Kyrkomusik. Musik i ortodoxa kyrkor Musikkonst i kyrkan

andlig musik, andlig musik lyssna
Andlig musik- musikaliska verk relaterade till texter av religiös karaktär, avsedda att framföras under gudstjänster eller i vardagslivet. Sakral musik i snäv mening betyder kristnas kyrkomusik; i vid bemärkelse är helig musik inte begränsad till åtföljande gudstjänst och är inte begränsad till kristendomen. Den heliga musikens texter kan antingen vara kanoniska (till exempel den katolska mässan) eller fria, skrivna på basis av eller under inflytande av heliga böcker (för kristna - Bibeln). Johann Sebastian Bach är en av de mest kända kompositörerna som skrev helig musik

I det följande kommer vi att prata om helig musik i vid bemärkelse. För sakral musik, förstås som en synonym för liturgisk musik (för kristna, kyrkomusik), se relevanta artiklar.

1 Genrer av helig musik
2 Kristen helig musik
- 2.1 Genrer av kristen helig musik
- 2.2 Mest kända verk
- 2.3 Ortodox sakral musik
  - 2.3.1 Helnattsvaka
  - 2.3.2 Rysk andlig konsert
- 2.4 Andligt
3 Judisk helig musik
4 Islamisk helig musik
5 Anteckningar
6 länkar

Genrer av helig musik

Paraliturgisk musik (lauda, uppförande, noel, carol, helig vers, etc.)
Liturgiskt drama
Orgelmusik
Musik för andra musikinstrument
Musik för orkester och solister
Musik för orkester, solister och orgel,
Musik för kör, orkester, solister och orgel
Kör (a cappella)
Kör med instrumentellt ackompanjemang
Solo (a cappella)
Solo med instrumentalt ackompanjemang
Bönig och meditativ musik

Kristen sakral musik

Genrer av kristen helig musik

De vanligaste genrerna av kristen helig musik, katolsk och protestantisk, är lånad från kyrkomusiken; dessa är koral, psalm, psalm (inklusive Te Deum, Ave Maria), mässa (inklusive begravning - Requiem), sekvens och passioner (passioner).

Heinrich Schutz

Var och en av de uppräknade genrerna har sin egen historia, men gemensamt för alla är att de föddes (eller formaliserades) i kyrkan och rätten att komponera verk av andlig karaktär - inte bara texter, utan även deras musikaliska arrangemang - initialt tillhörde uteslutande kyrkliga ministrar (till exempel tillskrevs författarskapet av de flesta av sångerna i den romerska liturgin av medeltida tradition till påven Gregorius I). Som ett resultat av urval, bearbetning och enande bildades kanoner. Det fanns också fria former, i synnerhet sekvensen, som blev utbredd under renässansen; några sekvenser helgonförklarades senare - till exempel Dies Irae, komponerad av franciskanermunken Tommaso da Celano och som blev huvuddelen av det katolska rekviem, eller tillhörande en annan franciskaner, Jacopone da Todi, Stabat Mater.

Rätten att musikalisera kanoniska texter tillerkändes med tiden även sekulära tonsättare. Efter reformationen blev andliga kompositioner av icke-kanoniska texter - koraler, psalmer (inklusive de som komponerades av Martin Luther), och senare passionen - utbredd.

Det religiösa oratoriet som dök upp på 1600-talet går också historiskt tillbaka till passionen; eftersom oratoriet är en friare form, från början inte förknippat med tillbedjan, kunde oratoriet baseras både på händelserna under Stilla veckan (till exempel "Kristi sju ord på korset" av Heinrich Schütz och "Frälsarens sju ord på korset" Cross" av Joseph Haydn) och om andra kapitel i evangeliet ("A Christmas Carol" (Weihnachtshistorie) av Schutz, "Messiah" av Handel, "Christmas Oratorio" av J. S. Bach, "The Childhood of Christ" av Hector Berlioz), samt om ämnen från Gamla testamentet, såsom Händels oratorier "Saul", "Israel" i Egypten", "Samson" och "Judas Maccabee".

Sedan renässansen har den sekulära kulturen haft ett betydande inflytande på traditionella kyrkoformer: utvecklingen av symfoniska genrer, å ena sidan, och italiensk opera, å andra sidan, förändrade både passionerna och mässorna (särskilt begravningsmässorna) och andra, inte så stora former, som i sin tur utvecklades mot symfonisering, konsertframförande och "operation". Framförandet av heliga verk övergick gradvis till konsertpraktik, och redan på 1700-talet, och någonstans tidigare, skapades många verk speciellt för framförande i en konsertsal eller för hovbruk, och beställdes för ett specifikt tillfälle, såsom kröningsmässor och rekviem.

Under hela historien kristen kyrka Tillsammans med kyrkomusiken fanns också så kallad paraliturgisk sakral musik: verk av religiös karaktär som inte motsvarade kyrkliga kanoner. Sånger som inte fick tillämpning i gudstjänsten (och i andra fall uppenbarligen inte var avsedda för det), både anonyma och original - spansk-portugisiska cantigas, franska noels och dirigeringar etc. - användes flitigt i vardagen; Sekvenserna som förkastades av rådet i Trent (på 1500-talet) påverkade utvecklingen av folkliga andliga sånger - tyska Rufe och Leise, engelska carol, italienska lauda, och de påverkade i sin tur utvecklingen av helig musik av större former .

De mest kända verken

Georg Friedrich Händel

Psalmer- musikaliska verk i småform baserade på Psaltarens text. Den äldsta genren, eftersom sånger och böner baserade på Davids vers komponerades i Judeen redan under förkristen tid. På 1500-talet blev psalmer utbredda inom professionell icke-kultmusik, särskilt "De profundis" (latin: Från djupet) - på texten till den 129:e Psalmen, som både till en början bland judar och senare bland katoliker ofta användes som en begravningsbön; kända är i synnerhet "De profundis" av J. D. Zelenka och K. V. Gluck.

Tydligen tillhör den tidigaste bearbetningen som har nått oss Josquin Despres. Psalmer baserade på latinska och icke-latinska texter, original eller reviderade, skrevs av G. Schütz (“Davids Psalmer”), J. S. Bach, Handel; på 1800-talet tilltalades de av Schubert, Mendelssohn och Brahms. Kompositörer från 1900-talet skrev också psalmer: Max Reger, Arnold Schoenberg, Krzysztof Penderecki och i Ryssland - Sofia Gubaidulina och Oleg Yanchenko. Ett av de mest kända verken är Psalmsymfonin av I. F. Stravinsky.

Massor- cykliska vokala eller vokal-instrumentala verk, som representerar en samling av delar av den katolska liturgin. Den protestantiska kyrkan antog korta mässor, som endast bestod av de två första delarna av den katolska ordinarie - Kyrie eleison och Gloria.

Den första originalmässan baserad på den fullständiga texten av Ordinary skrevs i mitten av 1300-talet av Guillaume de Machaut - den fyrstämmiga Messe de Notre Dame; de tidigaste av dem som har kommit till oss tillhör renässansens kompositörer: Dufay, Okegem, Josquin Despres, Palestrina. På 1700-talet och i början av 1800-talet var det sällsynt att en tonsättare inte skrev någon mässa; under samma period skedde en gradvis separation av mässan som genre från själva gudstjänsten; Massorna av Bach (främst h-moll), Mozart, Schubert och Beethovens högtidliga mässa blev fast etablerade i konsertpraktiken. Under hela 1800-talet avtog intresset för genren gradvis, och under 1900-talet vände sig tonsättare sällan till mässan; kan kallas I. F. Stravinskys mässa om den katolska liturgins kanoniska texter, i 5 delar (1948), L. Bernsteins mässa. Under 1900-talet fortsatte de att skriva kantater för enskilda delar av mässan (till exempel Gloria av F. Poulenc).

Det finns också orgelmässor där alla körstämmor ersätts med orgelkompositioner (se även Verset); verk av denna genre innehåller inte text av religiös karaktär, men i de fall där kompositören strävar efter att musikserien ska vara adekvat med det underförstådda verbala, klassificeras även orgelmässor som helig musik. Det gäller i första hand ”Tyska orgelmässan” av J.S. Bach.

Franz Schubert

Requiem- ursprungligen katolska begravningsmässor. Det första verket av denna genre, skrivet på en kanonisk latinsk text, anses vara Dufays Requiem, som inte har nått oss; den första som överlevt, en a capella-komposition i polyfonisk stil, är av Johannes Ockeghem (1400-talet). Men redan under andra hälften av 1700-talet skrevs rekviem ofta inte för kyrkan, vilket senare gjorde det möjligt att komponera rekviem utifrån icke-kanoniska texter eller med delvis användning av den kanoniska texten.

För närvarande är de mest framförda Requiems skrivna i den kanoniska latinska texten av W.A.Mozart och D. Verdi. Konsertrepertoaren har också bestämt inkluderat de kanoniska rekviem av L. Cherubini (i c-moll), G. Berlioz, G. Fauré (på en stympad text) och det icke-kanoniska tyska rekviem av J. Brahms och War Requiem of B Britten, där traditionell latinsk text kombineras med poesi engelska poeten Wilfred Owen. Nyligen J. D. Zelenkas och G. Bibers rekviem vinner erkännande.

Passioner- vokala och dramatiska verk tillägnade händelserna under Stilla veckan, initialt baserade på evangelietexter; Men från början av 1700-talet använde verk av denna genre alltmer texter skrivna baserade på evangelierna av kända poeter, inklusive operalibrettister.

Själva konceptet förknippas främst med de berömda passionerna enligt Matteus och Johannes av J. S. Bach. På senare tid har Vår Herre Jesu Kristi passion av Antonio Salieri ofta hörts på konsertscenen. De tidigaste kända passionerna tillhör Jacob Obrecht (förmodligen, eftersom hans författarskap är omtvistat) och Orlando Lasso (XV-XVI århundraden).

Passion-genren var mycket populär fram till mitten av 1700-talet; redan under andra hälften av seklet vände sig tonsättare till den allt mindre, sedan glömdes den bort länge, och först på 1900-talet uppstod intresset för antiken musik bidrar till återupplivandet av vissa genrer, inklusive passioner; Hugo Distlers "Choral Passion", baserad på alla fyra evangelierna, och K. Pendereckis "Luke Passion" (1966) blev kända. Till 250-årsdagen av J. S. Bachs död beställdes "Passionen" enligt de fyra evangelierna - Lukas, Markus, Matteus och Johannes - av fyra tonsättare från olika länder, skapade Sofia Gubaidulina "The St. John Passion", O. Golikhov "The St. Mark Passion".

Stabat Mater- Katolsk sång (sekvens) på den latinska texten av Jacopone da Todi.

Bland de tidigaste kända är verk av Josquin Despres, Palestrina och Orlando Lasso; de mest framförda i vår tid är Gioachino Rossinis Stabat Mater, med utmärkta sångpartier och i allmänhet motsvarande kompositörens teaterstil, och den mer asketiska Stabat Mater av Giovanni Pergolesi. Kända är också verk av Vivaldi, Haydn, Mozart, Schubert, Verdi (cykeln "Fyra heliga stycken"); A. N. Serov har också Stabat Mater. På 1900-talet vände sig Karol Szymanowski, Francis Poulenc, Zoltan Kodaly, Krzysztof Penderecki och Arvo Pärt till Stabat Mater.

Krzysztof Penderecki

Te Deum- en katolsk tacksägelsehymn med en text skriven i imitation av psalmerna; ursprungligen utfördes som en del av den kristna gudstjänsten. Det första bevarade exemplet på ett tvåstämmigt Te Deum går tillbaka till slutet av 800-talet.

Efter att ha separerat sig från kultritualer hördes hymnen från 1700-talet oftare under domstolsfiranden, inklusive kröning; Händel, Haydn, Salieri och Mozart skrev sina hymner för dem. På 1800-talet blev Te Deum ett verk av konsertkaraktär, skrivet för stora utövande ensembler - solister och kör, ackompanjerat av en orkester eller orgel; sådana är psalmerna av Berlioz, Liszt, Verdi, Bruckner och Dvorak.

I rysk-ortodox tillbedjan är analogen till det katolska Te Deum sången "Vi prisar Gud till dig" (dess text är en kyrkoslavisk översättning av den latinska texten Te Deum); verken av A. L. Vedel, S. I. Davydov, N. A. Rimsky-Korsakov, A. A. Arkhangelsky är kända.

Ave Maria- Katolsk bön riktad till Jungfru Maria. Den mest kända tillhör Franz Schubert (ursprungligen skriven på en icke-kanonisk text); De ofta framförda inkluderar även Ave Maria av C. Gounod (komponerad som en melodi för att ackompanjera 1:a Preludeet av J. S. Bachs vältempererade klaver och ursprungligen också skriven till en icke-kanonisk text), Ave Maria tillskriven Giulio Caccini (faktiskt, detta är en populär komposition - en bluff från Leningrad-lutenisten Vladimir Vavilov). Den tidigaste som har kommit till oss tillhör Josquin Despres; Också kända är psalmerna av Jacob Arkadelt, Palestrina, Cherubini, Gounod (skapade på grundval av förspelet av J. S. Bach), Mendelssohn, Verdi (cykeln "Fyra heliga stycken"), Liszt, Bruckner, Dvorak, Francesco Tosti.. Till den kanoniska texten i hymnen Samtida tonsättare, inklusive Alemdar Karamanov, Ennio Morricone och Igor Luchenok, gäller också gärna.

Ortodox helig musik

Hela natten vaka

Huvudartikel: Hela natten vaka

Från och med 1700-talet skapade ryska tonsättare verk av konsertkaraktär baserade på texterna från All-Night Vigil - "All-Night Vigils", som kunde framföras utanför gudstjänsten; "All-Night Vigils" av A. L. Vedel och S. A. Degtyarev är kända. Från 1800-talets andra hälft tog ”vesper” ofta formen av originalkörverk eller snarare fria bearbetningar av gamla sånger; sådana verk skapades i synnerhet av A. A. Arkhangelsky, A. T. Grechaninov, P. G. Chesnokov. De bästa exemplen på genren anses vara "All-Night Vigils" av P.I. Tjajkovskij och Sergej Rachmaninov.

Rysk andlig konsert

Den andliga konserten som kom till Ryssland från väst i slutet av 1600-talet, som var en "tävling" av två eller flera körer motsatta varandra, utvecklades till en början som en genre av rent kyrkomusik och motsvarade de ortodoxa traditionerna. gudstjänst: till skillnad från västeuropeiska, involverade den inte instrumentellt ackompanjemang och skrevs i form av partes polyfoni, som hade etablerats vid den tiden i kyrkan, där antalet röster vanligtvis varierade från 3 till 12 (i vissa konserter den nådde 48). Men under andra hälften av 1700-talet gick den andliga konserten bortom kyrkan; Klassiska verk i denna genre skapades av Maxim Berezovsky och Dmitry Bortnyansky:

Spirituella

Huvudartikel: Spirituella

Spirituals (från det engelska spirituella - spirituella) - andliga sånger från afroamerikaner, kan betraktas som en utlöpare av kristen andlig musik, eftersom källan till dem var andliga hymner som fördes till Amerika av européer, och deras teman är traditionellt baserade på bibliska ämnen . Anpassade till den afroamerikanska kulturen och vardagsförhållandena för afroamerikaner, förvandlades dessa psalmer till en originell genre: spirituals kombinerar egenskaperna hos amerikanska puritanska psalmer med de karakteristiska särdragen i afrikanska utförandetraditioner. Spirituals kännetecknas av en fråga-och-svar-struktur – en dialog mellan predikanten och församlingsmedlemmarna. Formad som en genre i slutet av 1800-talet framfördes spirituals av en kör, utan instrumentellt ackompanjemang, och representerade en kollektiv improvisation; men med framväxten av så framstående artister som Marian Anderson och Paul Robeson blev de till övervägande sololåtar med instrumentellt ackompanjemang. Spirituals användes av George Gershwin i hans berömda opera Porgy and Bess. Den mest kända andliga är "Gå ner Moses."

Judisk helig musik

Sedan urminnes tider har musik spelat en viktig roll i judarnas andliga liv: Gamla testamentet nämner många musikinstrument - slagverk, blås och stråkar (enligt experter, totalt 24). tempelrituell musik, enligt Bibeln, introducerades under Davids regeringstid; Vid templet fanns en stor kör och orkester som deltog i gudstjänsten.

Tempelmusikens huvudgenre var psalm, är tänkt att vara en synkretisk musikalisk och poetisk genre. Innehållet i psalmen avgjorde både arten av dess framförande och valet av instrumentellt ackompanjemang. I början av den nya eran hade tre sätt att framföra psalmer utvecklats: solosång, responsorial, det vill säga solo ackompanjerad av körsvar - "svar", och helt enkelt kör, utan solist. Kören kunde i sin tur delas upp i två grupper som förde en dialog med varandra (antifon).

Efter förstörelsen av templet (år 70 e.Kr.) började utvecklingen av synagogmusik. en ny genre föddes i synagogan - bön, som ersatte offer, och senare psalmsång- en sång, vars text inte är hämtad från Psaltaren, utan från andra böcker i Gamla testamentet, till exempel i Jobs, Jeremias böcker och Salomos ordspråk. Till skillnad från tempelsång var synagogsång i många århundraden uteslutande vokal; Uppförandesättet förenklades också: en speciell typ av liturgisk recitativ utvecklades - en kombination av själva läsningen med melodisk recitativ.

Redan på medeltiden blev en annan genre utbredd - dricka; som en psalm är det en musikalisk och poetisk genre, oftast en psalm av religiös karaktär. Vid 700- och 800-talens skiftning uppträdde professionella sångare - hazzaner (kantorer) i synagogor. Khazzanerna hade rätt att tolka gamla bönemelodier och skapa nya; gradvis dök särdragen av melodicism i ordets moderna betydelse upp i dem.

Om den judiska religiösa musiken från början påverkade den tidiga kristna kyrkosången, så absorberade musiken från den judiska diasporan senare delar av lokala europeiska kulturer; under deras inflytande återvände instrumentellt ackompanjemang av sång gradvis till livet i judiska samfund. Sålunda skapade violinisten och kompositören Salomone dei Rossi, som bodde i Mantua vid 1500- och 1600-talens skiftning, samtidigt sekulär vokal- och instrumentalmusik i genrer som var vanliga i Italien på den tiden (madrigaler, kanzonettas etc.), samtidigt tid han är författare till synagogakompositioner: 33 koraler (boken "Judiska psalmer och sånger") och en samling kompositioner "Ha-shirim Asher Li-Shlomo" ("Salomos sånger").

På 1800-talet installerade representanter för den reformistiska trenden inom judendomen, anhängare av att introducera det judiska folket till den europeiska kulturens värden (inklusive Jacob Hertz Behr, far till Giacomo Meyerbeer) orglar i synagogor och skapade orgelarrangemang av liturgiska melodier.

I Östeuropa, där judiska samfund tvingades leva mer avskilt, uppstod under 1700-talets 30-tal hasidism i det polsk-litauiska samväldet, som sedan spred sig till Österrike-Ungerns territorium och ryska imperiet. I den hassidiska kulturen blev dans, framförd till instrumentellt ackompanjemang eller sång, en viktig del av ritualen. Hasidimernas musik och danser absorberade inslag av ukrainsk, polsk, rumänsk och ungersk folklore, och representerade samtidigt en djupt nationell konst.

Under andra hälften av 1800-talet, påverkan av västeuropeiska musikalisk kultur nått Östeuropa; 1901 installerades en orgel i synagogan i Odessa, Khazzan N. Blumenthal organiserade den första, men inte den sista körskolan i Odessa, där bel canto-stilen odlades, och i liturgin använde han melodierna från klassisk tysk musik .

Islamisk helig musik

Huvudartikel: Qawwali

Islamisk andlig musik är i första hand qawwali, ett framförande av sufisk poesi till musiken. Konsten att qawwali uppstod i Indien på 1200-talet som ett resultat av kombinationen av persisk poesi med indisk musik. Ursprungligen användes enbart för rituella ändamål, qawwali utförs nu traditionellt på sufihelgonens gravar i Indien och Pakistan; Men sedan en tid tillbaka har framförandet av qawwali också blivit en konsertpraktik.

Anteckningar

- Helig musik // Musikalisk uppslagsverk
- Helig musik // Stor encyklopedisk ordbok
- Helig musik // Kort musikordbok
- Kyrkomusik // Körordbok
1 2 3 4 Baranova T. B., Vladyshevskaya T. F. Kyrkomusik
Manukyan I. E. Oratorium
Denna relativt nya term gäller inte bara för icke-kyrkliga genrer av sakral musik, utan också för originalmässor, rekviem, nattvakor etc. som inte uppfyller kyrkans krav. (V.V. Ponomarev. Paraliturgiska verk och problemet med kanonisk tillåtlighet i ortodox kyrkosång)
Levik B.V. Mässa // Musical Encyclopedia
1 2 Levik B.V. Requiem // Musical Encyclopedia
1 2 3 Druskin M.S. Passioner // Musikalisk uppslagsverk
Kyuregyan T. S. Te Deum // Musical Encyclopedia.
Här är "Tebe" ackusativformen (på ryska: "Tebya"); i kyrkoslavisk skrift skiljer den sig från den homonyma formen av dativfallet.
Om historien om texten till Schuberts Ave Maria, se till exempel artikeln av A. Maykapar.
Buluchevsky Yu Fomin V. Vigil // Kort musikordbok. s. 78
"Porgy och Bess"
1 2 3 4 5 Musik // Electronic Jewish Encyclopedia
Om Qawwali-genren

Länkar

Church modes // Encyclopedic Dictionary of Brockhaus and Efron: i 86 volymer (82 volymer och ytterligare 4). - St Petersburg, 1890-1907.

helig musik, helig musik 160 sånger, helig musik mp3, andlig musik Bortnyansky, andlig musik Wikipedia, nedladdning av andlig musik, lyssna på andlig musik, lyssna på andlig musik online, andlig kyrkomusik, andlig musik är

Sacred Music Information om

Avsnitt: ”Musikkulturens originalitet” I detta avsnitt kommer vi att bekanta oss med
teman som avslöjar originalitet
musikkulturer:
Musik i templet
Låten innehåller folksjälen
Vid ursprunget till folkamerikanska
musik

"Skönheten i musik är det inte
staplar upp effekter och
harmoniska konstigheter, och in
enkelhet och naturlighet."
Pjotr Tjajkovskij

Lektionens ämne: "Musik i templet"

Notre Dame-katedralen

Kristi tempel
Räddare

Som barn älskade jag mörkret i templet,
Ibland älskade jag det på kvällen
Honom, som lyser av ljus,
Inför en bedjande folkmassa;
Jag älskade hela natten vakan,
När i toner och ord
Låter som ödmjuk ödmjukhet
Och ånger för synder.
Tyst, någonstans i
narthex,
Jag stod bakom folkmassan;
Jag tog med mig den dit
I själen och glädje och sorg;
Och på den timme då kören sjöng lågt
Om "Quiet Light" - i känslor
Jag glömde mina bekymmer
Och mitt hjärta lyste upp av glädje...
Ivan Bunin. 1888

Idag ska vi titta på några
traditioner om musik
det unika med de viktigaste religionerna i världen
Kristendom/ortodoxi,
katolicism, protestantism)
Islam
Buddhism

Kristendomen

10.

"Ingenting höjer själen så här, ingenting som
inspirerar henne inte, tar inte bort henne från marken, gör det inte
frigör från kroppsliga band, inte
instruerar i filosofi och hjälper inte
uppnå fullständigt förakt för
vardagliga saker som
konsekvent melodi och kontrollerad
rytm av gudomlig sång"
Johannes Krysostomus

11.

Körkyrkosång och klockor
klockor utgjorde grunden för musikal
ortodoxins traditioner.
I väst, i katolska och protestantiska
tempel, från slutet av medeltiden in
en orgel användes under gudstjänst, och
sedan andra musikinstrument,
och till och med hela orkestrar.
I Rus det mest perfekta instrumentet
den mänskliga rösten övervägdes

12.

Musik som spelas i templen
verkade gudomlig, och hon
prestanda - änglalik,
himmelskt
Baserat på fornryska
sjunga konstlögner
Znamensky
sång
("banner", dvs. "tecken")
På 1700-talet, speciell
Blev populär
använda den sk
partesnoe
(polyfonisk) sång

13.

På 1700-1800-talen. till kyrkans sammansättning
musik tilltalade många
kända kompositörer:
D. Bortnyansky - "Konsert för kör"
A. Grechaninov - "Jag tror"
P. Chesnokov – "Cherubic Song"
P. Tchaikovsky - "Liturgy of St. Joanna
Krysostomus"
S. Rachmaninov – "All-Night Vigil"

14.

Dmitriy
Bortnyansky
1751-1825
"Konsert för kör"

15.

16.

Musik tillsammans med ikonografi och
arkitektur uppfattades som
en sorts syntes av konst, speciell
tempelaktion, som utgjorde en av
de mest originella sidorna på ryska
kultur.
Kyrkomusik har inte bara
estetisk mening, den bär
djup mening: den är riktad till
känslor, upplevelser och viktigast av allt - till
en persons tankar.

17. Islams tempelmusik

18.

Islams musik har en annan karaktär.
Muslimsk religion är strikt
inte bara regleras
arkitektur, konst
och spektakulära föreställningar, men också
musikalisk kreativitet.
Å ena sidan föll musiken in i rangen
konster förbjudna av islam, och med
en annan - den rikaste
musikaliskt arv med karaktäristisk
nationella traditioner.

19.

Hon bär uteslutande sång
karaktär.
Uttrycksfull och dynamisk röst
tjänare - muezzin (från arabiska -
"ringer") bör 5 gånger om dagen
kalla de troende samman till bön och
vända alla sina tankar till Gud.

20.

Bland religiösa
Muslimska ritualer, utom
adhan (uppmaning till bön),
det finns andra
typer av kultmusik.
Melodisk recitation
heliga Koranen
Dikr - en typ av kult
ramsor åtföljs
rytmiska kroppsrörelser

21. Buddhismens tempelmusik

22.

Man trodde att ljudet spelar det viktigaste
roll i universum. Otaliga
konsekvent och proportionerligt ljud
vibrationer föder det gudomliga
världens harmoni, och därför attityden till
musiken var mer stödjande.
Vacker sång, dans, ljud,
reproducerad dyrbar
instrument uppfattades som
omistlig anknytning till
"den perfekta salighetens land."

23. 24. Fråga:

Vilken unik musikal
traditionella religioners kulturer
fred har du märkt?
Hur uttrycks andligt?
människors uppfattningar?

25. Läxor

1. Känn till anteckningarna!
2. Förbered dig på frågor om
det här ämnet

26. Frågor:

1. Nämn de 3 huvudsakliga världsreligionerna?
2. Vilka är grundarna av dessa religioner?
3. Nämn de viktigaste böckerna i de tre världen
religioner?
4. Vad ansågs vara det mest perfekta i Rus
verktyg?
5. Vad heter polyfonisk sång i
tempel?

27. Frågor:

6. Vad heter islams minister som efterlyser
bön 5 gånger om dagen?
7. Vad kallas kallelsen till bön?
8. Vad kommer upprepad bönesång dig närmare?
Buddhism?
9. Vad heter typen av kultsånger i
Islam?
10. Vilken effekt har musik på dig?
tempel?

Konstens universella lagar, förkroppsligade i övertygelser, riter, religiösa ritualer, kanoner för arkitektur, monumental och dekorativ konst, målning, skulptur, litterära uttryck och musik i fusionen av en konstnärlig helhet - detta är en ofullständig lista över vad syntesen av tempelkonst presenterar för mänskligheten. Dessutom skiljer sig uppkomsten, utvecklingen och själva existensen av detta fenomen mellan olika folk med sällsynta likheter. Det återspeglar tidsepokens världsbild, alla mänsklighetens idéer om världen.

Enhet mellan jordiska och himmelska

Huvudvärdet för absolut vilken religion som helst, vare sig det är kristendom, buddhism eller islam, är tempel som förkroppsligar bilden av världsordningen. Sådana religiösa byggnader är bostäderna för den allestädes närvarande ojordiska Guden på jorden. Det är platser där Gud hittas genom bön, enhet med honom genom sakrament och själens frälsning.

Idén om det gudomliga finns i själva bilden av den Högstes tempel, som lever bortom gränserna för det mänskliga medvetandet och kombinerar människors idéer om världsordningen. Det finns en tillflykt från världens liv, det finns en medvetenhet om himmelens och jordens enhet. Syntesen av konst fungerar på samma sätt inom estetisk utbildning.

Ordets hög musikalitet, uråldriga ikoner med stränga ansikten, högtidlig arkitektur av tempel, monumentala fresker, fulla av värdiga plastskulpturer, vackra och exakt balanserade melodier av kyrkomusik - allt detta ger upphov till sublima moraliska känslor när tankar kommer om liv och död , om synd och omvändelse, när själen strävar efter ideal och sanning. Syntesen av tempelkonst tar upp medkänsla och empati, frid och ömhet, andlighet och upplyst glädje.

Arrangemang av en ortodox kyrka

En ortodox kyrka reserverar hela utrymmet under kupolen för tillbedjare, medan altarrummet är avsett för gudomlig superverklighet. Ikoner påminner om Gud och kallar till honom. Fram till 1700-talet var all kyrkomusik strikt enstämmig, som ekade askesen hos ikoner, fresker och mosaiker. Efter musikaliska kompositioner, som ackompanjerade gudstjänsterna, blev polyfonisk och mer konsertlik, ofta komponerande. Detta tjänades av tempelsyntesen av konst och sammansmältningen av kyrkliga och sekulära principer.

Dekoren av tempel blev också rikare i form och ljusare i paletten. Guld, cinnober, lila, smalt - bilderna av helgon blev mer uttrycksfulla, intensiva och varierande, sången blev mer professionell, till och med skicklig. Allt detta försätter flocken i en högtidlig, bön stämning, och själva gudstjänsten växer i prakt.

Syntes av tempelkonst i katolicismen

Grandiost och majestätiskt i arkitektoniska termer, interiören är ljus, utrymmet är fyllt med luft och flyg. Alla delar av inredningen är riktade uppåt: pelarna och kolumnerna är tunna och graciösa, fönstren är målat glas och tracery, barriärerna mellan katedralens inre och omvärlden verkar vara tillfälliga.

Till skillnad från kören utan instrumentellt ackompanjemang i en ortodox kyrka, i en katolsk kyrka både en kör och en orgelklang. Arkitektur, målning, skulptur, såväl som gudstjänstens sakrament - alla typer av syntes av konst är också radikalt olika.

Förstå sanningen i islam

Den enorma kupolen - moskén - är en symbol för den ende Guden (Allah), och tornet bredvid - minareten - symboliserar hans profet Mohammed. Moskén består av två proportionerliga utrymmen - en öppen innergård och en skuggig bönesal. Alla arkitektoniska delar av det muslimska templet speglar det muslimska skönhetsbegreppet: kupolen tycks sväva över moskén, nischerna hänger över varandra som steg mot den ändlösa himlen, minareten är riktad uppåt till gudomlig storhet.

På moskéns väggar kan du bara se vackert designade talesätt från muslimernas heliga bok - Koranen, eftersom tempelsyntesen av konst här endast absorberade arkitektur och det poetiska ordet till ackompanjemang av strängar. Att avbilda gudar eller någon levande varelse är strängt förbjudet och anses vara helgerån. Här finns bara prydnad som ett fenomen av den muslimska världsbilden - en symbol för oändligheten i de rytmiska upprepningarna av huvudmotiven. I sin tur är upprepning det mest pålitliga sättet att uttrycka hängivenhet till Allah och förstå hans sanning.

Problemet är buddhismen

Buddhister anordnar festligheter på frisk luft. Deras processioner är mycket färgglatt teatraliska och ackompanjerade av musik och dans. Särskilt imponerande är buddhisten, dessa omänskliga ljud tycks förbinda de dyrkare med en avlägsen, oförutsägbar forntid, och samtidigt föra deras medvetande ut i rymden, in i sfärernas musik.

Den antika byggdes av enorma plattor och stenar som grund för tung och frodig skulptur- och prydnadsutsmyckning, som täckte nästan hela dess yta. Det finns inga valv eller valv i ett buddhistiskt tempel. Många klockor ringer vanligtvis på taken, svajar från minsta vindpust, ringer melodiskt och driver bort onda andar. Klockor är ett rituellt föremål som används i gudstjänst. Dock är tempelsyntesen av konst inom buddhismen och islam inte lika komplett som i kristendomen.

Florensky om treenigheten-Sergius Lavra

Lavran kan inte bara vara ett museum just därför att ett konstföremål inte är något - det kan inte vara en orörlig, stående, död mumie av konstnärlig verksamhet. Vi måste göra det till en oändlig, ständigt flödande ström av kreativitet. Ett konstobjekt är en levande, pulserande aktivitet av Skaparen själv, om än borttagen från Honom genom tid och rum, men oskiljaktig och skimrande av livets alla färger, en alltid upprörd ande.

Konsten måste vara livsviktig, och detta beror på graden av förenande av intrycken och sättet att uttrycka dem. Innehållets enhet lockar oss till sann konst. Genom att ta bort en aspekt från en fullfjädrad funktion får vi en fiktion med verkligt innehåll.

Lavran bör betraktas som en syntes av tempelkonst, som en helhet i kulturella och konstnärliga termer, som ett centrum och monument för högkultur. Du måste uppskatta varje liten sak: hennes sätt att leva, hennes unika liv som har dragit sig tillbaka till det avlägsna förflutnas rike.

Syntetisk konst

Olika typer av konst kombineras aktivt inom teater, bio och tv. Här samverkar oftast musik, drama, bildkonst och litteratur.

Först och främst uppfattar lyssnaren eller betraktaren pjäsens eller filmens litterära grund. Den visuella uppfattningen av bilden får hjälp av kostymer och dekorationer för att skapa den verklighetsatmosfär som handlingen presenterar. Musik skapar och förstärker känslomässiga upplevelser.

En unik genre på scenen är musikalen, som krävde en speciell syntes av konst. Exempel på att avslöja seriöst material på de mest tillgängliga sätten för publiken är följande: musikalen "Katedralen Notre Dame" efter Hugo, där musikalisk, dramatisk, koreografisk, vokal, plastisk och konstnärlig konst smälter samman. Musikalen har drag av vaudeville, operett, varieté och varieté, på grund av vilket den kännetecknas av materialets ljusstyrka.

Syntesen av konst på tv inkluderar inte bara långfilmer och -serier, utan också många shower som genomförs enligt vissa scenarier. Här kopplas färg- och musikbelysningsanordningar till studiornas design och inredning, som bidrar till att skapa den atmosfär, rymd och en viss ljudmiljö manuset ger. Syntesen av konst på tv innehåller särskilt många komponenter.

Filosofi som syntes

Vetenskapen avslöjar för mänskligheten det allmänna, och konsten avslöjar det särskilda. Filosofi är bron som förbinder en sak med en annan. Vetenskapen är förnuftets fäste. Konst är känslornas territorium. Filosofi, som författare skämtar, är inte längre en konst, men ännu inte en vetenskap. Det är en syntes av vetenskap och konst, eftersom det kombinerar två tillvägagångssätt - universellt och individuellt, som förbinder förnuft och känslor, objektivism och abstraktion av vetenskap och konkret subjektivism av konst.

Filosofi är kapabel att känna igen extas i vetenskapliga begrepp; den behöver den vetenskapliga rationalismens kyla, konstens emotionalitet och religionens uppenbarelser. Hon kan svara på frågor inte bara om den universella existensen som helhet, utan också om människans plats i den. Genom att syntetisera förnuft, känsla och tro, tar filosofi fortfarande förnuftet i första rummet.

Syntes av konst i förskolans läroanstalter

För förskolan läroanstalter(DOW) utvecklats specialprogram, hjälpa utvecklingen av barns uppfattning, baserat på syntesen av konst. Tre typer av aktiviteter samverkar här: musik, bildkonst och skönlitteratur.

Elementen ömsesidigt berikade i syntesen av konst förbättrar kognitionen och har en gynnsam effekt på den harmoniska utvecklingen av barnets personlighet. Litteratur, måleri och musik fyller heltäckande den andliga essensen, ger ny kunskap, berikar den inre världen och ger nya möjligheter.

Litteratur, musik och målning täcker ett barns andliga liv helt och hållet, och deras interaktion berikar var och en av dem med nya egenskaper och möjligheter. I klasserna vid förskolans läroanstalter föreskriver planen att barns konstnärliga aktiviteter ska inkluderas i de flesta olika typer: läsa poesi och prosa, lyssna på musik, titta på videor, rita, dansa.

Integrerade klasser

Riktning utbildningsprogram Förskolans läroanstalt har blivit känslomässig sfär elevernas uppfattningar. Rik konstnärlig erfarenhet ger barnet noggrannhet i omdöme, logik och gör hans kreativitet uttrycksfull.

Barn fick möjlighet att lära sig att ett fenomen återspeglas i olika typer av konst. Cirkeln av musikaliska intryck vidgar sig och berikar lexikon, en idé dyker upp om kostymer och kulisser, frisyrer och smink och olika antikviteter.

Soulmusikens triumf

Verk av arkitektur, skulptur och målning hjälper till att utveckla tal och är användbara för uppfattningen av musikaliska bilder. För sådant arbete är det bra att fylla på prover av brukskonst och folkhantverk, inklusive följande: Gorodets målning, broderi, olika tovade hantverk, Dymkovo-leksaker. Litteratur som läses samtidigt med studier av konstnärligt hantverk måste vara lämplig - folklore eller stilisering. Och först och främst bör detta fungera på uppfattningen av det musikstycke som planeras av programmet för lyssning för tillfället. Musik dominerar vanligtvis denna syntes av konst.

Barn behöver introduceras till både opera och balett. För det första är det vettigt att visa skisser av kostymer och kulisser eller programmålning om ett givet ämne, samtidigt som man introducerar handlingen. Sedan, vid den allra första lyssningen eller visningen, kommer det musikaliska fröet att falla på redan förberedd jord. Barn kommer inte att distraheras från musik, och det kommer att förbli en prioritet.

Metropolitan Pitirim (Nechaev)

Kyrkans sång intar en speciell plats i den ryska ortodoxa kyrkans andliga liv, stimulerar bönens anda, uppbyggande och stärkande i tron. Kyrkans psalm och bön är oskiljaktiga. Den ryska kyrkan, som följde den grekiska liturgiska traditionen, använde aldrig instrumentell musik i kyrkan. När de talar om rysk kyrkomusik menar de därför uteslutande vokalkonst.

Ryska sångare dök upp i våra kyrkor samtidigt som det ryska prästerskapet. Sjungande manuskript bevarade från 1000-1100-talen tyder på att processen för att bilda rysk kyrksång var komplex. De första ryska melodierna, skrivna med grekiska tecken, kallades Znamenny. Deras särdrag är deras koppling till rysk nationalmusik, med rysk folklore, särskilt med epos. Förändringen i melodiernas rytm i samband med översättningen av grekiska texter till det slaviska språket gav sången en slavisk karaktär. Ett utmärkande drag för gammalrysk sång är lugnet, självupptagenhet och dominansen av accenter på texten.

Problemen med att dechiffrera den antika kroknotationen är fortfarande inte helt lösta. Hon angav riktningen för röstvägledning, och dess form var ett recitativ med ett utdraget uttal av vokalljud, som förmedlade det inre tillståndet av en persons upplevelser från hög inspiration och andlig glädje till sorgsna motiv för omvändelse, men aldrig förtvivlan. Även att gråta om synder, som fungerar som en av de högsta graderna av inre andlig perfektion, är alltid ljus sorg, sorg fylld av hopp. Ett namn på tecknen - "pil", "kär vinthund", "kär med en hake" - talar inte så mycket om ljudets tonhöjd, utan om dess karaktär.

Under 1500- och första hälften av 1600-talet. Demestvenny-sång (som baserades på motiv relaterade till ryska folklyriska sånger och en rörande rytm) och resesång (komplicerad znamenny) var utbredda. Under andra hälften av 1600-talet. Nya sånger sprids: bulgariska, Kiev, grekiska, kännetecknade av uttalad tonisk stabilitet, lakonism av motiv och enkelhet i rytmen. Polyfonisk sång skapades på grundval av folklig polyfoni. I folkkören finns inga stämmor utifrån röstens omfång och klang. Melodin fördelas bland körmedlemmarna i enlighet med sångarnas erfarenhet och klangen i deras röster. Traditionen med forntida kyrklig rysk sång finns bevarad i de ryska gamla troende.

Vid början av XV - XVI århundraden. ukrainska, och i mitten av 1600-talet bekantade sig Moskvas sångmästare med västerländsk notation och den så kallade partes-polyfonin, baserad på användningen av fyra röster i kören: sopran, alt, tenor och bas. I historien om rysk partisång beredde polska partier marken för italienska partier, för vilka D.S. blev en enastående representant. Bortnyansky (1752 – 1825). Stort inflytande Harmoniseringen av gamla kyrkolåtar och kyrksång påverkades av ärkeprästen Pjotr Turchaninovs (1799 - 1870), G.F. Lvovsky (1830 – 1894), P.I. Tjajkovskij (1840 – 1893), S.V. Rachmaninov (1873 – 1943), A.D. Kastalsky (1856 – 1926). Inom området för att översätta prestationerna av A.D. Kastalsky och S.V. Rachmaninov förblir oöverträffad. På kompositionsområdet intog A.A. en framträdande plats. Arkhangelsky (1846 - 1941), vars verk kännetecknas av speciell emotionalitet och djup uttrycksfullhet, A.T. Grechaninov (1864 – 1956) och M.I. Ippolitov-Ivanov (1859 – 1935), som i stor utsträckning använde melodier av en uttalad folkkaraktär. Deras polyfoni innehåller drag av folklig polyfoni. Verk av P.G. Chesnokov (1877 – 1944) kännetecknas av rikedomen av färger i körpartituren, högteknologi brev. Alltså, om i början av 1700-talet. våra kompositörer började med att imitera västerländsk konst, då på 1800-talet. de lyckades smälta västerländsk tradition till ryska och byggde sina verk på basis av ryska folkvisor.

Intresset för gammal rysk musik uppstod i slutet av 1800-talet. Dess första forskare var ärkeprästen V. Metallov, som skrev ett arbete om studiet av notationstecken.

För närvarande dominerar polyfoni i våra kyrkor. Vi har redan tappat vanan med den gamla ryska låten, även om intresset för den nu återupplivas. De bästa exemplen på modern kyrkomusik fortsätter traditionerna från gamla sånger och 1800-talets kompositörers arbete. Återupplivandet av gamla ryska traditioner för kyrkomusik är ett av sätten att underlätta förståelsen av gudstjänster för troende. När allt kommer omkring är musik, som de en gång sa, religionens syster. Det skapar en inre harmoni i själen, och därför, där den bygger på författarens känslomässiga utbrott, är det mycket svårt att ställa in en bön stämning, men om musiken stämmer överens med meningen distraherar den inte, utan hjälper till. att koncentrera sig på bön.

Den mest originella formen av rysk nationell musikkonst är klockringning. Klockor, som tillkännager början av tillbedjan och uppmanar till det, är ett nödvändigt tillbehör till en ortodox kyrka. Ryska krönikörer nämner klockor omkring 988. I början av 1000-talet. det fanns klockor vid kyrkorna i St. Sophia i Novgorod, vid tiondekyrkan i Kiev, i kyrkorna i Vladimir, Polotsk, Novgorod-Seversky. Det ryska folket förälskade sig i ringningen av kyrkklockor, där man kan höra en uppmaning att fly från jordisk fåfänga och bekymmer. Det bör noteras att klockorna är ett tecken västerländsk tradition; i Bysans användes en visp för dessa ändamål. Ryssarna kastade först en klocka i Kiev i mitten av 1100-talet, på 1300-talet. Gjuterikonsten nådde sin höjdpunkt i Moskva. Stadens kyrkor hade minst fem tusen klockor. De ljöd i dussintals mil, under firandet smälte dånet från klockorna från närliggande kyrkor samman till en kraftfull kör, ljudet av klockorna rullade i vågor från ett tempel till ett annat - det var musik för alla.

Vanligtvis finns det flera klockor i templet, olika i storlek och styrka av ljud: festlig, söndag, polyeleos, vanlig dag (eller veckodag), femte (eller liten). Varje ringsignal har sitt eget syfte - sorgligt, begravning eller förkunnande av glädje, firande, seger, befrielse från fara. Sedan urminnes tider har två typer av ringsignaler varit kända i Rus: blagovest (förkunna goda nyheter), när en klocka eller flera klockor slås, men inte samtidigt, och själva ringningen. Den omväxlande harmoniska upprepningen av klockor kallas chime. Ringningen av flera klockor i tre steg kallas tri-ringning eller trezvon. De berömda Rostov-klockorna är kända i hela Ryssland. I mitten av förra seklet gjorde ärkeprästen Aristarchus av Israel en musikalisk notation av klockor som ljuder i C-dur-serien. Kyrkklockorna är vittnen om Rysslands historia. För närvarande återupplivas konsten att ringa.

Bibliografi

1.Metallov V. Uppsats om kyrkosångens historia i Ryssland. Trinity-Sergius Lavra, 1995.

2. Olga (Volodina), mån. Musikalisk kultur i Bysans. M., 1998

Liknande abstrakt:

CHESNOKOV, PAVEL GRIGORIEVICH (1877–1944), rysk tonsättare, kördirigent, författare till brett framförda andliga kompositioner. Född nära staden Voskresensk (numera staden Istra), Zvenigorod-distriktet, Moskva-provinsen, den 12 (24) oktober 1877 i familjen till en landsbygdsregent. Alla barn i familjen visade musikalisk talang...

Moskva håller på att bli inte bara centrum för politisk enhet, utan också kultur Center. Den absorberar de kulturella landvinningarna från apanagefurstendömena och fria städer som blev en del av Muscovite Rus.

Bildande och utveckling av ledande sångskolor - Moskva och St. Petersburg. Monastiska sånger. Icke-liturgiska andliga sånger. Andlig vers. Psalm.

Principerna för bildandet av det gamla ryska sångsystemet skiljer sig fundamentalt inte bara från principerna för bildandet av det västeuropeiska musiksystemet, utan också från principerna för bildandet av det ryska liturgiska sångsystemet på 1700- och 1900-talen.

Två av hans sång- och orkesterverk: "Spring" och "Bells" är också nära besläktade med Rachmaninovs symfonism. Den första av dem betecknas av tonsättaren som en kantat.

Rostov den stores klockor var kända i hela Ryssland. Klockorna i dess huvudsakliga Assumption Cathedral har överlevt till denna dag, tillsammans med Rostovs klockstapel. Rostov klockor gjuts på 1600-talet. enligt en specifik plan.

Den rysk-ortodoxa kyrkan, liksom den grekiska, tillät sedan urminnes tider endast vokalmusik - sång - till gudstjänst. Början av vår kyrkosång, i första hand endast melodisk, samtidigt med kristendomens början i Ryssland.

Det ryska landet var fyllt av kyrkor, från klocktornen av vilka underbara ringningar kunde höras. Klockor var huvuddekorationen av det ryska landet, skapat av mänskliga händer.

Trots det faktum att Paulus I förbjöd framförandet av konserter under gudstjänster redan 1797, fortsatte det att hålla ut; även arrangemang av operaarior eller refränger från oratorier baserade på heliga texter framfördes.

Om den liturgiska sångens nationalitet. Om liturgisk sångs änglalika kvalitet. Om jämförelsen av liturgisk sång och ikoner. Om skönheten i att sjunga i St. Sofia-kyrkan i Konstantinopel.

Hela den årliga repertoaren i Old Believer-kyrkor återges på olika sätt. Huvudnumret av stichera sjungs på en röst (det vill säga på en samoglashen, liknande, enligt instruktionerna i Menaions och Chartern).

Karakteristisk. Kyrka och sakral musik

Per definition kan musiken som åtföljer kristen tillbedjan endast kallas sådan villkorligt, åtminstone inte i betydelsen absolut musik, vars idé utvecklades under senrenässansen och barocken och dominerar (i det sekulära samhället) till denna dag. Eftersom bönen är den avgörande faktorn i gudstjänsten har kyrkomusiken (tillsammans med andra liturgiska förnödenheter, till exempel disk och kläder) en rituell karaktär och är en form för att presentera bönetexter. Vid olika tidpunkter och i olika kristna traditioner gick det musikaliska ackompanjemanget av tillbedjan utanför ritualens räckvidd, förlorade sin hjälpkaraktär och fick status av författarskap och konsertkreativitet. Artefakter av detta slag kallas konventionellt "kyrka", men i huvudsak är de exempel på helig musik.

Berättelse

Den äldsta genren av kyrkomusik är psalmen, lånad av de ursprungliga kristna från judarna: sången av Davids psalmer i Israel var en del av tempelritualen. Översatta till grekiska och latin låg psalmerna till grund för gudstjänsterna. De framfördes unisont, som var brukligt bland judarna, men utan instrumentellt ackompanjemang. I Bysans utvecklades ett speciellt (psalmodiskt) sätt att framföra psalmer, kanske också lånat från judarna - långsam recitation, som inte tillåter uttryck av känslor. Tillsammans med psalmtexterna ärvdes även detta framförande av liturgin.

Påven Gregorius I

I Västeuropa under 700- och 800-talen utvecklades en stil av liturgisk sång, kallad "gregoriansk" för att hedra påven Gregorius I, eftersom traditionen tillskrev honom författarskapet till de flesta av den romerska liturgins sånger. Enstämmig gregoriansk sång (eller gregoriansk sång) gav olika, men strikt definierade grader av sång för olika delar av liturgin - från recitation till melodiskt utvecklade och melodiska konstruktioner. Samtidigt förblev prestationssättet i allmänhet strikt, återhållsamt, med mjuka övergångar, gradvisa upp- och nedstigningar. Sången lydde strikt texten, som bestämde dess rytm; Samtidigt innehöll kyrkokören exceptionella mansröster. I den gregorianska sången urskiljs två typer av framföranden: antifonal - omväxlande två körer och responsorial - solistens sång varvas med små repliker av kören.

Grunden för både romersk-katolsk och ortodox tillbedjan var bibliska texter; Gradvis tillkom nya delar till dem, speciellt komponerade, men namnen på författarna till dessa texter är för det mesta okända för oss: antingen har historien inte bevarat dem, eller så är författarskapet omtvistat (som till exempel påven Gregorius I) . Det musikaliska arrangemanget, som utvecklades genom processen av urval, bearbetning och enande, var till en början lika anonymt. Den gregorianska sången utvecklades och blev mer komplex tillsammans med liturgins text, och redan på 800-talet bildades tidiga former av kyrklig polyfoni - ett 2-stämmigt organum - utifrån dess. I sin vidareutveckling ersatte polyfonin den gregorianska sången.

ortodox kyrka accepterade inte "organsurret"; här var det enda instrumentet fortfarande den mänskliga rösten. I den katolska kyrkan förblev orgeln i århundraden det enda accepterade instrumentet, stråkar dök upp mycket senare, och redan på 1600-talet, under barocktiden, kom ett rent instrumentalt verk för stråkar i kyrkligt bruk - sonata da chiesa (kyrkosonat) ), en typ av triosonat.

Musik i katolsk gudstjänst

Från och med 1000-talet började troper tränga in i monodiska koraler - insättningar av hymnografiska (det vill säga fritt komponerade) texter och sekvenser. Konciliet i Trent i mitten av 1500-talet satte stopp för detta genom att förbjuda troperna och alla sekvenser utom fyra: Victimae paschali (påskoffer), Veni Sancte Spiritus (Kom, Helige Ande), Lauda Sion (Pris, Sion) och Dies irae (Vredens dag) Tommaso da Celano, som blev huvuddelen av den kanoniska begravningsmässan (requiem). Senare helgonförklarades också franciskanen Jacopone da Todis Stabat Mater.

Ändå gick det inte att isolera kyrkan från världen - vid sekelskiftet 1500- och 1600-talet hade de största katedralarna redan sina egna instrumentala kapell (som kunde uppträda utanför kyrkan), vilket också återspeglades i utvecklingen av traditionella genrer av kyrkomusik.

Motett

Motetten, född i Frankrike på 1200-talet, är inte en ren kyrklig genre: från första början komponerades motetter också på sekulära texter, med sekulära melodier som cantus firmus. Men komplexiteten i denna genre av körmusik, där en melodi polyfoniskt kombinerades med en, två eller till och med tre andra och samtidigt sjöng varje röst sin egen text, gjorde det svårt att uppfatta texten. Som ett resultat, utanför kyrkan, blev motetten en sorts "inlärd" musik på vilken kompositörer finslipade och visade sina färdigheter. I kyrkan blev motetten gradvis enklare - på 1400-1500-talen skrev Josquin Despres, Orlando Lasso, Giovanni Gabrieli och Palestrina redan entextmotetter, strikt vokala, utan instrumentellt ackompanjemang, körverk officiellt godkända av den katolska kyrkan.

Massa

Giovanni Pierluigi da Palestrina

De tidigaste författarmässorna som vi känner till går tillbaka till mitten av 1300-talet och tillhör fransmannen Guillaume de Machaut - flerstämmiga körverk (närmare bestämt arrangemang av det vanliga) "Mass of Notre-Dame" och "Mass of Tournais" . Johannes Ockeghems Mi-Mi-mässa anses vara ett enastående exempel på den nederländska skolan från 1400-talet; Det tidigaste av de rekviem som har kommit till oss tillhör också honom.

Polyfoniska arrangemang av gregorianska mässsånger skapades vid sekelskiftet 1400-1500 i Tyskland, vid kejsar Maximilian I:s kapell, främst av Henrik Isaac och hans elev Ludwig Senfl.

Under renässansen utvecklades framförandet av den katolska mässan gradvis från kören uteslutande a cappella till växlingen av kör och orgel på alternatum-sättet (när varje vers först sjungs av kören, sedan upprepas av orgeln) och slutligen, redan på 1600-talet, och någonstans tidigare - till kör ackompanjerad av stråkinstrument. Sonater för olika kompositioner av instrument i vissa delar av gudstjänsten skulle kunna ersätta körstämmor. Således var den berömda Sonatasopran Sancta Maria av Claudio Monteverdi tänkt att framföras under kvällsgudstjänsten.

Men komplicerad flerstämmig sång och soloargelspel under gudstjänsten, som fick stor spridning i mitten av 1500-talet, orsakade en reaktion från kyrkans ledning: samma koncilium i Trent beslutade att rensa den gregorianska körrepertoaren från senare lager och krävde mer uppmärksamhet från tonsättare till ordet. Experter anser att Palestrinas verk, som skrev strikta a cappella körverk med transparent polyfoni, är ett exempel på "post-tridentinsk" katolsk kultur.

Andlig konsert

Samtidigt, i Venedig i mitten av 1500-talet, föddes en ny riktning inom kyrkomusiken - konsertmusik, som var en "tävling" av två eller flera körer motsatta varandra. Ursprunget till denna trend är förknippat med namnet Adrian Villart, som skrev polyfoniska arrangemang av psalmer och bibliska sånger (särskilt Magnificats). Senare uppträdde polychoral motetter av C. de Pope, C. Merulo, Andrea och Giovanni Gabrieli, med rikt instrumentalt ackompanjemang. Från slutet av 1500-talet fram till mitten av 1700-talet Katolsk kyrka det fanns en kamp mellan den traditionella "romerska" skolan (särskilt Alessandro Scarlatti och delvis F. Durante fortsatte att arbeta i denna stil) - och en ny riktning, stile moderno (ars nova, seconda prattica), som försökte stärka instrumental princip, å ena sidan, och, under inflytande av den framväxande operakonsten (en av de tidiga företrädarna för denna trend var Claudio Monteverdi), till komplikationen av sång, å andra sidan. Representanter för denna trend inkluderade rent instrumentala, ofta av sekulärt ursprung, kompositioner för orgel- eller stråkensembler i mässan, införd solo-recitativ sång etc. - det vill säga att de flyttade längre och längre från själva kyrkomusiken. Och i denna kamp fick den traditionella riktningen så småningom ge vika.

Musik i protestantisk gudstjänst

Den protestantiska kyrkans betydligt större öppenhet mot världen jämfört med den katolska kyrkan och den mindre strikta inställningen till den rituella sidan av kyrkolivet återspeglades också i dess musikkultur; den interpenetration och ömsesidiga påverkan av kyrka och sekulär kultur, som har funnits på ett eller annat sätt i alla tider, är mycket mer uttalad inom protestantismen; slutligen, kyrkan själv, som övergav den grundläggande oppositionen av det andliga till det världsliga, höll inte bara gudstjänster, utan organiserade också konserter för församlingsmedlemmar, vilket blev en praxis för den katolska kyrkan bara några århundraden senare. "Gudsaktigheten" i musiken som framfördes vid dessa konserter tvingade den inte att vara rent kyrklig.

Johann Sebastian Bach - kantor i St. Thomas-kyrkan

Tillsammans med det latinska språket övergav den protestantiska kyrkan många av den katolska kyrkans ritualer och följaktligen de tillhörande genrerna av kyrkomusik. Å andra sidan komponerade både Martin Luther själv och hans anhängare sina sånger för kyrkligt bruk – på sitt modersmål.

Lutheraner i Tyskland, och senare puritaner i England, utvisade orgeln från deras användning som ett attribut för den papistiska kyrkan; i Tyskland ledde dessutom trettioåriga kriget till landets utarmning och musikkulturens nedgång; mässan framfördes uteslutande a cappella. Men under andra hälften av 1600-talet återvände orgeln till den lutherska kyrkan, och från den tiden ägnade den mycket mer uppmärksamhet - jämfört med den katolska kyrkan - musiken i sig och gav mer rättigheter till ackompanjerande instrument, i första hand orgeln . Ansvaret för orgelackompanjemanget av en mässa eller koral låg på organisten eller kantorn, som antingen kunde skriva musiken själv eller använda andras verk, inklusive hovkompositören Michael Praetorius.

protestantisk mässa

Av de sex delarna av den katolska ordinarie behöll den protestantiska kyrkan endast de två första delarna - Kyrie eleison (Herre, förbarma dig) och Gloria (Härlighet). Samtidigt reducerades inte orgelns funktion till enkel ackompanjemang av kören: orgelpreludier föregick och fullbordade gudstjänsten; såväl preludier som fantasier, ricerbilar, toccator kunde framföras under gudstjänsten – något som den romersk-katolska kyrkan kämpade med utvecklades fritt i den protestantiska kyrkan.

protestantisk koral

Efter att ha förkortat den katolska mässan, introducerade Martin Luther den så kallade "tyska mässan" i gudstjänsten; i sitt verk "Deutsche Messe" (1526) rekommenderade han till och med att små städer skulle begränsa sig till den "tyska mässan", som uteslutande bestod av tyska sånger, senare kallad den protestantiska koralen.

I denna del av gudstjänsten ska samfundet enligt Luthers plan sjunga sånger och psalmer av religiös karaktär i kör; följaktligen, det musikaliska arrangemanget av texterna, som i vissa fall var originalkompositioner, i andra - översatt till tysk texter från katolsk gudstjänst ska vara enkla, tillgängliga för icke-professionella artister - vilket fick den protestantiska kyrkan att återvända till traditionen med monofonisk gregoriansk sång.

Den protestantiska sången kombinerade flera traditioner: förutom den gregorianska sången - traditionerna för de gamla formerna av tysk andlig sång, Leise (växte fram ur utropen från Kyrie eleison) och Rufe (där korta strofer av refrängen varvas med långa strofer av refrängen), samt sånger från 1400-talet i stil med Minnesingers och tidiga Mastersingers. Liksom i mässan spelade orgeln här en viktig roll: ett preludium på koralteman föregick denna del av gudstjänsten, och under dens gång kunde olika stycken framföras, ofta improvisatoriska och, i motsats till själva koralen, flerstämmiga.

När det kommer till protestantisk gudstjänst är det inte alltid lätt att säga vad som egentligen är kyrkomusik här, och vad som är musik som släpps in i kyrkan tack vare dess öppenhet: genrerna toccata, ricercar, preludium och fantasy föddes inte i kyrkan , och de framfördes inte bara under gudstjänster, utan också på konserter; och till och med för sångerna i den "tyska mässan" valde Luther ofta melodierna från sekulära sånger som var populära på den tiden. På ett eller annat sätt skrevs musik för den lutherska kyrkans bruk av de största tyska kompositörerna på 1600-1700-talen, från Michael Pretorius och Heinrich Schütz till J. S. Bach.

I den anglikanska kyrkan, efter dess separation från Rom 1534, utfördes mässan på latin under lång tid, och följaktligen fortsatte traditionella genrer att utvecklas - mässa och motett; många verk inom dessa genrer skapades av William Bird. Men redan på 30-talet av 1500-talet översatte T. Sternhold och J. Hopkins psalmerna till engelska och komponerade tillsammans med andra tonsättare nya melodier till dem. Vid sekelskiftet 1500- och 1600-talet skapades även flerstämmiga arrangemang av psalmer. En originalgenre av kyrkomusik dök också upp i England - anthem, en sång där solopartier varvas med körstämmor, framförda ackompanjerade av en orgel eller stråkinstrument. Thomas Morley, William Bird, O. Gibbons, Henry Purcell och G. F. Handel skrev verk i denna genre.

I en fullt utformad ortodox gudstjänst ackompanjerade sång alla dess delar - liturgi (mässa), vesper och matiner (på tröskeln till stora helgdagar - hela natten vaka), etc., dopriter, bröllop, begravning, såväl som gudstjänster - böner, minnesgudstjänster etc. Även i Bysans utvecklades olika sångstilar - sånger - för olika genrer och olika delar av gudstjänsten.

Sånger

Det enklaste sättet att framföra var psalmodi - sång (liturgiskt recitativ); psalmodin var avsedd för läsning av evangeliet, aposteln och profetiorna.

Det svåraste var kondakar sång- en bred sång, dekorerad med melodiska inlägg. I Bysans användes den för gudstjänstens mest högtidliga sånger - kontakia (hymner av betydande volym, där strofer framförda av solisten varvades med körrefränger) och cyniker. Denna virtuosa sång odlades också i Kievan Rus - för framförandet av filmiska sånger, verser från psalmer och refränger till dem. Men komplexiteten i kondakarsången blev så småningom orsaken till att den försvann – redan på 1300-talet.

Kondakarsång betraktas ibland som en variant av Znamenny-sången, som dominerade rysk-ortodox tillbedjan från 11- till 1600-talet. Beroende på sångens karaktär och dess plats i gudstjänsten användes tre typer av sång: liten znamenny, kännetecknad av enkel melodi, byggd på alternerande musikaliska linjer, från 2-4 till 9 eller mer. Den centrala platsen i gudstjänsten upptogs av själva Znamenny, eller pelaren, sången, som bestod av sånger; i sången kombinerades olika sånger och bildade en enda linje av melodisk utveckling. Valet av sånger och deras sekvens bestämde sångens individuella form. Den stora Znamenny-sången kännetecknades av sin rikedom och utveckling av melodi, och användes vanligtvis vid framförandet av festliga stök.

Alla dessa sånger var monofoniska; i mitten av 1600-talet lades nya monofoniska sånger till dem - Kiev, bulgariska och grekiska. Redan på 1500-talet uppstod emellertid tidiga former av flerstämmig sång i Ryssland och på 1600-talet spreds den så kallade partes-polyfonin, som mycket snart ersatte znamenny-sången.

Komplex partisång, där antalet röster vanligtvis varierade från 3 till 12, men kunde nå 48, bidrog till den fortsatta utvecklingen av inte bara kyrkomusikalisk kultur, utan också sekulär. Polyfoniska arrangemang av znamenny-sången dök upp, och sedan en ny genre - parteskonserten a cappella.

Rysk andlig konsert

Den andliga konserten, som var en "tävling" av två eller flera körer motsatta varandra, kom från väst, direkt från det katolska Polen, till Ukraina på 30-talet av 1600-talet, till Ryssland ett halvt sekel senare, och utvecklades redan i traditionerna av ryska partes sång genom ansträngningar av ett antal tonsättare. Detta är i första hand Vasilij Titov, författare till ett flertal konserter och tjänster; Konserter av Fjodor Redrikov, Nikolai Bavykin och Nikolai Kalashnikov har också bevarats.

Till skillnad från västeuropeiska, involverade den ryska andliga konserten, i enlighet med traditionerna för dyrkan, inte instrumentellt ackompanjemang. Klassiska exempel på verk av denna genre under andra hälften av 1700-talet skapades av Maxim Berezovsky och Dmitry Bortnyansky: detta är ett storskaligt körverk med kontrasterande presentationsmetoder, med en jämförelse av 3 eller 4 olika delar.

Anteckningar

Länkar

// Encyclopedic Dictionary of Brockhaus and Efron: I 86 volymer (82 volymer och 4 ytterligare). - St. Petersburg. 1890-1907.

Kristen musik

Rötter och början

Koral Hymn Spirituals Sacred Harpa Form not Jesus musik

Genrer och subgenrer

Samtida kristen musik Samtida liturgisk musik Gospel

Fusionsgenrer

Kristen rock Kristen Hardcore Kristen Metal Southern Gospel Traditionell Svart Gospel Kristen Alternativ Rock Kristen Punk Kristen Ska Kristen Country Progressiv Southern Gospel Kristen Hip Hop Gospel Blues Urban Contemporary Gospel

Sång