Kirikumuusika. Muusika õigeusu kirikutes Muusikakunst kirikus

vaimulik muusika, vaimulik muusika kuula
Vaimne muusika- religioosse iseloomuga tekstidega seotud muusikateosed, mis on ette nähtud esitamiseks jumalateenistusel või kodus. Vaimulik muusika kitsamas tähenduses tähendab kristlaste kirikumuusikat; laiemas mõttes ei piirdu vaimulik muusika jumalateenistuse saatel ega piirdu kristlusega. Vaimulike muusikateoste tekstid võivad olla kas kanoonilised (näiteks katoliku missa) või vabad, kirjutatud pühade raamatute (kristlaste jaoks Piibli) põhjal või nende mõju all. Johann Sebastian Bach – üks kuulsamaid vaimulikku muusikat kirjutanud heliloojaid

Järgnevalt räägime vaimulikust muusikast kõige laiemas mõttes. Vaimuliku muusika kohta, mida mõistetakse liturgilise muusika sünonüümina (kristlaste seas - kirikumuusika), vaadake vastavaid artikleid.

• 1 Vaimuliku muusika žanrid
• 2 Kristlik vaimulik muusika
  • 2.1 Kristliku vaimuliku muusika žanrid
  • 2.2 Tuntuimad kirjutised
  • 2.3 Õigeusu vaimulik muusika
    • 2.3.1 Terve öö valve
    • 2.3.2 Vene vaimulik kontsert
  • 2.4 Vaimsed
• 3 Juudi vaimulik muusika
• 4 Islami vaimulik muusika
• 5 Märkused
• 6 linki

Vaimuliku muusika žanrid

• Paraliturgiline muusika (lauda, ​​dirigent, noel, laul, vaimne salm jne)
• Liturgiline draama
• Orelimuusika
• Muusika teistele muusikariistadele
• Muusika orkestrile ja solistidele
• Muusika orkestrile, solistidele ja orelile,
• Muusika koorile, orkestrile, solistidele ja orelile
• Koor (a cappella)
• Koor instrumentaalse saatega
• Solo (a cappella)
• Soolo instrumentaalse saatega
• Palve-meditatiivne muusika

Kristlik vaimulik muusika

Kristliku vaimuliku muusika žanrid

Kristliku vaimuliku muusika levinumad žanrid, katoliiklik ja protestantlik, on laenatud kirikumuusikast; see on koraal, psalm, hümn (sh Te Deum, Ave Maria), missa (sh surnute reekviem – Reekviem), järgnevus ja kired (kired).

Heinrich Schütz

Igal loetletud žanril on oma ajalugu, kuid kõigi jaoks on ühine see, et nad on sündinud (või kujunenud) kirikus ja algselt on õigus komponeerida vaimset laadi teoseid - mitte ainult tekste, vaid ka nende muusikalist kujundust. kuulus eranditult kiriku vaimulikele (näiteks , enamiku Rooma liturgia laulude autorluse omistas keskaegne traditsioon paavst Gregorius I-le). kaanonid kujunesid välja valiku, töötlemise ja ühendamise tulemusena. Leidus ka vabu vorme, eriti renessansiajal laialt levinud järjestus; mõned järjestused kanoniseeriti hiljem – näiteks Dies Irae, mille koostas frantsiskaani munk Tommaso da Celano ja millest sai katoliku reekviemi põhiosa, või mis kuulus teisele frantsiskaanile Jacopone da Todile, Stabat Mater.

Aja jooksul anti kanooniliste tekstide muusikalise paigutuse õigus ka ilmalikele heliloojatele. Pärast reformatsiooni levisid laialdaselt vaimsed kirjutised mittekanoonilistest tekstidest – koraalidest, hümnidest (sealhulgas Martin Lutheri omadest), hiljem ka passioonidest.

17. sajandil ilmunud religioosne oratoorium ulatub samuti ajalooliselt passioonini; Kuna tegemist on vabama vormiga, mida esialgu jumalateenistusega ei seostatud, võiks oratoorium põhineda nii suure nädala sündmustel (näiteks Heinrich Schutzi „Kristuse seitse sõna ristil“ kui ka „Päästja seitse sõna Cross” Joseph Haydnilt) ja teistest evangeeliumi peatükkidest (Schutzi „Jõululugu” (Weihnachtshistorie), Händeli „Messias”, J.S. Bachi „Jõuluoratoorium”, Hector Berliozi „Kristuse lapsepõlv”) samuti Vanast Testamendist pärit süžeed, nagu Händeli oratooriumid "Saul", "Iisrael Egiptuses", "Samson" ja "Juudas Makkabeus".

Alates renessansist on ilmalik kultuur avaldanud märkimisväärset mõju traditsioonilistele kirikuvormidele: ühelt poolt sümfooniliste žanrite ja teiselt poolt itaalia ooperi areng on muutnud nii kirgi kui ka masse (eriti matuseid) ja muid, mitte. nii suurvormid, mis omakorda arenesid sümfoniseerimise, kontsertetenduse ja "ooperi" suunas. Vaimulike kompositsioonide esitamine läks järk-järgult kontserdipraktikasse ning juba 18. sajandil ja kusagil varem loodi palju teoseid spetsiaalselt kontserdisaalis esitamiseks või kohtus kasutamiseks, tellituna konkreetseks sündmuseks, näiteks kroonimismissadeks ja reekviemideks. .

Kogu ajaloo jooksul kristlik kirik koos kirikuga kõlas ka nn paraliturgiline vaimulik muusika: religioosset laadi teosed, mis ei vastanud kirikukaanonitele. Igapäevaelus kasutati laialdaselt nii anonüümseid kui ka autorilaule, mis jumalateenistusel kasutust ei leidnud (ja muudel juhtudel polnud ilmselgelt ka selleks mõeldud) – hispaania-portugali keelsed laulud, prantsuse noelid ja dirigendid jne; Trento kirikukogul (16. sajandil) tagasi lükatud järjed mõjutasid rahvapäraste vaimulike laulude – saksa Rufe ja Leise, inglise carol, itaalia lauda – arengut ning need omakorda suuremate vormide vaimuliku muusika arengut. .

Tuntuimad teosed

Georg Friedrich Händel

Psalmid- väikeses vormis muusikateosed, mis põhinevad Psalteri tekstil. Kõige iidsem žanr, kuna Taaveti salmidele mõeldud hümne ja palveid koostati Juudamaal isegi kristluse-eelsel ajal. 16. sajandil levisid psalmid laialdaselt professionaalses mittekultuslikus muusikas, eriti “De profundis” (lat. Sügavusest) - 129. psalmi tekstil, mis nii algselt juutide kui hiljem katoliiklaste hulgas oli sageli. kasutatakse matusepalvusena; eriti tuntud on Ya. D. Zelenka ja K. V. Glucki "De profundis".

Ilmselt kuuluvad varaseimad meieni jõudnud ravimeetodid Josquin Despres'le. Ladinakeelsed ja mitteladinakeelsed psalmid, originaal- või ülevaadatud tekstid, on kirjutanud G. Schutz (“Taaveti psalmid”), J. S. Bach, Händel; 19. sajandil pöördusid nende poole Schubert, Mendelssohn ja Brahms. 20. sajandi heliloojad kirjutasid ka psalme: Max Reger, Arnold Schoenberg, Krzysztof Penderecki, Venemaal Sofia Gubaidulina ja Oleg Jantšenko. Üks kuulsamaid teoseid on I. F. Stravinski Psalmide sümfoonia.

Massid- tsüklilised vokaal- või vokaal-instrumentaalsed teosed, mis on katoliku liturgia osade kogumik. protestantlik kirik võttis vastu lühikesed missad, mis koosnesid ainult katoliku ordinaadi kahest esimesest osast - Kyrie eleison ja Gloria.

Esimese autori missa tavalisest täistekstist kirjutas 14. sajandi keskel Guillaume de Machaux – neljahäälne Messe de Notre Dame; varaseimad meieni jõudnud kuuluvad renessansiajastu heliloojatele: Dufay, Okeghem, Josquin Despres, Palestrina. 18. sajandil ja 19. sajandi alguses ei kirjutanud juba haruldane helilooja missa; samal perioodil eraldus järk-järgult missa kui žanr tegelikust jumalateenistusest; Bachi (peamiselt h-moll), Mozarti, Schuberti, Beethoveni piduliku missa missad on kindlalt kontserdipraktikasse astunud. Kogu 19. sajandi jooksul kahanes huvi selle žanri vastu järk-järgult ja 20. sajandil pöördusid heliloojad harva missa poole; saame nimetada I. F. Stravinski missa katoliku liturgia kanoonilistel tekstidel, 5 osas (1948), L. Bernsteini missa. 20. sajandil jätkati kantaatide kirjutamist tavalise missa eraldi osadele (näiteks F. Poulenci Gloria).

On ka orelimissasid, milles kõik kooripartiid on asendatud oreliloominguga (vt ka Verset); selle žanri teosed ei sisalda religioosset laadi teksti, kuid juhtudel, kui helilooja püüdleb muusikalise ulatuse adekvaatsuse poole implitseeritud verbaalsele, liigitatakse vaimuliku muusika hulka ka orelimissad. See kehtib eeskätt "Saksa orelimissa" kohta, mille autoriks on J.S. Bach.

Franz Schubert

Reekviemid- algselt katoliiklikud matusemissad. Esimeseks selle žanri teoseks, mis on kirjutatud kanoonilises ladinakeelses tekstis, peetakse Dufay Reekviemi, mis pole meieni jõudnud; esimesena säilinud polüfoonilises stiilis a capella kompositsioon on Johannes Okegem (15. sajand). Kuid juba 18. sajandi teisel poolel ei kirjutatud reekvieme sageli mitte kiriku jaoks, mis võimaldas hiljem koostada reekvieme mittekanoonilistele tekstidele või kanoonilise teksti osalise kasutamisega.

Praegu on enim ettekantud W. A. ​​Mozarti ja D. Verdi kanoonilises ladinakeelses tekstis kirjutatud Reekviemid. Kontserdi repertuaari kuulusid kindlalt ka L. Cherubini (c-moll), G. Berliozi, G. Fauré (kärbitud tekstil) kanoonilised reekviemid ning J. Brahmsi mittekanooniline Saksa reekviem ja B. Sõjaline reekviem. Britten, milles traditsiooniline ladina tekst on ühendatud luule inglise luuletaja Wilfred Oweniga. Hiljuti võita J. D. Zelenka, G. Bieberi Reekviemi tunnustus.

Kirg- Suure nädala sündmustele pühendatud vokaal- ja draamateosed, mis põhinesid algselt evangeeliumitekstidel; aga alates 18. sajandi algusest hakati selle žanri kompositsioonide jaoks üha enam kasutama kuulsate poeetide, sealhulgas ooperilibretistide evangeeliumide põhjal kirjutatud tekste.

Seda mõistet seostatakse eelkõige Matteuse ja John J. S. Bachi järgi kuulsa passiooniga. Viimasel ajal on kontserdilaval sageli kuulda Antonio Salieri Passion of Our Lord Jesus Christ. Varasemad teadaolevad kired on Jacob Obrechti (arvatavasti, kuna tema autorsus on vaidlustatud) ja Orlando Lasso (15.–16. sajand) kired.

Žanr Passion oli väga populaarne kuni 18. sajandi keskpaigani, juba sajandi teisel poolel pöördusid heliloojad selle poole üha harvemini, seejärel unustati see pikaks ajaks ning alles 20. sajandil tekkis huvi vanamuusika vastu. aidata kaasa mõne žanri, sealhulgas Passions, taaselustamisele; Kuulsust kogusid Hugo Distleri „Koorilised passioonid“, mis põhinevad kõigil neljal evangeeliumil, ja K. Penderecki „Luuka passioon“ (1966). J. S. Bachi 250. surma-aastapäeva puhul valmis passioon nelja evangeeliumi – Luuka, Markuse, Matteuse ja Johannese – järgi neljalt heliloojalt aastast. erinevad riigid, Sofia Gubaidulina lõi "Kirg Johannese järgi", O. Golikhov "Kirg Markuse järgi".

Stabat mater- katoliku hümn (jada) Jacopone da Todi ladinakeelsele tekstile.

Varasematest teadaolevatest on Josquin Desprese, Palestrina ja Orlando Lasso teosed; meie aja enim esitatakse Gioacchino Rossini suurepäraste vokaalpartiidega ja üldiselt helilooja teatristiilile vastavat Stabat Materit ning Giovanni Pergolesi askeetlikumat Stabat Materit. Tuntud on ka Vivaldi, Haydni, Mozarti, Schuberti, Verdi teosed (tsükkel "Neli vaimset pala"); A. N. Serovil on ka Stabat Mater. 20. sajandil pöördusid Stabat Materi poole Karol Szymanowski, Francis Poulenc, Zoltan Kodai, Krzysztof Penderecki, Arvo Pärt.

Krzysztof Penderecki

Te Deum- katoliku tänulaulule psalme matkides kirjutatud tekstile; toimus algselt kristliku jumalateenistuse osana. Esimene säilinud näide kahehäälsest Te Deumist pärineb 9. sajandi lõpust.

Kultusrituaalidest eraldatuna kõlas hümni alates 18. sajandist sagedamini õukonnapidustustel, sealhulgas kroonimispidustustel, neile kirjutasid oma hümne Händel, Haydn, Salieri, Mozart. 19. sajandil sai Te Deumist kontserti laadi teos, mis on kirjutatud suurtele esinevatele koosseisudele – solistidele ja koorile, orkestri või oreli saatel; sellised on Berliozi, Liszti, Verdi, Bruckneri ja Dvoraki hümnid.

Vene õigeusu jumalateenistuses on katoliikliku Te Deumi analoogiks laul "Me ülistame teile Jumalat" (selle tekst on kirikuslaavi tõlge ladinakeelsest tekstist Te Deum); tuntud A. L. Vedeli, S. I. Davõdovi, N. A. Rimski-Korsakovi, A. A. Arhangelski teosed.

Ave Maria- katoliku palve Neitsi Maarjale. Tuntuim on Franz Schubertilt (algselt kirjutatud mittekanoonilises tekstis); sagedamini esitatavate hulgas on ka Ch. Gounod' Ave Maria (komponeeritud meloodiana J. S. Bachi hästitempereeritud klaveri 1. prelüüdi saatel ja kirjutatud algselt ka mittekanoonilisele tekstile), Giulio Caccinile omistatud Ave Maria (tegelikult populaarne kompositsioon - Leningradi lautomängija Vladimir Vavilovi pettus). Varaseim säilinud kuulub Josquin Despresile; tuntud on ka Jacob Arcadelt, Palestrina, Cherubini, Gounod (loodud J. S. Bachi prelüüdi põhjal), Mendelssohni, Verdi (tsükkel "Neli vaimset pala"), Liszti, Bruckneri, Dvoraki, Francesco Tosti hümne. Hümni kanoonilisele tekstile on valmis kandideerima ka tänapäeva heliloojad, sh Alemdar Karamanov, Ennio Morricone, Igor Luchenok.

Õigeusu vaimulik muusika

Terve öö valve

Peamine artikkel: Vesperid

Alates 18. sajandist lõid vene heliloojad Üle-öise Vigiilia tekstide põhjal kontserdiloomulisi teoseid - "Vesprid", mida sai esitada ka väljaspool jumalateenistust; tuntud on A. L. Vedeli ja S. A. Degtjarevi "Kogu öö". Alates 19. sajandi teisest poolest võtsid vesprid sageli originaalsete kooriloominguna või iidsete laulude üsna vabade seadete kujul; selliseid teoseid lõid eelkõige A. A. Arhangelski, A. T. Gretšaninov, P. G. Chesnokov. Žanri parimad näited on P.I. Tšaikovski ja Sergei Rahmaninov.

Vene vaimulik kontsert

17. sajandi lõpus läänest Venemaale jõudnud vaimulik kontsert, mis kujutas endast kahe või enama vastandkoori “võistlust”, kujunes algul puhtalt kirikumuusika žanriks ja vastas õigeusu traditsioonidele. jumalateenistus: erinevalt Lääne-Euroopa omast ei sisaldanud see instrumentaalsaadet ja oli kirjutatud selleks ajaks kirikus väljakujunenud partes polüfoonia kujul, milles häälte arv oli tavaliselt 3–12 (mõnel kontserdil jõudis 48-ni). Kuid 18. sajandi teisel poolel läks vaimulik kontsert kirikust kaugemale; selle žanri klassikalisi teoseid lõid Maxim Berezovski ja Dmitri Bortnyansky:

Vaimulikud

Peamine artikkel: Vaimulikud

Spirituaale (inglise keelest spirituaalne - spirituaalne) - afroameeriklaste vaimseid laule võib pidada kristliku vaimuliku muusika oksaks, kuna nende allikaks olid eurooplaste Ameerikasse toodud vaimsed hümnid ja nende teemadeks on traditsiooniliselt piiblilood. Aafrika-Ameerika kultuuri ja afroameerika igapäevaeluga kohandatud hümnid on arenenud originaalseks žanriks: spirituaalides on Ameerika puritaanlike hümnide jooned ühendatud Aafrika esitustraditsioonide tunnustega. Spirituaale iseloomustab küsimuste-vastuste struktuur – dialoog jutlustaja ja koguduseliikmete vahel. 19. sajandi lõpul žanrina kujunenud spirituaalid esitati koori esituses, ilma instrumentaalse saateta, ja tegemist oli kollektiivse improvisatsiooniga; kuid selliste silmapaistvate artistide nagu Marian Anderson ja Paul Robeson esilekerkimisega muutusid need peamiselt soololauludeks koos instrumentaalse saatega. Spirituaali kasutas George Gershwin oma kuulsas ooperis Porgy ja Bess. Kõige kuulsam spirituaalne on "Go Down Moses".

Juudi vaimulik muusika

Juutide vaimuelus mängis olulist rolli iidsetest aegadest pärit muusika: Vanas Testamendis on mainitud paljusid muusikainstrumente – löökpille, puhkpille ja keelpille (asjatundjate hinnangul kokku 24). templi rituaalne muusika võeti Piibli järgi kasutusele juba Taaveti valitsusajal; Pühakoja jumalateenistusel koosnes ja osales ulatuslik koor ja orkester.

Templimuusika põhižanr oli psalm, peaks olema sünkreetiline muusikaline ja poeetiline žanr. Psalmi sisu määras nii selle esituse iseloomu kui ka pillisaate valiku. Uue ajastu alguseks oli välja kujunenud kolm psalmide esitamise viisi: soololaul, responsor ehk soolo koos kooriremarkidega - “vastused” ja lihtsalt koor, ilma solistita. Koori võiks omakorda jagada kahte rühma, kes pidasid omavahel dialoogi (antifooni).

Pärast templi hävitamist (70. aastal pKr) algas sünagoogimuusika areng. sünagoogis sündis uus žanr – ohverdamist asendav palve ja hiljem psalmoodia- laul, mille tekst ei võetud mitte Psalterist, vaid teistest Vana Testamendi raamatutest, näiteks Iiobi, Jeremija ja Saalomoni Õpetussõnade raamatutest. erinevalt templilaulust oli sünagoogilaul paljude sajandite vältel eranditult vokaalne; lihtsustati ka esitusviisi: töötati välja eriline liturgilise retsitatiivi liik - tegeliku lugemise kombinatsioon meloodilise retsitatsiooniga.

Juba keskajal sai laialt levinud teine ​​žanr - juua; nagu psalm, on ka žanr muusikaline ja poeetiline, enamasti religioosset laadi hümn. 8. ja 9. sajandi vahetusel ilmusid sünagoogidesse professionaalsed lauljad - hazzanid (cantorid). Hazzanitel oli õigus tõlgendada vanu palveviise ja luua uusi ning järk-järgult ilmnesid neis meloodia tunnused selle sõna tänapäevases tähenduses.

Kui algselt mõjutas juudi kultusmuusika varakristlikku kirikulaulu, siis hiljem neelas juudi diasporaa muusika elemente kohalikest Euroopa kultuuridest; nende mõjul jõudis laulmise instrumentaalsaade järk-järgult tagasi juudi kogukondade ellu. Nii lõi viiuldaja ja helilooja Salomone dei Rossi, kes elas 16. ja 17. sajandi vahetusel Mantovas, ilmalikku vokaal- ja instrumentaalmuusikat sel ajal Itaalias levinud žanrites (madrigalid, kansonetid jne). samal ajal on ta sünagoogiteoste autor: 33 koraali (raamat "Juudi psalmid ja laulud") ja kompositsioonikogu "Hashirim Asher Li Shlomo" ("Saalomoni laulud").

19. sajandil paigaldasid judaismi reformistliku suuna esindajad, juudi rahvale Euroopa kultuuri väärtuste tutvustamise toetajad (nende hulgas Giacomo Meyerbeeri isa Jakob Hertz Behr) sünagoogidesse oreleid ja lõid oreliseadeid. liturgilistest viisidest.

Ida-Euroopas, kus juudi kogukonnad olid sunnitud elama suletumalt, sündis 18. sajandi 30ndatel Rahvaste Ühenduses hassidism, mis seejärel levis Austria-Ungari ja Vene impeerium. Hasiidi kultuuris on rituaali oluliseks osaks saanud tants, mida esitatakse pillimängu või laulmise saatel. Hassiidide muusika ja tantsud neelasid endasse Ukraina, Poola, Rumeenia ja Ungari folkloori elemente, olles samal ajal sügavalt rahvuslik kunst.

19. sajandi teisel poolel Lääne-Euroopa mõju muusikaline kultuur jõudis Ida-Euroopasse; 1901. aastal paigaldati Odessa sünagoogi orel, hazzan N. Blumenthal korraldas Odessa esimese, kuid mitte viimase koorikooli, milles viljeleti bel canto stiili ning kasutas liturgias klassikalise saksa muusika meloodiaid.

Islami vaimulik muusika

Peamine artikkel: qawvali

Islami vaimne muusika on peamiselt qawwali, sufi luule esitamine muusika saatel. Qawwali kunst tekkis Indias 13. sajandil pärsia luule ja India muusika kombineerimise tulemusena. Algselt kasutati qawwalit eranditult rituaalsetel eesmärkidel, nüüd tehakse seda traditsiooniliselt sufi pühakute haudadel Indias ja Pakistanis; kuid juba mõnda aega on qawwali esitamine muutunud ka kontsertpraktikaks.

Märkmed

1. • Vaimulik muusika // Muusikaentsüklopeedia
   • Vaimulik muusika // Suur entsüklopeediline sõnaraamat
   • Vaimulik muusika // Muusikaline lühisõnastik
   • Kirikumuusika // Koorisõnaraamat
2. 1 2 3 4 Baranova T. B., Vladõševskaja T. F. Kirikumuusika
3. Manukyan I. E. Oratoorium
4. Seda suhteliselt uut terminit ei kasutata mitte ainult mittekiriklike vaimuliku muusika žanrite, vaid ka kirikunõuetele mittevastavate autorimissade, reekviemide, vesprite jms kohta. (V. V. Ponomarjov. Paraliturgilised kompositsioonid ja kanoonilise lubatavuse probleem õigeusu kirikulaulus)
5. Levik B.V. Missa // Muusikaline entsüklopeedia
6. 1 2 Levik B.V. Reekviem // Muusikaline entsüklopeedia
7. 1 2 3 Druskin M.S. Kired // Muusikaentsüklopeedia
8. Kyuregyan T. S. Te Deum // Muusikaline entsüklopeedia.
9. Siin on "Tebe" akusatiivvorm (vene keeles: "Sina"); kirikuslaavi kirjutises erineb see daatiivi käände homonüümsest vormist.
10. Schuberti Ave Maria ajaloo kohta vaata näiteks A. Maikapari artiklit.
11. Buluchevsky Yu. Fomin V. Vespers // Muusikaline lühisõnastik. S. 78
12. "Porgy ja Bess"
13. 1 2 3 4 5 Muusika // Elektrooniline juudi entsüklopeedia
14. Qawwali žanri kohta

Lingid

• Kirikurežiimid // Brockhausi ja Efroni entsüklopeediline sõnaraamat: 86 köites (82 köidet ja 4 lisa). - Peterburi, 1890-1907.

vaimulik muusika, vaimulik muusika 160 laulu, vaimulik muusika mp3, vaimulik muusika bornyansky, vaimulik muusika wikipedia, vaimuliku muusika allalaadimine, vaimuliku muusika kuulamine, vaimuliku muusika kuulamine võrgus, kiriku vaimulik muusika, vaimulik muusika

Teave vaimuliku muusika kohta

Jaotis: "Muusikakultuuri originaalsus"Selles jaotises tutvume
originaalsust paljastavad teemad
muusikalised kultuurid:
Muusika templis
Laulus - rahva hing
Ameerika rahvapärase päritolu juures
muusika

"Ilu muusikas ei seisne selles
kuhjudes efekte ja
harmoonilised kurioosumid ja sisse
lihtsus ja loomulikkus.
Pjotr ​​Tšaikovski

Tunni teema: "Muusika templis"

Notre Dame'i katedraal

Kristuse tempel
Päästja

Lapsena armastasin ma templis hämarat,
Armastas õhtul
Tema säravad tuled
Palvetava rahva ees;
Mulle meeldis terve öö valvamine,
Kui lugudes ja sõnades
Kõlab alistuvast alandlikkusest
Ja pattude meeleparandus.
Vaikselt, kuskil
veranda,
Seisin rahvahulga taga;
võtsin kaasa
Hinges ja rõõmus ja kurbuses;
Ja sel tunnil, mil koor vaikselt laulis
"Vaikse valguse" kohta - helluses
Unustasin oma mured
Ja mu süda läks rõõmust heledaks ...
Ivan Bunin. 1888

Täna vaatame mõnda neist
traditsioonidest muusikani
maailma peamiste religioonide originaalsus
kristlus/õigeusk,
katoliiklus, protestantism)
islam
budism

kristlus

10.

„Miski nii ei ülenda hinge, mitte miski nii
ei inspireeri teda, ei eemalda teda maa pealt, ei eemalda
vabastab kehalistest sidemetest, mitte
juhendab filosoofiat ja ei aita
saavutada täielik põlgus
igapäevased esemed nagu
kokku lepitud meloodia ja kontrollitud
jumaliku laulu rütm"
John Chrysostomos

11.

Kiriku koorilaul ja kellad
helin oli muusikali aluseks
Õigeusu traditsioonid.
Läänes katoliiklikus ja protestantlikus keeles
templid, keskaja lõpust aastal
orelit kasutati jumalateenistusel ja
siis muud muusikariistad,
ja isegi terveid orkestreid.
Vene keeles, kõige täiuslikum instrument
peetakse inimhääleks

12.

Muusika templites
tundus jumalik ja tema
esitus - ingellik,
taevalik
Vanavene südames
laulukunst valetab
Znamenski
laulda
("bänner", st "märk")
18. sajandil eriline
sai populaarseks
kasutada nn
partesnoe
(polüfooniline) laulmine

13.

18-19 sajandil. kiriku kirjutamiseks
muusika meeldis paljudele
kuulsad heliloojad:
D. Bortnjanski - "Kontsert koorile"
A. Gretšaninov - "Ma usun"
P. Tšesnokov - "Tšerubi hümn"
P. Tšaikovski - „Liturgia Püha. John
Krüsostomus"
S. Rahmaninov - "Kogu öö valve"

14.

Dmitri
Bortnjanski
1751-1825
"Kontsert koorile"

15.

16.

Muusika koos ikonograafia ja
arhitektuuri nähti kui
omamoodi kunstide süntees, eriline
templi aktsioon, mis oli üks
kõige originaalsemad venekeelsed lehed
kultuur.
Kirikumuusikal pole mitte ainult
esteetiline väärtus, see kannab
sügav tähendus: see on adresseeritud
tundeid, kogemusi ja mis kõige tähtsam – et
mehe mõtted.

17. Islami templimuusika

18.

Islami muusikal on erinev iseloom.
Moslemi religioon rangelt
reguleeritud mitte ainult
arhitektuur, kujutav kunst
ja suurejoonelisi etendusi, aga ka
muusikaline loovus.
Ühest küljest langes muusika auastmesse
islami poolt keelatud kunstid ja koos
teine ​​- rikkaim loodi
muusikaline pärand iseloomustusega
rahvuslikud traditsioonid.

19.

Ta kannab eranditult vokaali
iseloomu.
Ekspressiivne ja dünaamiline hääl
teenija - muezzin (araabia keelest -
"helistaja") peab 5 korda päevas
kutsuda usklikud palvele ja
pöörama kõik oma mõtted Jumala poole.

20.

Religioossete seas
Moslemi riitused, v.a
azana (palvekutse)
on ka teisi
kultusmuusika tüübid.
meloodiline deklamatsioon
Püha Koraan
Dikr – kultuse liik
laulude saatel
rütmilised kehaliigutused

21. Budismi templimuusika

22.

Usuti, et heli mängib kõige tähtsamat
roll universumis. Lugematu arv
ühtlane ja proportsionaalne heli
kõikumised sünnitavad jumalikku
maailma harmooniat ja seega ka suhtumist
muusika oli rohkem toetav.
Ilus laul, tants, helid,
taastoodetud hinnaline
instrumente, tajuti kui
lahutamatu osa
"täiusliku õndsuse maa".

23.

24. Küsimus:

Muusikal missugune
traditsiooniliste religioonide kultuurid
kas sa maailma märkasid?
Kuidas vaimsus väljendub?
inimeste taju?

25. Kodutöö

1. Tunne abstraktset!
2. Valmistuge küsimusteks selle kohta
see teema

26. Küsimused:

1. Mis on 3 peamist maailmareligiooni?
2. Kes on nende religioonide rajajad?
3. Nimeta kolme maailma peamised raamatud
religioonid?
4. Mida peeti kõige täiuslikumaks Venemaal?
tööriist?
5. Kuidas nimetatakse polüfoonilist sisselaulmist
tempel?

27. Küsimused:

6. Mis on islamiministri nimi, kutsudes?
palvetada 5 korda päevas?
7. Kuidas kutsutakse palvekutset?
8. Mida sisaldab korduv palvelaulmine
budism?
9. Kuidas nimetatakse kultuslaulude tüüpi
Islam?
10. Millise mulje jätab sulle muusika
tempel?

Universaalsed kunstiseadused, mis sisalduvad uskumustes, rituaalides, religioossetes rituaalides, arhitektuurikaanonites, monumentaal- ja dekoratiivkunstis, maalis, skulptuuris, kunstisõnas ja muusikas ühtse kunstilise terviku sulandumises – see on mittetäielik loetelu sellest, mille süntees templikunst esitab inimkonnale. Pealegi erinevad selle nähtuse tekkimine, areng ja olemasolu erinevate rahvaste vahel harvaesineva sarnasuse poolest. See peegeldab epohhide suhtumist, kõiki inimkonna ettekujutusi maailmast.

Maa ja taeva ühtsus

Absoluutselt iga religiooni, olgu selleks kristlus, budism või islam, põhiväärtuseks on templid, mis kehastavad maailmakorra kuvandit. Sellised religioossed ehitised on kõikjaloleva ebamaise Jumala eluruumid Maal. Need on kohad, kus Jumalat leitakse palve kaudu, ühtsust Temaga sakramendi ja hinge päästmise kaudu.

Jumaliku idee sisaldub Kõigekõrgema templi kujutises, mis elab väljaspool inimteadvuse piire ja ühendab inimeste ideed maailmakorrast. Seal on pelgupaik maailma edevuse eest, on teadlik taeva ja maa ühtsusest. Samuti toimib kunstide süntees esteetilises kasvatuses.

Sõna kõrge musikaalsus, iidsed rangete nägudega ikoonid, pühalik templiarhitektuur, monumentaalsed freskod, täis plastiliste skulptuuride väärikust, kaunid ja kõige täpsemini tasakaalustatud kirikumuusika meloodiad - kõik see tekitab ülevaid moraalseid tundeid, kui mõelda elust ja surmast, patust ja meeleparandusest, kui hing püüdleb ideaali ja tõe poole. Templikunsti süntees viitab kaastundele ja kaastundele, rahule ja hellusele, vaimsusele ja valgustatud rõõmule.

Õigeusu kiriku korraldus

Õigeusu kirik eraldab kogu kuplialuse ruumi palvetajatele, altariruum aga jumalikule ülireaalsusele. Nad meenutavad Jumalat ja kutsuvad Tema juurde ikoone. Kuni XVIII sajandini oli kogu kirikumuusika rangelt monofooniline, kajastades ikoonide, freskode ja mosaiikide askeesi. Pärast muusikalised kompositsioonid, mis kaasnes jumalateenistustega, muutus polüfooniliseks ja kontsert-, sageli heliloojaks. Seda teenis kunstide templisüntees ning kiriku ja ilmalike põhimõtete sulandumine.

Ka templite kaunistus muutus vormilt rikkalikumaks ja paletilt heledamaks. Kuld, kinaver, lilla, smalt - pühakute kujutised muutusid ilmekamaks, intensiivsemaks ja vaheldusrikkamaks, laulmine professionaalsemaks, isegi osavamaks. Kõik see seab karja pühalikule palvemeeleolule ja jumalateenistus ise kasvab hiilgusega.

Templikunsti süntees katoliikluses

Arhitektuuriliselt suurejooneline ja majesteetlik, interjöör on helge, ruum on täidetud õhu ja lennuga. Kõik dekoori osad on suunatud ülespoole: sambad ja sambad on õhukesed ja elegantsed, vitraažaknad, ažuursed, tõkked toomkiriku siseterritooriumi ja välismaailma vahel tunduvad efemeersed.

Erinevalt ilma pillisaateta koorist õigeusu kirikus kõlavad katoliku kirikus nii koor kui orel. Arhitektuur, maal, skulptuur, aga ka teenimise sakrament – ​​kõik kunstisünteesi liigid on samuti põhimõtteliselt erinevad.

Tõe mõistmine islamis

Hiiglaslik kuppel – mošee – on ainsa Jumala (Allahi) sümbol ja seda ümbritsev torn – minarett – sümboliseerib tema prohvetit Muhamedi. Mošee koosneb kahest proportsionaalsest ruumist - avatud sisehoovist ja varjutatud palvesaalist. Kõik moslemitempli arhitektuurilised osad peegeldavad moslemite kontseptsiooni ilust: kuppel näib hõljuvat mošee kohal, nišid ripuvad üksteise kohal, nagu sammud lõputusse taevasse, minarett on suunatud ülespoole jumaliku suuruse poole.

Mošee seintel on näha ainult kaunilt kujundatud ütlusi moslemite pühast raamatust - Koraanist, kuna siin neelas kunstide templisüntees ainult arhitektuuri ja keelpillide saatel poeetilist sõna. Jumalate või mis tahes elusolendite kujutamine on rangelt keelatud ja seda peetakse pühaduseteotuseks. Siin on ainult ornament kui moslemite maailmavaate nähtus - lõpmatuse sümbol põhimotiivide rütmilistes kordustes. Kordused on omakorda kõige usaldusväärsem viis Allahile pühendumise väljendamiseks ja tema tõe mõistmiseks.

Probleem budismis

Budistid korraldavad pidustusi värske õhk. Nende rongkäigud on väga värvikalt teatraalsed, muusika ja tantsu saatel. Eriti muljetavaldav on budistlik, need ebainimlikud helid näivad ühendavat kummardajaid kauge ettearvamatu muinasajaga, samas kannavad nad teadvuse kosmosesse, sfääride muusikasse.

Iidne ehitati tohututest tahvlitest ja kividest raske ja suurejoonelise skulptuurse ja ornamentaalse kaunistuse aluseks, mis kattis peaaegu kogu selle pinna. Budistlikus templis pole kaare ega võlve. Tavaliselt helisevad katustel arvukad kellad, mis kõiguvad väikseimastki tuuleiilist, helisevad meloodiliselt ja ajavad eemale kurje vaime. Kellad on rituaalne ese, mida kasutatakse jumalateenistusel. Kunstide templisüntees budismis ja islamis ei ole aga nii täielik kui kristluses.

Florensky Kolmainsuse-Sergius Lavra kohta

Lavra ei saa olla lihtsalt muuseum just seetõttu, et kunstiobjekt pole asi – see ei saa olla liikumatu, seisev, surnud kunstitegevuse muumia. On vaja muuta see lõputuks, pidevalt purskavaks loovuse vooluks. Kunstiobjekt on Looja enda elav, pulseeriv tegevus, isegi siis, kui ta on Temast ajas ja ruumis eemaldunud, kuid lahutamatu ja kõigist eluvärvidest virvendav, alati erutunud vaim.

Kunst peab olema eluliselt tähtis ja see sõltub muljete ühtsuse astmest ja nende väljendamise viisist. Sisu ühtsus tõmbab meid tõelise kunsti poole. Eemaldades täieõiguslikust funktsioonist mis tahes tahke, saame reaalse sisuga fiktsiooni.

Lavrat tuleks käsitleda kui templikunsti sünteesi, kui kultuurilist ja kunstilist tervikut, kui kõrgkultuuri keskust ja monumenti. Tuleb hinnata iga pisiasja: tema eluviisi, omapärast elu, mis on taandunud kauge mineviku piirkonda.

Sünteetilised kunstid

Teatris, filmis ja televisioonis on aktiivselt ühendatud erinevad kunstiliigid. Siin suhtlevad kõige sagedamini muusikaline, dramaatiline, kujutav kunst ja kirjandus.

Eelkõige tajub kuulaja või vaataja näidendi või filmi kirjanduslikku alust. Kujutise visuaalset tajumist aitavad kostüümid ja maastik luua reaalsuse atmosfääri, mida süžee esitab. Muusika loob ja võimendab emotsionaalseid kogemusi.

Ainulaadne žanr laval on muusikal, kus oli vaja ka kunstide erilist sünteesi. Näited tõsise materjali avalikustamisest publikule kõige kättesaadavamate vahenditega on järgmised: Hugo muusikal "Notre Dame'i katedraal", kus sulandusid muusika-, draama-, koreograafia-, vokaal-, plasti- ja kunstikunstid. Muusikalil on vodevilli, opereti, varietee, varietee jooni, tänu millele eristab seda materjali heledus.

Kunstide süntees televisioonis ei hõlma mitte ainult mängufilme ja -sarju, vaid ka paljusid teatud stsenaariumide järgi toimuvaid saateid. Siin on stuudiote kujunduse ja dekoratsiooniga ühendatud värvi- ja muusikavalgustusseadmed, mis aitavad luua stsenaariumiga ette nähtud atmosfääri, ruumi ja teatud helikeskkonda. Televisiooni kunstide süntees sisaldab eriti palju komponente.

Filosoofia kui süntees

Teadus paljastab inimkonnale üldise ja kunst erilise. Filosoofia on sild, mis ühendab üksteist teisega. Teadus on mõistuse tugisammas. Kunst on tunnete territoorium. Filosoofia, nagu kirjanikud naljatlevad, pole enam kunst, kuid mitte veel teadus. See on teaduse ja kunsti süntees, kuna selles on ühendatud kaks lähenemist - universaalne ja individuaalne, mis ühendab mõistuse ja tunded, objektivism ja teaduse abstraktsioon ning konkreetne kunsti subjektivism.

Filosoofia on võimeline mõistma ekstaasi teaduslikus mõttes, see vajab nii teadusliku ratsionalismi külmust, kunsti emotsionaalsust kui ka religiooni paljastusi. Ta suudab vastata küsimustele mitte ainult universaalse olendi kui terviku kohta, vaid ka inimese koha kohta selles. Mõistust, tunnet ja usku sünteesides toob filosoofia siiski esikohale mõistuse.

Kunstide süntees eelkoolis

Eelkooli jaoks õppeasutused(DOE) välja töötatud eriprogrammid mis aitavad arendada laste taju, mis põhinevad kunstide sünteesil. Siin suhtlevad kolm tüüpi tegevust: muusika, kujutav kunst ja ilukirjandus.

Kunsti sünteesis vastastikku rikastatud elemendid tugevdavad tunnetust ja avaldavad soodsat mõju lapse isiksuse harmoonilisele arengule. Kirjandus, maal ja muusika täidavad terviklikult vaimse olemuse, annavad uusi teadmisi, rikastavad sisemaailma, annavad uusi võimalusi.

Kirjandus, muusika ja maalikunst katavad lapse vaimset elu igakülgselt ja terviklikult ning nende koosmõju rikastab igaüht uute joonte ja võimalustega. Koolieelse õppeasutuse klassiruumis näeb plaan ette laste kunstilise tegevuse kaasamise töösse kõige rohkem. erinevat tüüpi: luule ja proosa lugemine, muusika kuulamine, videote vaatamine, joonistamine, tantsimine.

Integreeritud õppetunnid

Suund haridusprogramm DOW-st on saanud emotsionaalne sfäärõpilaste arusaamad. Rikkalik kunstikogemus annab lapsele hinnangu täpsuse, loogika, muudab tema loovuse väljendusrikkaks.

Lapsed said võimaluse õppida, et üks nähtus kajastub erinevates kunstiliikides. Muusikaliste muljete ring laieneb, rikastub leksikon, on idee kostüümidest ja maastikest, soengutest ja meigist ning erinevatest antiikesemetest.

Soulmuusika pidu

Arhitektuuri-, skulptuuri-, maalikunstiteosed aitavad kaasa kõne arengule ja on kasulikud muusikalise pildi tajumisel. Sellise töö jaoks on hea varuda tarbekunsti, rahvakäsitöö näidiseid, mille hulgas on järgmised: Gorodetsi maal, tikandid, mitmesugused vilditud käsitööd, Dymkovo mänguasi. Kunsti ja käsitöö õppimisega samal ajal loetav kirjandus peaks olema sobiv – folkloor või pastišš. Ja ennekõike peaks see töötama selle muusikapala tajumisel, mis on programmis hetkel kuulamiseks planeeritud. Selles kunstide sünteesis domineerib tavaliselt muusika.

Lastele tuleb tutvustada nii ooperit kui balletti. Esiteks on mõttekas näidata etteantud teemal kostüümide ja dekoratsioonide visandeid või programmmaali, tehes samal ajal süžeega tutvust. Siis langeb muusikaline tera esimesel kuulamisel või vaatamisel juba ettevalmistatud pinnasele. Laste tähelepanu ei segata muusikast ja see jääb prioriteediks.

Metropoliit Pitirim (Nechaev)

Vene õigeusu kiriku vaimulikus elus on erilisel kohal kirikulaul, mis äratab palvevaimu, juhendab ja tugevdab usku. Kirikulaul ja palve on lahutamatud. Vene kirik, järgides Kreeka liturgilist traditsiooni, ei kasutanud kirikus kunagi instrumentaalmuusikat. Seetõttu mõeldakse vene kirikumuusikast rääkides eranditult vokaalkunsti.

Vene lauljad ilmusid meie kirikutesse samal ajal kui vene vaimulikud. 11.-12. sajandist säilinud laulukäsikirjad annavad tunnistust sellest, et vene kirikulaulu kujunemisprotsess oli keeruline. Esimesi kreeka tähtedega salvestatud vene lugusid nimetati Znamennyks. Nende eripäraks on seos vene rahvusmuusikaga, vene folklooriga, eriti eepostega. Meloodiate rütmi muutus seoses kreeka tekstide tõlkimisega slaavi keelde andis laulule slaavi iseloomu. Vanavene laulu eripäraks on rahulikkus, enesesse sisseelamine ja rõhuasetuste ülekaal tekstis.

Seni ei ole iidse konksu tähise dekodeerimisega seotud küsimused täielikult lahendatud. Ta näitas hääle juhtimise suunda ja selle vorm oli vokaalide veniva hääldusega retsitatiiv, milles inimese kogemuste sisemine olek kandus kõrgest inspiratsioonist ja vaimsest rõõmust leinavate meeleparanduse motiivideni, kuid mitte kunagi. meeleheide. Isegi pattude pärast nutmine, mis toimib sisemise vaimse täiuslikkuse ühe kõrgeima astmena, on alati helge kurbus, kurbus, mis on täis lootust. Märkide üks nimetus - "nool", "kallis hurt", "kallis haak" - ei räägi niivõrd heli kõrgusest, vaid selle iseloomust.

16. ja 17. sajandi esimesel poolel laialt oli levinud demestvennõi laul (mis põhines vene rahvalauluga seotud motiividel ja liigutaval rütmil) ja reisilaul (keeruline znamenny). XVII sajandi teisel poolel. levisid uued laulud: bulgaaria, kiievi, kreeka, mida iseloomustab väljendunud tooniline stabiilsus, motiivide kokkuvõtlikkus ja rütmi lihtsus. Polüfooniline laulmine loodi rahvaliku mitmehäälsuse praktika põhjal. Rahvakooris hääleulatuse ja tämbri poolest pidusid pole. Meloodia jaotatakse kooriliikmete vahel vastavalt lauljate kogemusele ja nende hääle kõlalisusele. Vene vanausulistel on säilinud iidse kirikuvene laulu traditsioon.

XV - XVI sajandi vahetusel. Ukraina ja 17. sajandi keskel tutvusid Moskva laulumeistrid lääne noodikirja ja nn partese polüfooniaga, mille aluseks oli nelja hääle kasutamine kooris: sopran, alt, tenor ja bass. Vene parteilaulu ajaloos valmistas Poola parteess pinnase Itaalia parteilaulmiseks, mille silmapaistev esindaja oli D.S. Bortnjanski (1752-1825). Suur mõjuülempreester Pjotr ​​Turtšaninovi (1799 - 1870), G.F. Lvovski (1830 - 1894), P.I. Tšaikovski (1840 - 1893), S.V. Rahmaninov (1873 - 1943), A.D. Kastalski (1856 - 1926). Transkriptsiooni alal on saavutused A.D. Kastalsky ja S.V. Rahmaninov jääb ületamatuks. Kompositsiooni vallas hõivas silmapaistva koha A.A. Arhangelsky (1846 - 1941), kelle loomingut iseloomustab eriline emotsionaalsus ja sügav väljendusrikkus, A.T. Gretšaninov (1864 - 1956) ja M.I. Ippolitov-Ivanov (1859 - 1935), kes kasutas laialdaselt väljendunud rahvapärase iseloomuga meloodiaid. Nende polüfoonias - rahvaliku polüfoonia tunnused. P.G. teosed. Tšesnokov (1877 - 1944) eristub kooripartituuri värvirikkuse poolest, kõrgtehnoloogia kirju. Seega, kui XVIII sajandi alguses. meie heliloojad alustasid lääne kunsti jäljendamisega, seejärel 19. saj. neil õnnestus sulatada lääne traditsioon vene keelde, ehitades oma teosed vene rahvalaulude põhjal.

Huvi vanavene muusika vastu tärkas 19. sajandi lõpus. Selle esimene uurija oli ülempreester V. Metalov, kes kirjutas töö noodimärkide uurimisest.

Praegu valitseb meie kirikutes polüfoonia. Vanavene meloodia harjumus on meil juba kadunud, kuigi nüüd on huvi selle vastu taaselustatud. Kaasaegse kirikumuusika parimad näited jätkavad iidsete laulude traditsioone ja 19. sajandi heliloojate loomingut. Vana-Vene kirikumuusika traditsioonide taaselustamine on üks viise, kuidas hõlbustada usklike jumalateenistuste mõistmist. Lõppude lõpuks on muusika, nagu nad kunagi ütlesid, religiooni õde. See loob hinge sisemise harmoonia ja seetõttu seal, kus see on üles ehitatud autori tundepuhangutele, on väga raske häälestuda palvemeeleolule, kuid kui muusika on tähendusega kooskõlas, siis see tähelepanu ei sega, vaid aitab keskenduda palvele.

Vene rahvusliku muusikakunsti omapäraseim vorm on kellade helistamine. Kellad, mis kuulutavad jumalateenistuse algust ja kutsuvad üles, on õigeusu kiriku tarvis. Vene kroonikud mainivad kellasid 988. aasta all. 11. sajandi alguses. kellad olid Novgorodi Püha Sofia kirikutes, Kiievis Kümnise kirikus, Vladimiri, Polotski, Novgorodi-Severski kirikutes. Vene rahvas armus kirikukellade helinasse, milles kõlab üleskutse juhtida tähelepanu maisest edevusest ja hoolimisest. Tuleb märkida, et kellad on märk Lääne traditsioon; Bütsantsis kasutati selleks peksjaid. Esimest korda valasid venelased Kiievis kella 12. sajandi keskel, 14. sajandil. Moskvas õitses valukunst. Linna kirikutes oli vähemalt viis tuhat kella. Need kõlasid kümneid kilomeetreid, pidustuste ajal sulandus naaberkirikute kellade põrin võimsaks kooriks, kellade helin veeres lainetena ühest templist teise - see oli muusika kõigile.

Tavaliselt on templis mitu erineva suuruse ja helitugevusega kella: pidulik, pühapäevane, polüeleos, tavaline (või igapäevane), viies (või väike). Igal helisemisel on oma eesmärk – kurb, matus või rõõmu kuulutamine, pidu, võit, ohust pääsemine. Iidsetest aegadest on Venemaal tuntud kahte tüüpi helinat: blagovest (kuulutab head sõnumit), kui lüüakse ühte või mitut kella, kuid mitte korraga, ja helin ise. Alternatiivset harmoonilist kellade loetlemist nimetatakse kellamänguks. Mitme kella helistamist kolmes etapis nimetatakse trihelinaks või trezvoniks. Kuulsad Rostovi kellad on tuntud kogu Venemaal. Möödunud sajandi keskel tegi Iisraeli ülempreester Aristarchos noodikirja C-duur kõlavatest kelladest. Kirikukellad on Venemaa ajaloo tunnistajad. Praegu taaselustatakse kellamängu kunsti.

Bibliograafia

1. Metallov V. Essee kirikulaulu ajaloost Venemaal. Trinity-Sergius Lavra, 1995.

2. Olga (Volodina), pr. Bütsantsi muusikakultuur. M., 1998

Sarnased kokkuvõtted:

TŠESNOKOV, PAVEL GRIGORJEVITŠ (1877-1944), vene helilooja, kooridirigent, laialdaselt kõlanud vaimulike teoste autor. Sündis Moskva kubermangu Voskresenski (praegu Istra) Zvenigorodi rajooni lähedal 12. (24.) oktoobril 1877. aastal maavalitseja peres. Kõik pere lapsed näitasid muusikalist oodi...

Moskvast on saamas mitte ainult poliitilise ühtsuse keskus, vaid ka kultuurikeskus. See neelab konkreetsete vürstiriikide, vabade linnade kultuurisaavutused, mis said Moskva osaks.

Juhtivate laulukoolide – Moskva ja Peterburi – kujunemine ja areng. Kloostrilaulud. Mitteliturgilised vaimulikud laulud. Vaimne salm. Psalm.

Vana-Vene laulusüsteemi kujunemise põhimõtted erinevad põhimõtteliselt mitte ainult Lääne-Euroopa muusikasüsteemi kujunemise põhimõtetest, vaid ka 18.-20. sajandi vene liturgilise laulusüsteemi kujunemise põhimõtetest.

Kaks tema vokaal- ja orkestriteost, "Kevade" ja "Kellad", on tihedalt seotud Rahmaninovi sümfoonia valdkonnaga. Neist esimese on helilooja nimetanud kantaadiks.

Kogu Venemaal olid kuulsad Rostovi Suure kellamängud. Selle peamise Taevaminemise katedraali kellad on säilinud tänapäevani koos Rostovi kellatorniga. Rostovi kellad valati 17. sajandil. kindla plaani järgi.

Õigeusu Vene kirik, nagu ka Kreeka kirik, lubas aegade algusest jumalateenistuseks ainult vokaalmuusikat - laulmist. Meie kirikulaulu algus, peamiselt meloodiline, samaaegselt kristluse algusega Venemaal.

Vene maa täitus templitega, mille kellatornidest oli kuulda imelisi kellahelinaid. Kellad olid Vene maa peamine kaunistus, mis on loodud inimkätega.

Vaatamata asjaolule, et Paul I keelas 1797. aastal jumalateenistuse ajal kontsertide esitamise, jätkati seda; esitati isegi ooperiaariate või kooride seadeid oratooriumist kuni sakraaltekstideni.

Liturgilise laulu rahvusest. Liturgilise laulu ingellikust olemusest. Liturgilise laulu ja ikoonide võrdlusest. Laulu ilust Konstantinoopoli Püha Sofia kirikus.

Kogu aastarepertuaar vanausuliste kirikutes taasesitatakse mitmel viisil. Peamine sticheeride arv lauldakse häälega (st omahäälne, sarnane, vastavalt Menaia ja harta juhistele).

Iseloomulik. Kirik ja vaimulik muusika

Definitsiooni järgi saab kristliku jumalateenistusega kaasnevat muusikat selliseks nimetada vaid tinglikult, vähemalt mitte absoluutse muusika tähenduses, mille kontseptsioon kujunes välja hilisrenessansi ja baroki ajal ning domineerib (ilmalikus ühiskonnas) tänaseni. Kuna jumalateenistusel on määravaks teguriks palve, on kirikumuusika (koos muude liturgiliste vahenditega, nagu nõud ja riided) oma olemuselt rituaalne ja palvetekstide esitamise vorm. Eri aegadel ja erinevates kristlikes traditsioonides väljus jumalateenistuse muusikaline saate rituaali piirest, kaotas oma abistava iseloomu, omandas autori- ja kontsertloovuse staatuse. Sedalaadi artefakte nimetatakse tinglikult "kirikuks", kuid sisuliselt on need näited vaimulikust muusikast.

Lugu

Kirikumuusika iidseim žanr on psalm, mille algkristlased laenasid juutidelt: Taaveti psalmide laulmine Iisraelis kuulus templirituaali juurde. Kreeka ja ladina keelde tõlgituna moodustasid psalmid kiriku jumalateenistuse aluse. Neid esitati üheskoos, nagu juutide seas kombeks, kuid ilma instrumentaalse saateta. Bütsantsis töötati välja spetsiaalne (psalmodiline) psalmide esitamise viis, võib-olla ka juutidelt laenatud - aeglane retsiteerimine, mis ei võimalda emotsioone väljendada. Koos psalmide tekstidega pärandas selle esituslaadi ka liturgia.

Paavst Gregorius I

IN Lääne-Euroopa VIII-IX sajandil kujunes välja liturgilise laulu stiil, mida paavst Gregorius I auks nimetati "gregooriuse", kuna traditsioon omistas talle enamiku Rooma liturgia laulude autorluse. Monofooniline gregooriuse laul (või gregooriuse laul) nägi ette erinevad, kuid rangelt määratletud laulu astmed liturgia erinevate osade jaoks - alates retsiteerimisest kuni meloodiliselt arenenud ja meloodiliste konstruktsioonideni. Samas jäi üldjoontes esitusviis rangeks, vaoshoituks, sujuvate üleminekute, järkjärguliste tõusude ja laskumistega. Laul allus rangelt tekstile, mis määras selle rütmi; samal ajal olid kirikukooris erakordsed meeshääled. Gregoriuse laulus eristatakse kahte tüüpi esitust: antifooniline – kahe koori vaheldumine ja responsoriaalne – solisti laul vaheldub koori väikeste koopiatega.

Nii roomakatoliku kui ka õigeusu jumalateenistus põhines piiblitekstidel; järk-järgult lisandus neile spetsiaalselt komponeeritud uusi osi, kuid nende tekstide autorite nimed on meile enamasti teadmata: kas ajalugu pole neid säilitanud või vaieldakse autorsuse üle (nagu näiteks paavst Gregorius I). Ka muusikaline saade, mis kujunes välja valiku, töötlemise ja ühendamise käigus, oli algusest peale anonüümne. Gregoriuse laul arenes ja muutus keerukamaks koos liturgia tekstiga ning juba 9. sajandil moodustusid selle põhjal kirikupolüfoonia varajased vormid - 2-häälne organum. Oma edasises arengus asendas polüfoonia gregooriuse laulu.

õigeusu kirik ei võtnud vastu "orelisuminat"; siin oli ainsaks instrumendiks ikkagi inimhääl. Katoliku kirikus jäi orel sajandeid ainsaks lubatud instrumendiks, keelpillid ilmusid palju hiljem ja juba 17. sajandil, barokiajastul, jõudis kirikukasutusesse puhtpillideos keelpillidele - sonata da chiesa (kirikusonaat) , omamoodi triosonaat .

Muusika katoliku jumalateenistusel

Alates 10. sajandist hakkasid troobid tungima monodaarsetesse koraalidesse - hümnograafiliste (st vabalt koostatud) tekstide ja jadade vahepaladesse. 16. sajandi keskel toimunud Trento kirikukogu tegi sellele lõpu, keelustades rajad ja kõik peale nelja järjestuse: Victimae paschali (paasaohver), Veni Sancte Spiritus (Tule, Püha Vaim), Lauda Sion (Kiitus, Siion) ja Dies irae (Vihapäev) Tommaso da Celano, millest on saanud kanoonilise matusemissa (reekviem) põhiosa. Hiljem kuulutati pühakuks ka frantsiskaanlase Jacopone da Todi Stabat Mater.

Sellegipoolest ei suutnud kirik end maailmast isoleerida – 16.-17. sajandi vahetusel olid suurimates katedraalides juba oma pillikapellid (mis võisid esineda ka väljaspool kirikut), mis kajastus ka traditsioonilise kiriku arengus. kirikumuusika žanrid.

Motett

13. sajandil Prantsusmaal sündinud motett ei ole puhtalt kiriklik žanr: algusest peale koostati motete ka ilmalikele tekstidele, kasutades ilmalikke meloodiaid cantus firmusena. Kuid selle koorimuusika žanri keerukus, kus üks meloodia oli polüfooniliselt kombineeritud ühe, kahe või isegi kolme muuga ja samal ajal laulis iga hääl oma teksti, muutis teksti tajumise keeruliseks. Selle tulemusena muutus motett väljaspool kirikut omamoodi "õpitud" muusikaks, mille kallal heliloojad oma oskusi lihvisid ja demonstreerisid. Kirikus muutus motett järk-järgult lihtsamaks - 15.-16. sajandil kirjutasid Josquin Despres, Orlando Lasso, Giovanni Gabrieli ja Palestrina juba ühetekstilisi motete, rangelt vokaalseid, ilma instrumentaalse saateta, katoliku kiriku poolt ametlikult heaks kiidetud kooriloomingut.

Mass

Giovanni Pierluigi da Palestrina

Varaseimad meile teadaolevad autorimissad pärinevad 14. sajandi keskpaigast ja kuuluvad prantslasele Guillaume de Machaux’le – polüfoonilised koorikompositsioonid (täpsemalt tavapäraste töötlused) "Notre Dame'i missa" ja "Tournaisi missa" . Johannes Okegemi Mi-Mi-missat peetakse 15. sajandi Hollandi koolkonna silmapaistvaks näiteks; talle kuulub ka meieni jõudnud reekviemidest varaseimad.

Missa gregooriuse laulude polüfoonilised töötlused loodi 15.-16. sajandi vahetusel Saksamaal, keiser Maximilian I kabelis, peamiselt Henrik Isaki ja tema õpilase Ludwig Senfli poolt.

Renessansiajal arenes katoliku missa esitamine koorist järk-järgult ainult a cappella koori ja oreli vaheldumiseni alternatum viisil (kui iga salm laulab kõigepealt koor, seejärel kordub orel) ja lõpuks juba 17. sajandil ja kusagil varem - koorile keelpillide saatel. Kooripartiid võiksid asendada sonaadid erinevatele pillide kompositsioonidele teatud jumalateenistuse osades. Nii oli õhtusel jumalateenistusel ettekandele mõeldud Claudio Monteverdi kuulus Sonata sopra Sancta Maria.

16. sajandi keskpaigaks levinud keeruline polüfooniline laulmine ja sooloorelimuusika jumalateenistuse ajal kutsus aga esile kiriku juhtkonna reaktsiooni: seesama Tridenti kirikukogu otsustas gregooriuse koorirepertuaari hilisematest kihtidest puhastada ja nõudis rohkem. tähelepanu heliloojate sõnale. Asjatundjad peavad rangeid koorikompositsioone a cappella läbipaistva polüfooniaga kirjutanud Palestrina loomingut "tridentijärgse" katoliku kultuuri eeskujuks.

vaimulik kontsert

Samal ajal sündis 16. sajandi keskel Veneetsias kirikumuusikas uus suund - kontsertmuusika, mis kujutas endast kahe või enama vastandliku koori "võistlust". Selle suundumuse päritolu on seotud Adrian Willarti nimega, kes kirjutas psalmide ja piiblilaulude (eriti Magnificats) polüfoonilisi seadeid. Hiljem ilmusid C. de Pope'i, C. Merulo, Andrea ja Giovanni Gabrieli mitmekoorilised motetid rikkaliku instrumentaalse saatega. 16. sajandi lõpust kuni 18. sajandi keskpaigani katoliku kirik toimus võitlus traditsioonilise "rooma" koolkonna vahel (eelkõige jätkasid selles stiilis tööd Alessandro Scarlatti ja osaliselt F. Durante) - ja uue suuna, stile moderno (ars nova, seconda prattica) vahel, püüdes tugevdada instrumentaali. algusest ühelt poolt ja tekkiva ooperikunsti mõjul (selle suuna üks varasemaid esindajaid oli Claudio Monteverdi) ja teiselt poolt vokaali komplikatsioonini. Selle suuna esindajad hõlmasid missasse puhtalt instrumentaalseid, sageli ilmaliku päritoluga kompositsioone oreli- või keelpilliansamblitele, tutvustasid sooloarioos-retsitatiivset laulu jne, ehk kaugeneti korralikust kirikumuusikast aina kaugemale. Ja selles võitluses pidi traditsiooniline suund lõpuks järele andma.

Muusika protestantlikul jumalateenistusel

Protestantliku kiriku oluliselt suurem avatus maailmale võrreldes katoliku omaga ja vähem range suhtumine kirikuelu rituaalsesse külge peegeldus ka tema muusikakultuuris; kogu aeg ühel või teisel viisil eksisteerinud kiriku ja ilmaliku kultuuri läbisaamine ja vastastikune mõju avaldub protestantismis palju enam; lõpuks, kirik ise, keeldudes põhimõtteliselt vastandama vaimset ja argist, mitte ainult ei pidanud jumalateenistusi, vaid korraldas koguduseliikmetele ka kontserte, mis läksid katoliku kiriku praktikasse alles paar sajandit hiljem. Nendel kontsertidel esitatava muusika "jumalalikkus" ei kohustanud seda olema puhtalt kiriklik.

Johann Sebastian Bach – Tooma kiriku kantor

Koos ladina keelega loobus protestantlik kirik ka paljudest katoliku kiriku riitustest ja vastavalt nendega seotud kirikumuusika žanritest. Seevastu nii Martin Luther ise kui ka tema järgijad lõid oma laule kiriku kasutamiseks – oma emakeeles.

Luterlased Saksamaal ja hiljem puritaanid Inglismaal tõrjusid oreli kasutamisest paavstliku kiriku atribuudina; pealegi viis Saksamaal Kolmekümneaastane sõda riigi vaesumise ja muusikakultuuri allakäigu; Missa viidi läbi eranditult a cappella. Kuid 17. sajandi teisel poolel jõudis orel tagasi luteri kirikusse ja sellest ajast peale on see katoliku omaga võrreldes palju rohkem tähelepanu pööranud muusikale endale, andes rohkem õigusi saatepillidele, eelkõige orelile. . Missa või koraali orelisaade eest vastutas organist või kantor, kes võis nii ise muusikat kirjutada kui ka kasutada teiste, sealhulgas õukonnahelilooja Michael Praetoriuse loomingut.

Protestantlik missa

Katoliku ordinaariumide kuuest osast on protestantlik kirik säilitanud vaid kaks esimest osa – Kyrie eleison (Issand, halasta) ja Gloria (Auhiilgus). Samas ei piirdunud oreli funktsioon vaid koori lihtsa saatega: oreliprelüüdid eelnesid ja lõpetasid jumalateenistuse; Jumalateenistusel sai esitada ka prelüüde, aga ka fantaasiaid, ricercari, toccatas - midagi, mille vastu roomakatoliku kirik võitles, arenes protestantlikus kirikus vabalt edasi.

Protestantlik laul

Katoliku missa lühendanud Martin Luther tõi jumalateenistusse nn "saksa missa"; oma teoses "Deutsche Messe" (1526) soovitas ta isegi väikelinnadel piirduda "saksa missaga", mis koosnes eranditult saksa lauludest, mida hiljem hakati kutsuma protestantlikuks lauluks.

Jumalateenistuse selles osas pidi kogukond Lutheri plaani kohaselt kooris laulma religioosseid laule ja hümne; vastavalt ja tekstide muusikaline saate, mis mõnel juhul olid originaalloomingud, mõnel juhul tõlgitud saksa keel katoliku jumalateenistuse tekstid peaksid olema lihtsad, mitteprofessionaalsetele esitajatele kättesaadavad – see ajendas protestantlikku kirikut pöörduma tagasi monofoonilise gregooriuse laulu traditsioonide juurde.

Protestantlik laul ühendas mitmeid traditsioone: lisaks gregooriuse laulule ka saksa vaimuliku laulu vanade vormide traditsioonid Leise (kasvasid Kyrie eleisoni hüüdlausetest) ja Rufe (kus laulu lühikesed stroofid vahelduvad refrääni laiendatud stroofidega ), samuti 15. sajandi laule minnesingeride ja varajaste Meistersingeride stiilis. Nagu missaski, oli siingi oluline roll orelil: sellele jumalateenistuse osale eelnes eelmäng kooriteemadele ja selle käigus sai esitada erinevaid näidendeid, sageli improvisatsioonilisi ja erinevalt koraalist endast polüfoonilisi.

Kui rääkida protestantlikust jumalateenistusest, siis ei ole alati lihtne öelda, mis on siin õigupoolest kirikumuusika ja mis on selle avatuse tõttu kirikusse vastuvõetud muusika: kirikus ei esinenud žanre toccata, ricercar, prelüüd ja sündisid fantaasiad ja neid esitati mitte ainult jumalateenistuste ajal, vaid ka kontsertidel; ja isegi "saksa missa" lauludeks valis Luther sageli tol ajal populaarsete ilmalike laulude meloodiaid. Nii või teisiti kirjutasid luteri kiriku igapäevaelule muusikat 17.–18. sajandi suurimad saksa heliloojad Michael Praetoriusest ja Heinrich Schutzist J. S. Bachini.

Anglikaani kirikus esitati pärast eraldumist Roomast 1534. aastal missa pikka aega vastavalt ladina keeles, edasi arenesid traditsioonilised žanrid - missa ja motett; paljud teosed nendes žanrites on loonud William Byrd. Kuid juba 16. sajandi 30. aastatel tõlkisid T. Sternhold ja J. Hopkins psalmid inglise keelde ning komponeerisid neile koos teiste heliloojatega uusi meloodiaid. 16.-17. sajandi vahetusel loodi ka psalmide polüfoonilisi seadeid. Inglismaal ilmus ka originaalne kirikumuusika žanr - hümn, laul, kus soolopartiid vahelduvad kooriosadega, mida esitati oreli või keelpillide saatel. Selle žanri kompositsioone jätsid Thomas Morley, William Byrd, O. Gibbons, Henry Purcell, G. F. Handel.

Täielikult väljakujunenud õigeusu jumalateenistusel kaasnes laulmine kõigi selle osadega - liturgia (missa), vesper ja matin (suurte pühade eelõhtul - kogu öö kestev valve) jne, ristimisriitused, pulmad, matmised jne. riitustena - palved, mälestusteenistused jne. Isegi Bütsantsis kujunesid erinevate žanrite ja jumalateenistuse osade jaoks välja erinevad laulumaneerid - laulud.

laulud

Lihtsaim esitusviis oli psalmoodia – laulmine (liturgiline retsitatiiv); psalmoodia oli mõeldud evangeeliumi, apostli ja prohvetikuulutuste lugemiseks.

Kõige raskem oli kondakari laulmine- lai laul, kaunistatud meloodiliste vahetükkidega. Bütsantsis kasutati seda jumalateenistuse kõige pidulikumate laulude jaoks - kontakia (märkimisväärne hümnide poolest, milles solisti esitatavad stroobid olid segatud koorirefräänidega) ja kinoniki. Seda virtuoosset laulmist viljeleti ka Kiievi-Venemaal - kinonikide, psalmide salmide ja neile mõeldud refräänide esitamiseks. Kuid lõpuks sai selle kadumise põhjuseks kondakarilaulu keerukus – juba 14. sajandiks.

Kondakari laulu peetakse mõnikord omamoodi znamenny-lauluks, mis domineeris vene õigeusu jumalateenistuses 11.–17. sajandil. Sõltuvalt laulu olemusest ja selle kohast teenistuses kasutati kolme laulutüüpi: väike znamenny, mida eristab meloodia lihtsus, ehitatud muusikaliinide vaheldumisele, 2-4 kuni 9 või enam. Jumalateenistusel oli kesksel kohal znamenny ehk sammas, mis koosnes lauludest; laulus kombineeriti erinevaid viise, moodustades ühtse meloodiaarengu rea. Laulude valik ja nende järjestus määrasid laulu individuaalse vormi. Suur znamenny-laul eristus meloodia rikkalikkuse ja arengu poolest ning seda kasutati tavaliselt pidulike stitšerite esituses.

Kõik need laulud olid monofoonilised; 17. sajandi keskel lisandusid neile uued monofoonilised laulud - kiievi, bulgaaria ja kreeka keel. Kuid juba 16. sajandil sündisid Venemaal polüfoonilise laulu varajased vormid ja 17. sajandil levis nn partesnoe polüfoonia, mis tõrjus peagi välja znamenny-laulu.

Keeruline parteilaulmine, mille häälte arv oli tavaliselt 3–12, kuid võis ulatuda 48-ni, aitas kaasa mitte ainult kirikumuusikakultuuri, vaid ka ilmaliku kultuuri edasisele arengule. Ilmusid Znamenny laulu mitmehäälsed töötlused ja seejärel uus žanr - partes concerto a cappella.

Vene vaimulik kontsert

Vaimne kontsert, mis kujutas endast kahe või enama vastandkoori “võistlust”, tuli läänest, otse katoliiklikust Poolast, 17. sajandi 30. aastatel Ukrainasse, pool sajandit hiljem Venemaale ja juba 17. sajandi traditsioonides. Vene parteilaulmine on välja töötatud mitmete heliloojate poolt. Esiteks on see Vassili Titov, arvukate kontsertide ja jumalateenistuste autor; säilinud on ka Fjodor Redrikovi, Nikolai Bavõkini, Nikolai Kalašnikovi kontserdid.

Erinevalt Lääne-Euroopa omast ei olnud vene vaimulikul kontserdil jumalateenistuse traditsioonide kohaselt instrumentaalsaade. Selle žanri kompositsioonide klassikalisi näiteid 18. sajandi teisel poolel lõid Maksim Berezovski ja Dmitri Bortnjanski: see on kontrastsete esitusmeetoditega mastaapne kooriteos, milles on võrreldud 3 või 4 erinevat osa.

Märkmed

Lingid

• // Brockhausi ja Efroni entsüklopeediline sõnaraamat: 86 köites (82 köidet ja 4 lisa). - Peterburi. , 1890-1907.

kristlik muusika
Juured ja algused	Chorale Anthem Spirituals Sacred Harp Shape noot Jeesuse muusika
Žanrid ja alamžanrid	Kaasaegne kristlik muusika Kaasaegne liturgiline muusika evangeelium
Fusion žanrid	Christian Rock Christian Hardcore Christian Metal Southern Gospel Traditsiooniline Must Gospel Kristlik Alternatiivne Rock Kristlik Punk Christian Ska Kristlik Kantri Progressiivne Lõuna Gospel Kristlik Hip Hop Gospel Blues Urban Kaasaegne Gospel
Laulmine