenó que no debería haber un solo hombre en el escenario durante la actuación, los papeles de los hombres fueron bailados por Evgenia Kolosova y Nastasya Berilova.
Esto continuó hasta que Auguste Poirot llegó a San Petersburgo. Durante el reinado de Alejandro I, el ballet ruso continuó desarrollándose y alcanzó nuevas alturas. El éxito del ballet ruso en este momento debe, en primer lugar, al coreógrafo francés invitado Carl Didelot, que llegó a Rusia en 1801. Bajo su liderazgo, bailarinas como María Danilova y Evdokia Istomina comenzaron a brillar en el ballet ruso. En ese momento, el ballet en Rusia alcanzó una popularidad sin precedentes. Derzhavin, Pushkin y Griboedov cantaron los ballets de Didelot y sus alumnos: Istomin y Teleshova. Al Emperador le encantaban las representaciones de ballet y casi nunca se perdía ninguna. En 1831, Didelot abandonó los escenarios de San Petersburgo debido a un conflicto con el director de teatro Príncipe Gagarin. Pronto una estrella empezó a brillar en el escenario de San Petersburgo. Ballet europeo María Taglioni.
Debutó el 6 de septiembre de 1837 en el ballet La Sílfide y deleitó al público. Tal ligereza, tanta casta gracia, tan extraordinaria técnica y expresiones faciales nunca han sido mostradas por ninguno de los bailarines. En 1841 se despidió de San Petersburgo, habiendo bailado más de 200 veces durante este tiempo.
En 1848, la rival de Taglioni, Fanny Elsler, famosa por su gracia y sus expresiones faciales, llegó a San Petersburgo. A continuación visitó San Petersburgo Carlotta Grisi, que debutó en 1851 en “Giselle” y obtuvo un gran éxito, demostrando ser una bailarina de primer nivel y una excelente actriz imitadora. En ese momento, los coreógrafos Marius Petipa, Joseph Mazilier y otros representaban constantemente ballets lujosos y, atrayendo a artistas talentosos, intentaban presentar representaciones de ballet que comenzaban a enfriarse gracias a la ópera italiana. Entre los críticos de ballet de esa época se encontraba Vissarion Belinsky, quien escribió artículos sobre Taglioni, Guerino y Sankovskaya. Durante el reinado de Alejandro II, comenzó la promoción de los talentos nacionales en el ballet ruso. Varios bailarines rusos talentosos adornaron el escenario del ballet. Aunque se observó una gran economía en las producciones de ballet, la experiencia de Mariyca Petipa permitió montar elegantes espectáculos de ballet con bajos costos económicos, cuyo éxito se vio facilitado en gran medida por las excelentes decoraciones de los artistas. Durante este período de desarrollo del ballet ruso, la danza prevaleció sobre la plasticidad y las expresiones faciales.
Durante el reinado de Alejandro III, los ballets se presentaban en el Teatro Mariinsky dos veces por semana, los miércoles y domingos. El coreógrafo seguía siendo Marius Petipa. En ese momento, bailarinas extranjeras estaban de gira en San Petersburgo, incluida Carlotta Brianza, quien fue la primera en interpretar el papel de Aurora en el ballet "La Bella Durmiente" de Pyotr Tchaikovsky. Los bailarines principales fueron Vasily Geltser y Nikolai Domashev. En el siglo XX - A. V. Shiryaev, 1904 A. A. Gorsky, 1906 Mikhail Fokin, 1909. A principios del siglo XX, los custodios de las tradiciones académicas eran los artistas: Olga Preobrazhenskaya, Matilda Kshesinskaya, Vera Trefilova, Yu. N. Sedova, Agrippina. Vaganova, Olga Spesivtseva. En busca de nuevas formas, Mikhail Fokin confió en las bellas artes modernas.
Ana Pávlova. Invitación al Baile aka Invitación al valse.
La forma escénica favorita del coreógrafo era el ballet en un acto con una acción lacónica y continua y un colorido estilístico claramente definido. Mikhail Fokine posee los siguientes ballets: “Pabellón de Armida”, “Chopiniana”, “Noches egipcias”, “Carnaval”, 1910; "Petrushka", "Danzas polovtsianas" en la ópera "Príncipe Igor". Tamara Karsavina, Vaslav Nijinsky y Anna Pavlova se hicieron famosos con los ballets de Fokine. El primer acto del ballet “Don Quijote”, con música de Ludwig Minkus, llegó a sus contemporáneos en la edición de Alexander Gorsky.
Ballet ruso del siglo XX.
Galina Ulanova en el ballet "Giselle".
Pas de deux del ballet "El lago de los cisnes" de Tchaikovsky.
Ballet ruso del siglo XXI.
Pas de deux del ballet "Corsair" de Adana.
Pas de deux del ballet "Don Quijote" de Minkus.
Pas de deux del ballet "La Bayadère" de Minkus.
Adagio y pas de deux del ballet "Giselle" de Adam.
La primera representación coreográfica en Rusia fue "El Ballet de Orfeo", representada en la "mansión de la comedia" del zar Alexei Mikhailovich en su finca, el pueblo de Preobrazhenskoe, cerca de Moscú (¿13 de febrero de 1675?). De la primera mitad del siglo XVIII. El ballet fue introducido por coreógrafos y profesores de danza de Italia y Francia. Rusia, que posee su rico folklore de danza, resultó ser un terreno muy fértil para el desarrollo del teatro de ballet. Al comprender la ciencia enseñada por los extranjeros, los rusos, a su vez, introdujeron sus propias entonaciones en la danza extranjera. En la década de 1730. En San Petersburgo, J.-B. representó escenas de ballet en representaciones de ópera de la corte. Lande y A. Rinaldi (Fossano). En 1738 se inauguró la Escuela de Ballet de San Petersburgo (ahora Academia de Danza de San Petersburgo que lleva el nombre de A. Ya. Vaganova), cuyo creador y director fue Lande. En 1773 en el lavadero de coches. En la casa educativa se abrió un departamento de ballet, precursor y fundamento de la Escuela Coreográfica de Moscú. Uno de sus primeros profesores y coreógrafos fue L. Paradise. A finales del siglo XVIII. Las compañías de siervos comenzaron a desarrollarse en las fincas de los condes Sheremetev cerca de Moscú (Kuskovo, Ostankino), etc. En ese momento, San Petersburgo y Moscú tenían teatros públicos y de corte. Allí trabajaron importantes compositores, coreógrafos y muchos otros extranjeros. Artistas rusos-A. S. Sergeeva, V. M. Mikhailova, T. S. Bublikov, G. I. Raikov, N. P. Berilova. Desde la década de 1760. Rusia. El ballet se desarrolló en la corriente principal general del teatro del clasicismo. El ideal de la estética del clasicismo era la “naturaleza ennoblecida” y la norma de una obra de arte era la estricta proporcionalidad, expresada en forma de tres unidades: lugar, tiempo y acción. En el marco de estos requisitos normativos, el centro de la acción se convirtió en una persona, su destino, sus acciones y experiencias, dedicadas a un objetivo, marcadas por una única pasión que todo lo consume. El género del ballet de tragedia heroica correspondía a los principios básicos del clasicismo. El exponente de la estética del ballet clasicismo en Occidente fue J. J. Nover, quien consideraba la representación de ballet como un todo artístico independiente, con una fuerte intriga argumental, una acción desarrollada de manera lógica y consistente, con héroes, portadores de fuertes pasiones. En la segunda mitad del siglo XVIII. En San Petersburgo, los ballets fueron representados por el austriaco F. Hilferding, los italianos G. Canziani, G. Angiolini, que a veces utilizaban tramas rusas (por ejemplo, "Semira" basada en la tragedia de A. P. Sumarokov, puesta en escena por Angiolini y con su música, 1772). Estas actuaciones, con sus agudos conflictos y su acción detallada, eran nuevas en el escenario ruso. Entre otros, el italiano G. Solomoni trabajó en Moscú, promoviendo los ballets de Novera, quien representó "Vain Precaution" con coreografía de J. Dauberval (interpretada bajo el título "La anciana engañada", 1800).
El apogeo del ballet ruso en los siglos XVIII y XIX.
A principios de los siglos XVIII y XIX. El ballet ruso entró en su apogeo. Aparecieron compositores nacionales: A. N. Titov, S. I. Davydov y compositores extranjeros rusificados: K. A. Kavos, F. E. Scholz. El bailarín y coreógrafo ruso I. I. Valberkh trazó el camino hacia la síntesis del estilo interpretativo ruso con la pantomima dramática y la técnica de danza virtuosa del ballet italiano, así como con las formas estructurales de la escuela francesa. Los principios del sentimentalismo quedaron establecidos en su arte. El género principal fue el ballet melodramático. Los acontecimientos de la Guerra Patria de 1812 provocaron el florecimiento de los ballets de diversión: en San Petersburgo fueron representados por Walberch, en Moscú por I. M. Abletz, I. K. Lobanov, A. P. Glushkovsky. Los solistas fueron: en San Petersburgo E. I. Kolosova, en Moscú - T. I. Glushkovskaya, A. I. Voronina-Ivanova. En los años 1800-20. En San Petersburgo se inició el trabajo del coreógrafo C. Didelot. Continuador de las tradiciones de Novera y Dauberval, Didelot representó ballets sobre temas mitológicos (Céfiro y Flora, 1808; Cupido y Psique, 1809; Acis y Galatea, 1816) y temas histórico-heroicos (La cabaña húngara o los famosos exiliados "F Venua, 1817 "Raoul de Créquy, o el regreso de las cruzadas" de Kavos y T.V. Zhuchkovsky, 1819). En colaboración con Kavos, propuso el principio de programación, basado en la unidad de la dramaturgia musical y coreográfica de una representación de ballet. En sus ballets prerrománticos, los conjuntos de danzas solistas y de cuerpo de ballet interactuaban de maneras complejas. Los ballets de tragedia heroica de Didelot revelaron la acción a través de pantomima psicologizada y abundaron en posiciones dramáticas contrastantes. Sus ballets cómicos tenían una variedad de medios expresivos (“La joven lechera o Nicetta y Luca” de F. Antonolini, 1817; “El regreso de la India o la pierna de madera” de Venua, 1821). En 1823, Didelot representó un ballet basado en el poema de A. S. Pushkin "El prisionero del Cáucaso o la sombra de la novia". E. I. Kolosova, M. I. Danilova, A. I. Istomina, E. A. Teleshova, A. S. Novitskaya, Auguste (A. Poirot), N. O. Golts se hicieron famosos por sus actuaciones.
En Moscú, desde 1806, la compañía de ballet del teatro privado de M. Meddox quedó bajo la jurisdicción de la Dirección de Teatros Imperiales. Hasta 1812, los coreógrafos menores fueron reemplazados aquí varias veces. Después de la expulsión de los franceses de Moscú, la escuela de ballet y la compañía estaban dirigidas por el coreógrafo A.P. Glushkovsky, alumno de Didelot. Seguidor de Walberg y Didelot, Glushkovsky en su edición transfirió el repertorio de San Petersburgo al escenario de Moscú, principalmente los ballets de Didelot, puso en escena ballets anacreónticos y ballets melodramáticos, utilizó las tramas de A. S. Pushkin (“Ruslan y Lyudmila, o el derrocamiento de Chernomor , el mago malvado” Scholz, 1821) y V. A. Zhukovsky (“Tres cinturones o cenicero ruso” de Scholz, 1826). Glushkovsky preparó las arandelas. compañía de ballet, en la que bailaron Voronina-Ivanova, T. I. Glushkovskaya, V. S. y D. S. Lopukhins, para crear un repertorio romántico.
En el 1er tercio del siglo XIX. El arte del ballet ruso ha alcanzado la madurez creativa y se ha convertido en una escuela nacional. Precisamente, la peculiaridad del arte escénico de los bailarines rusos fue definida por A. S. Pushkin cuando describió la danza de su contemporáneo A. I. Istomina como “un vuelo lleno del alma”. El ballet ha ocupado una posición privilegiada entre otros tipos de teatro. Las autoridades le prestaron mucha atención y le otorgaron subsidios gubernamentales. En 1825, se inauguró el Teatro Bolshoi en Moscú y la compañía de ballet recibió un escenario técnicamente equipado y, al mismo tiempo, el principal bailarín, maestro y coreógrafo de la dirección prerromántica F. V. Gyullen-Sor. A principios de la década de 1830. Los grupos de ballet de Moscú y San Petersburgo actuaron en teatros bien equipados. El ballet ruso fue adoptado orgánicamente por los nacidos en Occidente. Romanticismo europeo. A mediados de los 30. Las actuaciones se distinguieron por el esplendor y la armonía, la gran habilidad y la coherencia del conjunto.
Temas de romanticismo y realismo.
El conflicto entre sueños y realidad, el principal en el arte romántico, renovó los temas y el estilo de la creatividad artística. En el teatro de ballet surgieron dos tipos de arte romántico. El primero afirmó la incompatibilidad de los sueños y la realidad en un plano lírico generalizado, donde dominaban las imágenes fantásticas: sílfides, wilis, náyades. El otro gravitaba hacia situaciones de vida tensas y, a veces, contenía motivos para criticar la realidad (en el centro de varios eventos, a menudo exóticos, estaba un héroe-soñador que luchaba contra el mal). Entre las figuras de la primera rama se encuentran el coreógrafo F. Taglioni y el bailarín M. Taglioni; el segundo es el coreógrafo J. Perrot y el bailarín F. Elsler. Ambas direcciones estaban unidas por una relación nueva y estéticamente prometedora entre la danza y la pantomima. El baile pasó a primer plano y se convirtió en la culminación de la acción dramática. El arte romántico se manifestó claramente en la actuación, especialmente en E. I. Andreyanova, E. A. Sankovskaya, T. Guerino. El repertorio del teatro ruso incluye todos los ballets románticos más famosos de Europa occidental. Europa: “La Sylphide”, “Giselle”, “Esmeralda”, “Corsair”, “Náyade y el pescador”, “Katarina, la hija del ladrón”. En la década de 1860, comenzó el colapso de la actuación romántica en Rusia. En los años en que la literatura y el arte rusos adquirieron una orientación realista, el ballet siguió siendo un teatro de corte con abundancia de efectos extravagantes y números divertidos. Al mismo tiempo, A. Saint-Leon enriqueció el vocabulario de la danza clásica y de carácter, ampliando las capacidades de los conjuntos de danza ampliados y preparando los logros de M. I. Petitpas. Al mismo tiempo, K. Blazis perfeccionó la técnica de los bailarines en la escuela de ballet de Moscú. Las alturas poéticas del arte del ballet fueron preservadas por M. N. Muravyova, P. P. Lebedeva, N. K. Bogdanova, V. F. Geltser.
Históricamente, fue el ballet ruso el que revivió el arte del ballet con una nueva calidad. El coreógrafo M. I. Petipa inició su actividad creativa en los cánones de la estética anticuada del romanticismo. Pero continuó el proceso de enriquecimiento de la danza iniciado en esta época. En sus ballets con música de los compositores de los teatros imperiales C. Pugni (King Candaulus, 1868) y L. Minkus (La Bayadère, 1877), la base significativa y la culminación de la acción fueron conjuntos de danza clásica desarrollados magistralmente, donde Los temas del cuerpo de ballet se desarrollaron y contrastaron y la danza solista, los motivos y características de la danza chocaron. Gracias a Petipa surgió la estética del ballet "grandioso" o académico, un espectáculo monumental construido según las normas del guión y la dramaturgia musical, y la acción externa se reveló en la puesta en escena de pantomima, y la interna, en las estructuras canónicas del clásico. bailar. La búsqueda de Petipa se completó en su colaboración con P. I. Tchaikovsky (La bella durmiente, 1890; El lago de los cisnes, 1895) y A. K. Glazunov (Raymonda, 1898; Las estaciones, 1900), cuyas partituras se convirtieron en la cúspide del ballet sinfonista en el siglo XIX. La obra del coreógrafo L. I. Ivanov, asistente de Petipa (El cascanueces, 1892; Escenas de cisnes en el lago de los cisnes, 1895), ya presagiaba el nuevo imaginario de la danza de principios del siglo XX. E. O. Vazem, E. P. Sokolova, V. A. Nikitina, P. A. Gerdt, N. G. Legat, M. F. Kshesinskaya, A. I. Sobeshanekaya, A. V. Shiryaev, O. I. Preobrazhenskaya, C. Brianza, P. Legnani, V. Zucchi. 
A principios del siglo XX. El ballet ruso ocupó un lugar destacado en el teatro de ballet mundial. El coreógrafo reformador M. M. Fokin actualizó el contenido y la forma de la representación del ballet, creando un nuevo tipo de actuación: un ballet en un acto, subordinado a la acción de principio a fin, donde el contenido se revelaba en la unidad indisoluble de la música. , coreografía, escenografía (“Chopiniana”, “Petrushka”, “ Scheherazade"). A. A. Gorsky ("La hija de Gudula" basada en la novela "La catedral de Notre Dame" de V. Hugo, 1902; "Salammbô" basada en la novela de G. Flaubert, 1910) también defendió la integridad de la acción del ballet, la autenticidad histórica de el estilo y la naturalidad de la plasticidad. Los principales coautores de ambos coreógrafos no eran compositores, sino artistas (en ocasiones también eran los autores del guión). Las actuaciones de Fokin fueron diseñadas por L. S. Bakst, A. N. Benois, A. Ya. Golovin, N. K. Roerich; Gorsky - K. A. Korovin. Los coreógrafos reformadores fueron influenciados por el arte del bailarín estadounidense A. Duncan, promotor de la danza “libre”. Sin embargo, junto con lo obsoleto, se rechazó algo valioso: la generalización de imágenes musicales y coreográficas. Pero también se encontró algo nuevo: el ballet entró en el contexto de los movimientos artísticos de su época. Desde 1909, S. P. Diaghilev organizó giras del ballet ruso en París, conocidas como las Estaciones Rusas. Revelaron al mundo al compositor I. F. Stravinsky y al coreógrafo Fokine (El pájaro de fuego, 1910; Petrushka, 1911), al bailarín y coreógrafo V. F. Nijinsky (La tarde de un fauno, 1912; La consagración de la primavera, 1913) y otros, atrajeron a músicos famosos. y artistas al teatro de ballet.
Las temporadas rusas de Diaghilev en el extranjero
Con el inicio de las temporadas rusas en el extranjero, organizadas por Diaghilev, el ballet ruso existió tanto en Rusia como en Europa. Después de octubre de 1917, cuando muchos artistas emigraron, el ballet ruso se desarrolló de forma especialmente intensa en el extranjero. A lo largo de las décadas de 1920 y 1940. Artistas rusos (A. P. Pavlova con su compañía), coreógrafos (Fokine. L. F. Myasin, B. F. Nijinska, J. Balanchine, B. G. Romanov, S. M. Lifar) dirigieron los grupos (“Balle Russe de Monte Carlo”, “Original Ballet Russe”, “Russian Teatro Romántico" y muchos otros), crearon escuelas y compañías en muchos países de Europa y América, teniendo una gran influencia en el ballet mundial. Durante muchos años, preservando el repertorio ruso y las tradiciones de la escuela de danza rusa, estos grupos fueron influenciados simultáneamente por el arte de las regiones donde trabajaban y gradualmente se asimilaron a él.
En Rusia después de 1917, el ballet siguió siendo un importante centro del arte nacional. A pesar de la emigración de varias figuras destacadas del teatro de ballet, la escuela de ballet ruso sobrevivió y promovió a nuevos artistas. El patetismo del movimiento hacia una nueva vida, los temas revolucionarios y, lo más importante, el margen para la experimentación creativa inspiraron a los maestros del ballet y les permitieron atreverse. Al mismo tiempo, se conservaron las tradiciones de sus predecesores y el academicismo de la cultura escénica. El director de la compañía del Teatro Bolshoi, Gorsky, reelaboró ballets de la herencia clásica, creando sus propias ediciones escénicas (El lago de los cisnes, 1920; Giselle, 1922). Dirigido en la década de 1920. La compañía de Petrogrado F.V. Lopukhov, experto en la herencia clásica, restauró con talento el antiguo repertorio. Lopukhov puso en escena la primera sinfonía de danza "La grandeza del universo" (1922), representó alegóricamente la revolución ("Red Whirlwind", 1924) y recurrió a la tradición de los géneros folclóricos ("Pulcinella", 1926; "El cuento de la Zorro…”, 1927).
Tanto fuera de los teatros académicos como dentro de sus muros se llevó a cabo un intenso trabajo creativo y la búsqueda de nuevas formas. Durante estos años se desarrollaron diversas áreas del arte de la danza. M. Balanchivadze abrió los estudios de Duncan, L. I. Lukin, V. V. Maya, I. S. Chernetskaya, L. N. Alekseeva, N. S. Poznyakov, el taller de N. M. Foregger, “Heptakhor”, “Young Ballet”. De particular importancia fue el trabajo de K. Ya. Goleizovsky, quien desarrolló de manera innovadora el género de miniaturas coreográficas pop y ballets escenificados tanto en el estudio de Ballet de Cámara de Moscú como en el Teatro Bolshoi (“José el Hermoso”, 1925, Teatro Experimental - una sucursal del Teatro Bolshoi). A mediados de los años 20. El período de experimentos en todo el arte ruso, en particular el coreográfico, terminó con el cierre de varios estudios y campañas en la prensa para volver a las tradiciones de la cultura rusa del siglo XIX.
El realismo socialista y su fin.
Este fue el comienzo de la formación del método oficial del realismo socialista en el teatro coreográfico, donde pasaron a primer plano representaciones en las que pasó a primer plano la forma del "gran ballet" del siglo XIX. combinado con nuevos contenidos (“Red Poppy”, 1927). Los requisitos oficiales de realismo y accesibilidad del arte llevaron al predominio en el escenario de representaciones creadas en el género del llamado ballet dramático. Los ballets de este tipo son multiactos, generalmente basados en la trama de una obra literaria famosa, construida según las leyes de una representación dramática, cuyo contenido se presentaba a través de pantomima y danza figurativa. Los maestros más famosos de este género fueron R. V. Zakharov (“La fuente de Bakhchisaray”, 1934; “Lost Illusions”, 1935) y L. M. Lavrovsky (“Prisionero del Cáucaso”, 1938; “Romeo y Julieta”, 1940). V. I. Vainonen (“Llamas de París”, 1932) y V. M. Chabukiani (“Laurencia”, 1939) buscaron una mayor bailabilidad dentro del ballet dramático. En la década de 1930 Se formó una nueva escuela de interpretación, que se caracterizó, por un lado, por el lirismo y la profundidad psicológica (en las obras de G. S. Ulanova, K. M. Sergeev, M. M. Gabovich), por el otro, por una forma heroica de danza, expresión y dinámica (en las obras de M. T. Semenova y muchos bailarines, en particular Chabukiani, A. N. Ermolaev). Entre los artistas más destacados de finales de los años 20 y principios de los 30. también T. M. Vecheslova, N. M. Dudinskaya, O. V. Lepeshinskaya.
En la década de 1930 El teatro de ballet en Rusia se desarrolló intensamente. Se abrieron nuevos teatros de ópera y ballet con compañías de ballet en Leningrado (Teatro de Ópera Maly), Moscú (Ballet Artístico de Moscú, más tarde Teatro que lleva el nombre de K. S. Stanislavsky y Vl. I. Nemirovich-Danchenko) y muchas otras ciudades de Rusia. Sin embargo, a pesar de los éxitos, el monopolio de una dirección en el teatro de ballet condujo a una uniformidad cultivada artificialmente. Muchos tipos de representaciones han desaparecido del uso teatral, en particular, las producciones de un acto, incluidos los ballets sinfónicos y sin argumento. Las formas de danza y el lenguaje de la danza se empobrecieron, ya que en las representaciones se utilizaba exclusivamente danza clásica y sólo en algunos casos danza característica folclórica. Como resultado del hecho de que todas las búsquedas fuera del ballet dramático fueron declaradas formalistas, Lopukhov, después de las devastadoras críticas al ballet "The Bright Stream" de D. D. Shostakovich, Goleizovsky, L. V. Yakobson y algunos otros perdieron la oportunidad de montar ballets en las principales compañías de ballet. o fueron empujados al escenario. Todos los representantes de los movimientos no académicos, la plástica libre y la danza rítmica cesaron sus labores de producción. Pero a finales de los años 40 y principios de los 50. Se produjo una crisis para el ballet dramático apoyado oficialmente. Los coreógrafos comprometidos con esta dirección hicieron intentos inútiles por preservarla, realzando el valor de entretenimiento de las actuaciones con la ayuda de efectos escénicos (por ejemplo, la escena de la inundación en El jinete de bronce de Zakharov, 1949). Sin embargo, se conservaron las habilidades escénicas y sus tradiciones. Durante estos años, aparecieron en escena M. M. Plisetskaya, R. S. Struchkova, V. T. Bovt, N. B. Fadeechev. El punto de inflexión se produjo a finales de los años cincuenta, cuando surgió una nueva generación de coreógrafos. Los primeros en emprender el camino de la innovación fueron los coreógrafos de Leningrado Yu. N. Grigorovich (“Stone Flower”, 1957; “Legend of Love”, 1961; más tarde “Spartak”, 1968) e I. D. Belsky (“Coast of Hope”, 1959; “Sinfónica de Leningrado”, 1961), quienes construyeron la actuación sobre la base de la dramaturgia musical y danzaria, revelando su contenido en la danza. Cerca de esta generación de coreógrafos N.D. Kasatkina y V.Yu. Vasilev, O.M. Vinogradov. En esos mismos años, Lopukhov y Goleizovsky volvieron a la creatividad y crearon una serie de nuevas producciones; Se revivieron géneros previamente olvidados: ballet en un acto, ballet de carteles, ballet satírico, ballet sinfónico, miniatura coreográfica, se ampliaron los temas de la representación del ballet y se enriqueció el vocabulario. En este proceso de renovación, L. jugó un papel importante. V. Yakobson. El coreógrafo buscó incansablemente nuevos medios de expresión artística y utilizó imágenes de otras artes en el ballet. Una nueva generación de artistas apareció en los escenarios del ballet de Rusia, y en los primeros años de su trabajo se convirtieron en aliados de la nueva ola de coreógrafos: M. N. Baryshnikov, N. I. Bessmertnova, V. V. Vasiliev, I. A. Kolpakova, M. L. Lavrovsky, M.-R . E. Liepa, N. R. Makarova, E. S. Maksimova, R. X. Nureyev, A. E. Osipenko, A. I. Sizova, Yu.V. Soloviev, N. I. Sorokina, N. V. Timofeeva. Después del intenso auge del arte del ballet en los años 1960 y principios de los 1970. hubo una desaceleración en su desarrollo, cuando se crearon pocas novedades o significativas en los escenarios principales, muchas producciones fueron epígonas. Sin embargo, el trabajo experimental no se detuvo durante estos años, cuando M. M. Plisetskaya, V. V. Vasiliev, N. N. Boyarchikov, G. D. Aleksidze, D. A. Bryantsev crearon representaciones.
A finales de los 80 y principios de los 90. Ha aumentado significativamente el número de giras al extranjero tanto de las compañías de ballet de los mayores teatros de ópera y ballet como de los pequeños grupos creados especialmente con fines comerciales. Desde los años 1970. Los artistas rusos, sintiendo su falta de demanda en el repertorio pobre y obsoleto de los teatros, comenzaron a trabajar cada vez más en el extranjero. Nureyev fue el primero en quedarse en el extranjero, seguido de Makarova y Baryshnikov; Más tarde, cuando se legalizó esta práctica, Grigorovich, Vinogradov, así como Plisetskaya, Vasiliev y otros comenzaron a trabajar en el extranjero, a veces realizando representaciones e incluso dirigiendo compañías de ballet en EE.UU. y Europa. Los bailarines rusos de la generación más joven trabajan en muchos grupos extranjeros. .
La historia del ballet comienza durante el Renacimiento en Italia. Surgió de las representaciones ceremoniales que sus sirvientes organizaban para los aristócratas: músicos y bailarines de la corte. En aquella época, el ballet era como el de un joven inexperto de dieciocho años: torpe, pero con fuego en los ojos. Se desarrolló extremadamente rápido. Como el mismo joven al que por primera vez le permitieron entrar al taller y lo llamaron aprendiz.
En ese momento, la moda del ballet era completamente diferente: los trajes correspondían a la época, los tutús y las zapatillas de punta simplemente no existían, y el público tuvo la oportunidad de participar en él al final de la actuación.
¡Esto es interesante! En la época del nacimiento del ballet en Italia, apenas había más de cinco coreógrafos. Hasta el día de hoy, solo han sobrevivido las notas de tres especialistas, uno de los cuales se convirtió en el "padrino del ballet": en sus notas, Domenico da Piacenza llamó a los bailes ballo. Una vez fortalecida, la palabra se transformó en balli y balletto, comenzó a ser utilizada por otros amantes de la danza y finalmente fue asignada al ballet como arte.
Catalina de Medici se convierte en una figura importante en la historia del desarrollo del ballet. Desde Italia trae este arte a Francia y organiza un espectáculo para los invitados. Por ejemplo, los embajadores de Polonia pudieron ver una gran producción llamada Le Ballet des Polonais.
Se cree que lo verdaderamente más parecido al ballet moderno fue la obra maestra Ballet Comique de la Reine, que mantuvo al público en vilo durante más de cinco horas. Fue instalado en 1581.
siglo 17
El siglo XVII es una nueva etapa en el desarrollo del ballet. Separada de la simple danza, se convirtió en un arte independiente, que fue apoyado apasionadamente por Luis XIV. Para él, Mazarino encargó a un coreógrafo de Italia que montara ballets con la participación del rey.
En 1661, Luis creó la Primera Academia de Danza, que enseñaba el arte del ballet. El primer coreógrafo de Luis XIV, Monsieur Lully, tomó en sus propias manos las riendas de la primera escuela de ballet. Bajo su liderazgo, la Academia de Danza mejoró y marcó la pauta para todo el mundo del ballet. Hizo todo lo posible para transformar el ballet de un joven joven e inexperto con fuego en los ojos en un hombre majestuoso y guapo, conocido y respetado en todas partes. En 1672, con su apoyo, se fundó una academia de danza, que hasta el día de hoy es conocida en todo el mundo como el Ballet de la Ópera de París. Otro coreógrafo de la corte de Luis XIV, Pierre Beauchamp, trabajó en la terminología de la danza.
1681 fue otro año importante en la historia del ballet. Por primera vez, las niñas participaron en la producción del Sr. Lully. 4 bellezas irrumpieron en el mundo de la danza y abrieron el camino a otros. A partir de este memorable momento, las niñas comenzaron a involucrarse en el ballet.
Siglo XVIII
En el siglo XVIII, el ballet siguió conquistando los corazones de los amantes de la danza elegante en todo el mundo. Una gran cantidad de producciones, nuevas formas de expresar el "yo" en el escenario, la fama ya no se encuentra en los estrechos círculos cortesanos. El arte del ballet llegó a Rusia. En 1738 se inauguró la Escuela Imperial de Ballet en San Petersburgo.
Cuanto más se acercaba la mitad del siglo, más brillante se volvía el arte del ballet. Europa estaba fascinada con él, la mayoría de las personas de alto rango estaban interesadas en el ballet. Se abrieron escuelas de ballet en todas partes. También se desarrolló la moda del ballet. Las chicas se quitaron las máscaras, los estilos de ropa cambiaron. Ahora los bailarines vestían ropas ligeras, lo que les permitía realizar pasos que hasta ese momento habían sido imposibles.
Siglo 19
A principios del siglo XIX, la teoría del ballet se estaba desarrollando activamente. En 1820, Carlo Blasis escribió “Un tratado elemental sobre la teoría y la práctica del arte de la danza”. Comienza la transición de la cantidad a la calidad, cada vez se presta más atención a los detalles.
Y lo principal que aporta el comienzo del siglo XIX al ballet es bailar en la punta de los dedos. La innovación fue recibida con entusiasmo y adoptada por la mayoría de los coreógrafos.
En general, estos cien años han dado mucho, mucho al arte del ballet. El ballet se ha convertido en una danza inusualmente ligera y aireada, como el viento de verano que surge con los rayos del sol naciente. La teoría y la práctica iban de la mano: se publicaron muchos trabajos científicos que todavía se utilizan en la enseñanza del ballet.
Siglo XX
El siglo XX transcurrió bajo el signo del ballet ruso. En Europa y América, a principios de siglo, el interés por el ballet se estaba desvaneciendo, pero después de la llegada de los maestros de Rusia, el amor por el arte del ballet volvió a estallar allí. Los actores rusos organizaron largas giras, dando a todos la oportunidad de disfrutar de sus habilidades.
La revolución de 1917 no pudo impedir el desarrollo del ballet. Por cierto, el tutú de ballet al que estamos acostumbrados apareció casi al mismo tiempo y las actuaciones se volvieron más profundas.
En el siglo XX, el ballet es un arte no sólo para aristócratas y casas nobles. El ballet se pone a disposición del público en general.
Siglo XXI
Hoy en día, el ballet sigue siendo el mismo arte mágico en el que, con la ayuda de la danza, se pueden hablar de todas las emociones humanas. Continúa desarrollándose y creciendo, cambiando con el mundo y sin perder su relevancia.
