Educación en el arte. Historia de la educación artística en Rusia. Calificación de universidades de arquitectura y arte.

AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Melik-Pashayev. Instituto Psicológico RAO

“La enseñanza eficaz de la música, el arte, la danza o el ritmo está, en esencia, mucho más cerca de la educación esencial que la enseñanza de las llamadas “materias básicas”...

La educación es aprender a crecer, aprender a esforzarse hacia adelante y hacia arriba, a distinguir lo bueno de lo malo, lo deseable de lo indeseable, lo digno de elección de lo indigno. El arte y especialmente aquellas variedades del mismo en las que he centrado persistentemente su atención... están tan estrechamente entrelazadas con la esencia psicológica y biológica del hombre... que es hora de dejar de percibirlas. cursos de formación como un lujo inapropiado, como los encajes y los adornos en un tablero escolar, y reconocerlos como los temas principales de una nueva educación... Este tipo de educación permitirá desarrollar una visión de las cosas que penetra hasta el infinito, previendo valores elevados. Esta educación puede y debe basarse en la formación en arte, música y danza”.

Esto no es del periodismo pedagógico de nuestros días. Estos son los pensamientos del famoso psicólogo estadounidense Abraham Maslow, formulados a mediados del siglo pasado [3, p.191], ¡pero es difícil encontrar algo más relevante para la situación educativa actual en nuestro país! Desde un punto de vista superficial, la posición de Maslow puede parecer poco realista e incluso irresponsable: ¡los valores son valores, pero no sustituyen el dominio de las “materias básicas” necesarias para la vida! En realidad, todo es diferente.

Así, hace varias décadas, el famoso sociólogo Yu. Fokht-Babushkin habló de un experimento realizado en una de las repúblicas bálticas de la antigua URSS. En algunas clases, se introdujeron lecciones adicionales de dibujo (como se llamaba a las artes visuales) reduciendo las horas de las “materias básicas” (matemáticas y lenguaje). Al poco tiempo, los alumnos de las clases experimentales empezaron a superar a sus compañeros... en matemáticas, lengua y otras materias “básicas”... Hay innumerables observaciones, numerosos estudios científicos que demuestran que gracias a la práctica de uno u otro tipo de arte , los niños se vuelven más inteligentes, más activos intelectualmente y más empleables. Quizás la mayoría de las personas prestan atención al impacto de la música y el canto coral, pero el teatro, la danza, la animación, la creatividad literaria, varios tipos de artes tradicionales y oficios artísticos tienen un efecto similar.

Por supuesto, la cuestión no se reduce a un pragmático “aumento del rendimiento académico”, aunque esto por sí solo podría cambiar la actitud de los padres y creadores de políticas educativas hacia las humanidades y las artes. Todo el ambiente de la institución educativa cambia, la actitud de los niños hacia el aprendizaje y hacia la escuela misma, aumenta su tono emocional; Los niños se vuelven más sanos física y psicológicamente. Pero la influencia del arte, la experiencia artística y creativa penetra aún más profundamente.

"El canto cura el espíritu enfermo", dijo Evgeny Baratynsky. Las diversas formas de lo que llamamos arteterapia tienen sus raíces en la antigüedad; quizás tan profundo como el arte mismo; más precisamente, como lo que ahora llamamos esta palabra. Y no sólo la curación de los enfermos, sino también la educación de una persona espiritual y físicamente sana y armoniosa estaba relacionada con las melodías que escucha, si participa en danzas circulares, si está expuesto a la influencia purificadora (“catártica”). de la tragedia teatral o de los misterios sagrados de los que nació.

Existe una gran diferencia en la cosmovisión de los filósofos antiguos (y chinos, de los padres de la iglesia) y de los sabios sufíes, pero todos consideran el arte como un medio poderoso para armonizar la vida espiritual y social de las personas, acercándolas al ideal espiritual de sus época, cultura, religión.

Y, por supuesto, los efectos beneficiosos del arte y la experiencia artística serán más profundos y fuertes cuanto antes la persona se familiarice con ellos. Relacionado con esto está el enorme papel y responsabilidad de la educación preescolar y la educación artística escolar, que se ocupan de los niños durante un período de la vida sensible para su desarrollo artístico. El problema es que la práctica educativa existente no sólo no se basa en condiciones previas favorables infancia, pero, voluntaria o involuntariamente, actúa en su contra.

Todo el mundo estará de acuerdo en que la escuela, y en gran medida ya antes educación escolar se implementan en signos, diagramas, números, términos y conceptos generales. El lado figurativo-emocional, a veces no verbalizable, de la psique del niño y de toda su vida, su considerable experiencia asociada con esto, no solo no encuentra el lugar y el desarrollo que le corresponde en proceso educativo, sino que más bien le sirven como un obstáculo y son reprimidos con bastante eficacia. Pero una racionalización tan unilateral de la enseñanza contradice profundamente las características relacionadas con la edad de un niño con un desarrollo normal. Los psicólogos del desarrollo, en particular N.S. Leites, han demostrado durante mucho tiempo que los niños pequeños gravitan hacia el tipo llamado "artístico" (en lugar de "mental"), es decir, tienden a percibir los fenómenos de manera integral y emocional en sentido figurado. [2] Esto se confirmó más tarde en estudios sobre la “asimetría interhemisférica”: la clara mayoría de los niños menores de 10 años pertenecen al tipo del “hemisferio derecho”. [ 1 ]

Sin embargo, incluso sin una investigación especial, un observador atento ve que para un niño, todo lo que brilla, suena, cruje, ligero y pesado, áspero y suave, cada movimiento que puede llegar a ser como - en una palabra, todo lo que percibe con su Sentimientos aún no saturados, no embotados. Pero este interés del niño, esta receptividad natural hacia la educación tradicional es sólo un obstáculo que impide generalizaciones racionales.

El único ámbito en el que se demanda y se desarrolla la experiencia sensorial del niño; que se refiere a lo que realmente ve, oye y percibe con todos sus sentidos: esto es arte (incluido el arte de las palabras). ¿Qué pasa si el niño no recibe esta experiencia de manera suficiente y en un nivel suficiente? ¿Puede considerarse normal que una persona crezca “ciega”, “sorda”, insensible al único mundo real en el que vive?

¿Y en qué ámbito se puede desarrollar naturalmente la esfera de los sentimientos, la capacidad de respuesta emocional y el alma de un niño? ¿Dónde comenzará a darse cuenta de su relación con todo lo que hay en el mundo objetivo y, por tanto, a adquirir y dominar su propio mundo interior? ¿Dónde empezará a comprender su vida mental y la de los demás, es decir, a desarrollar la inteligencia emocional? ¿Y puede considerarse normal que una persona crezca inteligente, pero subdesarrollada mentalmente? ¿Si cuando se encuentra con otro no ve en su apariencia exterior las manifestaciones de su vida interior? ¿O tal vez ni siquiera sospecha de su existencia? Si, al escuchar un discurso dirigido a él, percibe información, pero no escucha la entonación, ¿qué suele ser más importante? Es como si se crearan clases de arte para evitar que esto suceda. Son ellos quienes pueden mantener la integridad del desarrollo de una persona en crecimiento en las condiciones de una educación unilateral y racionalizada, y cuanto más tarde se ponen manos a la obra, más difícil es, y generalmente con menos éxito, este. Se supera la parcialidad.

La introducción al arte también es necesaria en el siguiente aspecto más importante: le brinda al niño la experiencia de la creatividad en En un amplio sentido Es decir, la generación y plasmación de las propias ideas. Y esta experiencia es necesaria para la salud psicológica de una persona durante toda su vida, independientemente de su futura profesión. Después de todo, la creatividad en esta comprensión no es un don especial de personas raras, sino una propiedad genérica de una persona: es un creador por naturaleza. Encontramos confirmación de esto en la mayoría diferentes fuentes, desde los santos padres, que creían que es precisamente a través del don creativo que una persona es similar a su Creador, hasta los psicólogos humanistas con su idea de la autorrealización como camino hacia el desarrollo humano normal.

El impulso creativo, la “actividad interna del alma” inherente al hombre (V.V. Zenkovsky), busca una salida. Y la aguda falta de creatividad, característica de la educación tradicional, bloquea su camino. Esto es lo que conduce principalmente a la notoria sobrecarga de los escolares (¡en situaciones creativas pueden ser casi incansables!), al malestar psicológico y alimenta un sentimiento inconsciente de su insatisfacción. La “actividad interna”, que no recibe una salida positiva, apoyada y aprobada, busca soluciones y a menudo estalla en explosiones de comportamiento antisocial, los llamados crímenes sin motivación. Experiencia creativa temprana y exitosa – el mejor remedio de tales distorsiones.

Aquí hay una posible objeción. Aunque la experiencia de la creatividad es psicológicamente necesaria, “creatividad” y “creatividad artística” están lejos de ser sinónimos; El potencial creativo de una persona, la actividad interna de su alma puede manifestarse en una variedad de áreas de actividad e incluso en la vida cotidiana. ¿Por qué concedemos una importancia tan excepcional al arte?

Básicamente, la respuesta ya está contenida en lo dicho anteriormente. La singularidad específica de la edad del niño, en cuya apariencia psicológica no es casualidad que se observen algunas similitudes con el artista, se convierte en la razón por la que la experiencia creativa temprana se adquiere con mayor facilidad y éxito en el arte. (Esto se analiza con más detalle en varios de nuestros trabajos; ver, por ejemplo,). ¿En qué otro lugar, si no en el arte, puede una persona de nueve, seis o incluso cuatro años (aparentemente, esa era la edad del autor desconocido de la brillante cuarteta "Que siempre haya el cielo") crear algo que sea reconocido como ¿Valioso para la comunidad cultural e incluso para la élite de la profesión profesional? El trabajo de un físico o matemático joven (¡aunque todavía no tenga seis años!) llama la atención por su edad; Por sí solos, es poco probable que sus obras sean de interés científico. Y la creatividad de los niños en el arte se valora “en sí misma” desde hace más de cien años, como un fenómeno único, pero completamente artístico.

No es casualidad que hable de especificidad de edad. En la creatividad científica, un niño piensa y actúa, en principio, igual que un profesional adulto. El brillante Pascal, que redescubrió adolescencia axiomas de Euclides, hizo “lo mismo que Euclides”, sólo que antes que él en edad; no creó ningún tipo de "geometría infantil" que, siendo "infantil", sin embargo sería de interés para los geómetras adultos. No existe una ciencia para niños, pero sí un arte para niños: tanto el arte en toda regla como la originalidad específica de su edad están inseparablemente presentes en la creatividad de los niños. Al crear una imagen artística, un niño crea de acuerdo con su edad, y esto nos permite considerar la creatividad artística como el área más "ecológica" y más acorde con la naturaleza. la creatividad de los niños.

Por supuesto, esto sólo ocurre bajo condiciones psicológicas favorables, que son la excepción y no la regla. Pero prestemos atención a un hecho tan significativo. En los casos en que los niños se dedican a cualquier tipo de arte de acuerdo con programas verdaderamente de desarrollo, de acuerdo tanto con la psicología relacionada con la edad como con las características específicas del arte en sí, casi todos, tarde o temprano, alcanzan con mayor o menor frecuencia el nivel. de crear imágenes artísticas de pleno derecho. Esto nos permite hablar de un fenómeno como el talento artístico relacionado con la edad, que puede y debe ser apoyado y desarrollado en todos los niños y que, por supuesto, difiere del talento individual, mucho más raro, de lo que se llama una vocación y que, según el escritor M.M. . Prishvin, obliga a una persona a “traducir seriamente su vida en palabras” o en otras formas de creatividad artística. Pero la diferencia entre estos dos tipos de superdotación, genérica e individual, es un tema para una discusión especial. Ahora solo diré: si queremos ayudar a las pocas personas especialmente dotadas a encontrarse a sí mismas y a realizar su vocación, debemos presentar a todos los niños, sin ninguna selección preliminar y, a menudo, miope, a una experiencia artística temprana y completa. Y esta tarea pedagógica, en principio, sólo es factible en educación general.

El último y quizás el más importante. El arte en la educación es el “espacio” donde una persona no sólo realiza y mejora su mundo espiritual, sino que también aprende una actitud basada en valores hacia los fenómenos de la existencia. Tiene la oportunidad (a menudo la única en su vida) de unirse al mundo de los valores humanos universales más elevados y duraderos, que están plasmados en las grandes obras de la cultura artística mundial; Aceptad como propia la historia espiritual y cultural de la humanidad, con toda la responsabilidad que tal experiencia conlleva.

Después de todo lo dicho, queda claro a qué conduce el empobrecimiento del componente humanitario y artístico de la educación general y pública. Si una persona crece emocionalmente estúpida, mentalmente subdesarrollada, si lo más elevado espiritual y valores morales no existen para él, cuanto más exitoso, competente y competitivo se vuelva en todos los demás aspectos, desde la química hasta el kárate, desde el derecho y la economía hasta idiomas extranjeros y la seguridad de la vida, cuanto peor, más peligrosa y destructiva será cualquiera de sus actividades futuras. Por lo tanto, una política educativa que expulsa el arte de la escuela y al mismo tiempo se imagina pragmática es, en realidad, catastróficamente miope y destructiva para la sociedad, el pueblo y el Estado.

La situación aún puede cambiarse repensando la educación general como un movimiento “hacia adelante y hacia arriba”, en el que la experiencia artística y creativa desempeñará el papel más importante y, en los primeros años, fundamental. Sigamos citando el pensamiento del científico con el que comenzaba el artículo: “Tal énfasis en la educación podría establecer otros modelos y otras formas de enseñar otras materias escolares, salvarlas de la inmersión total en el disparate, que ha olvidado lo que es importante y lo que no. , imparcial hasta el punto de la tristeza, desprovisto de aspiraciones y objetivos."

Literatura

1. Arshavsky V.V. Mecanismos poblacionales de formación del polimorfismo de asimetría interhemisférica del cerebro humano. Mundo de la Psicología, N° 1, 1999, págs. 29-46
2. Leites N.S. La propensión al trabajo como factor de talento // Izvestia de la Academia de Ciencias Pedagógicas de la RSFSR. Número 25. – M., 1950. P.7-48.
3. Maslow A.G. Los confines de la psique humana. Moscú: Eurasia, 1997. 430 p.
4. Melik-Pashaev A.A., Novlyanskaya Z.N. Hay un artista en cada niño. M.: Educación, 2008. 175s.

Las instituciones de educación superior artística en Moscú siempre han ocupado un lugar especial. Los cambios políticos y la agitación económica en el país no disminuyen la competencia: el amor por el arte supera cualquier pensamiento sobre el pan de cada día y el beneficio económico. Y esto a pesar de que sólo unos pocos graduados logran establecerse profesionalmente, encontrar el éxito y, con él, la prosperidad. Sin embargo, el hecho es que en estas universidades suele haber la mitad de plazas libres que personas dispuestas a cursarlas.

Talentos y fans

Como en el caso de las universidades de teatro, al ingresar a una escuela de arte buscarán la presencia de cierta chispa en el postulante, lo que se suele llamar talento. De hecho, todo el mundo puede tener un lápiz o un pincel en la mano, pero sólo una persona entre cien o mil puede crear algo único.

No es posible dar una definición absolutamente precisa del concepto de “talento”: en el arte todo es demasiado subjetivo. Desafortunadamente, cualquier profesión creativa depende completamente de las opiniones de los espectadores y críticos. Por eso muchos expertos aconsejan: antes de cruzar el umbral de una universidad de arte, deberías pensar si puedes pasar muchos años de tu vida en la oscuridad, lamentando amargamente el hecho de que tus obras nunca hayan causado la impresión adecuada al público. Después de todo, todo el juego de colores, la claridad de las líneas, la coherencia del estilo en obra de arte se crean con un solo propósito: sacudir el mundo y expresarse.

Las perspectivas profesionales de los futuros artistas, diseñadores y arquitectos son bastante ilusorias. El costo de su trabajo puede variar mucho; todo dependerá del hada de la suerte caprichosa y voluble. Eficiencia, capacidad de encontrar lenguaje mutuo Hoy en día, las cualidades profesionales no son menos importantes para el cliente.

Prepararse para la admisión a una universidad de arte.

La lista de universidades de arte en la capital no es muy grande, pero recibir educación dentro de sus paredes se considera prestigioso en todo el mundo. El alto nivel de enseñanza en ellos fue fijado por los padres fundadores de estas instituciones educativas. Estos incluyen el Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V. I. Surikov, la Universidad de Arte e Industria de Moscú que lleva el nombre. S. G. Stroganova, Academia Rusa de Pintura, Escultura y Arquitectura, Instituto Estatal de Cinematografía de toda Rusia que lleva su nombre. S. A. Gerasimova y el departamento de arte y gráficos de la Universidad Estatal Pedagógica de Moscú. Es imperativo mencionar el Instituto Académico Estatal de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo que lleva su nombre. I. E. Repin: esta universidad, que tiene tradiciones centenarias, fue fundada a mediados del siglo XVIII bajo el patrocinio de la emperatriz Isabel Petrovna. Según la Carta vigente en ese momento, estudiaron allí durante 15 años. Hoy en día, el período oficial para obtener una educación se ha acortado, pero para convertirse en estudiante, un solicitante literalmente tendrá que pasar años preparándose para la admisión.

Cada una de las universidades enumeradas tiene su propia escuela de arte o cursos preparatorios. La formación y preparación en ellos lleva de varios meses a dos años. Cabe mencionar, sin embargo, que oficialmente nadie da garantías de admisión a sus graduados. Además, en los cursos preparatorios del Instituto Surikov, los profesores advierten sin rodeos que "uno de los nuestros" no tendrá que esperar ninguna concesión: todo el mundo lo hace de forma general. Clases preparatorias, por regla general, se les paga, sin mencionar el hecho de que el solicitante debe dotarse de materiales auxiliares: pinturas, pinceles, lápices, papeles, bastidores, lienzos... El precio puede ser diferente: por un tubo de pintura, por ejemplo, de 10 a 1000 rublos. Y el bastidor auxiliar cuesta al menos 2.000 rublos.

Además, al ingresar a una universidad de arte, es muy importante tener en cuenta una sutileza: al analizar las solicitudes, se da la mayor preferencia a aquellos solicitantes que se graduaron de escuelas de arte especializadas (por ejemplo, la Escuela de Arte Infantil No. 1 nombrada según V. A. Serov en Prechistenka, Liceo Académico de Arte de Moscú Academia Rusa artes), o tener educación secundaria educación profesional en escuelas de arte (Escuela Académica Estatal de Arte de Moscú en Memoria de 1905 o Escuela de Arte (Facultad) de Artes Aplicadas de Moscú). Esto se hace porque este tipo de educación más alta No tolera que personas al azar tengan de repente el deseo de ser artistas, restauradores o arquitectos. La competencia entre los solicitantes es bastante dura y se debe aceptar lo mejor de lo mejor, por lo que es necesario hacer planes de admisión con anticipación, teniendo en cuenta sus propias capacidades.

Exámenes de especialidad

En primer lugar, debes decidir en qué dirección te gustaría aplicar tus impulsos creativos. La profesión de artista tiene varias variedades, por ejemplo, pintor, restaurador, artista de teatro. El número de especialidades que se pueden obtener en una universidad de arte incluye: escultor, arquitecto, crítico de arte, profesor de pintura, artista de cine, diseñador de vestuario cinematográfico, cine de animación y artista de gráficos por computadora. Y lo primero que se le pedirá al ingresar es que proporcione trabajos creativos de acuerdo con el camino elegido para su vista previa. Como regla general, estos son dibujos: un retrato y una figura humana, pintura: un retrato con las manos, composiciones. Quienes superen esta selección podrán Examen de admisión. Los exámenes de la especialidad se realizan en talleres (con la participación de asistentes) durante varios días. Los artículos especiales incluyen:

• dibujo (dos tareas): retrato y figura desnuda de pie (sobre papel con lápiz grafito); el documento se emite directamente en el lugar o el solicitante utiliza el suyo propio, marcado con el sello del comité de admisiones;
• pintura: un retrato de las manos de un modelo sentado (sobre lienzo con pinturas al óleo o témpera, gouache, acuarela, al ingresar en la Facultad de Gráfica); el solicitante deberá traer consigo un lienzo de hasta 70 cm en el lado mayor;
• composición: el trabajo sobre un tema determinado puede realizarse en cualquier técnica.

Luego se revisan los exámenes y se asignan las calificaciones. Si el número de puntos obtenidos es suficiente para aprobar el concurso, se le pedirá que escriba un ensayo sobre un tema determinado, historia (oralmente), historia de la cultura artística rusa y, en algunos casos, una lengua extranjera. Si aun así no logras inscribirte en un departamento a tiempo completo, tienes a tu disposición departamentos remunerados, cuyo coste medio de estudio a veces alcanza entre 4.500 y 5.000 dólares.

Direcciones universitarias

Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V. I. Surikov: Facultad de Pintura, Escultura y Teoría de las Bellas Artes; Moscú, carril Tovarishchesky, 30 (estaciones de metro "Taganskaya", "Marksistskaya");

Facultad de Gráfica y Arquitectura: Moscú, calle Lavrushinsky, 15 (edificio frente a la entrada de la Galería Tretyakov, estaciones de metro "Novokuznetskaya", "Tretyakovskaya").

Universidad de Arte e Industria de Moscú que lleva el nombre. S. G. Stroganova: Moscú, Volokolamskoe sh., 9 (estación de metro "Sokol").

Academia Rusa de Pintura, Escultura y Arquitectura: Moscú, st. Myasnitskaya, 21 (estación de metro "Chistye Prudy"); Calle Kamergersky, 2 (estación de metro "Okhotny Ryad").

Instituto Estatal de Cinematografía de toda Rusia que lleva el nombre. S. A. Gerasimova: Moscú, st. Wilhelm Pieck, 3 (estación de metro "Jardín Botánico").

Instituto Académico Estatal de Pintura, Escultura y Arquitectura de San Petersburgo que lleva el nombre de I. E. Repin: San Petersburgo, terraplén Universitetskaya, 17 (estación de metro "Vasileostrovskaya").

Calificación de universidades de arquitectura y arte.

Ministerio de Educación y Ciencia Federación Rusa aprobó la calificación de las instituciones de educación superior en función de los resultados de sus actividades. La recopilación de datos para determinar el ranking de universidades y especialidades se lleva a cabo desde mediados del año académico 2004.

Al determinar la calificación se tuvieron en cuenta muchos parámetros: la calidad del profesorado, el número de estudiantes diferentes formas formación, la presencia de estudiantes de otros países; volumen investigación científica, actividades editoriales, dotación de dormitorios, dispensarios, etc.

El sistema educativo general de educación artística se basó en la enseñanza del dibujo, ya que escribir jeroglíficos requería ciertas habilidades. La formación en dibujo se estructuró en dos direcciones: desarrollar la técnica del movimiento libre de las manos y la firmeza en la realización de relieves y la escritura de papiros. El método principal es copiar y memorizar. El sistema educativo tenía estrictos requisitos disciplinarios. Aunque sólo las capas privilegiadas de la sociedad egipcia podían recibir educación, se practicaban castigos corporales (pasaban 3 meses en el cepo). La formación profesional, por un lado, era de carácter tribal, cuando los secretos de la artesanía se transmitían de padres a hijos, y por otro lado, se organizaban escuelas de formación profesional. La principal escuela profesional de bellas artes fue la Escuela de Arquitectos y Escultores de la Corte de Memphis. Durante la época de Ramsés II y su sucesor, existía en Egipto un instituto para artistas, donde los estudiantes podían elegir a sus profesores. La metodología de enseñanza en semejante institución educativa quedó destrozada en las mesas que servían instrucciones metodológicas con ejecución de obra paso a paso. En particular, se utilizó una técnica como la construcción de una figura humana en una cuadrícula. Esto no fue solo un intento de ampliar la imagen, sino un prototipo de una cuadrícula modular, que permitió ampliar la imagen, construir una imagen frontal y lateral, ya que la intersección de las líneas de la cuadrícula se produjo en ciertas conexiones nodales. El dibujo se construyó desde cualquier lugar a lo largo de esta cuadrícula. La imagen se reveló no a partir de la definición de la forma general, sino de la preparación mecánica de cálculos de proporciones. En la enseñanza de la escultura se utilizó el método estándar y el método de la obra inacabada como ayuda visual para comprender las etapas del trabajo. De este modo, se adopta un enfoque sistemático para la enseñanza de las bellas artes, se ha sentado una base teórica para la práctica de las bellas artes y se han establecido por primera vez las leyes de representación y formación de los futuros artistas. No se ha establecido si existió una teoría del proceso de aprendizaje (didáctica). Sin embargo, hubo trabajos pedagógicos (autor Tauf). La educación no se basó en el estudio de la realidad circundante, sino en la memorización de cánones establecidos. Las bellas artes en Egipto ya eran una disciplina de educación general. Conferencia No. 4 “El sistema de educación artística en Antigua Grecia" El arte de la Antigua Grecia es el estrato más importante de la historia del arte mundial. Las obras creadas durante este período sorprenden a los contemporáneos por su proporcionalidad, realismo, armonía con ambiente. Por tanto, existe un interés natural por el sistema de educación artística, que, a su vez, es una etapa importante en la historia del desarrollo de la educación artística en su conjunto. Los cambios fundamentales en el sistema educativo de la antigua Grecia están asociados, en primer lugar, con un cambio en la cosmovisión y, como consecuencia, con un cambio en la religión y la conciencia social en el marco de la misma formación económica esclavista. Panteón dioses griegos, a diferencia de los zoomórficos egipcios (posteriormente con cuerpos humanos), era antropomorfo. La otra vida se imaginaba por analogía con la realidad. Y la preparación para la transición a otro mundo no fue tan agotadora. En general, la cosmovisión de los antiguos griegos era de naturaleza humanista, dirigida a identificar los patrones de la realidad y la belleza. cuerpo humano Se consideraba el estándar de armonía, es decir, la proporcionalidad de las partes con respecto al todo. Este ideal estético se expresa en las palabras de Pericles 12 (el antiguo estratega griego que dirigió Atenas durante su apogeo): “Amamos la belleza combinada con la sencillez y la sabiduría sin afeminamiento”. Sin embargo, todo lo nuevo creado por los griegos tiene un fundamento. Y esta base es el arte egipcio. Los artistas griegos desarrollaron un sistema de cánones y métodos de escultura desarrollados en Egipto. Por ejemplo, los hermanos Telecles y Teodoro de Samos, que vivían en diferentes ciudades, asumieron la tarea de cumplir el encargo de los samios de una estatua de Apolo de Pitia. Independientemente uno del otro, cada uno hizo su mitad de la estatua con tanta habilidad que, cuando se unieron, ambas mitades se unieron. Este exitoso progreso del trabajo se vio facilitado por la adherencia al método egipcio de trabajar en una obra escultórica. Posteriormente, los griegos adoptaron un nuevo enfoque ante el problema de la formación y la educación. El realismo es la base del arte griego. Los artistas argumentaron que en el mundo reina un patrón estricto y que la esencia de la belleza radica en la armonía de las partes y el todo, en proporciones matemáticas correctas. En 432 a.C. Policleto de Sición escribió un ensayo sobre las leyes proporcionales de la construcción del cuerpo humano y, por primera vez en la historia, resolvió el problema de la congestión. La imagen del cuerpo humano se ha vuelto natural y realista. “Doriphorus” (lancero) destaca como un ejemplo de ejecución de escultura según los nuevos cánones. Los dibujos de esta escultura fueron hechos no sólo por futuros profesionales, sino también por niños de escuelas secundarias. Otro gran escultor de los clásicos tardíos, Praxíteles, creó su propio canon, en el que las proporciones del cuerpo estaban algo alargadas en relación al canon de Policleto. Conocemos los métodos de enseñanza de este período por los trabajos teóricos posteriores de los historiadores romanos Plinio, Pausanio y Vetruvio, así como por los artefactos conservados. Además, no quedan muchos artefactos del arte griego de caballete: la escultura nos ha llegado principalmente en copias romanas, que no transmiten toda la profundidad del arte griego antiguo; los artefactos de pintura también son pocos. Historia de la primera desarrollos metodológicos en las bellas artes de la Antigua Grecia se asocia con los nombres de Polignoto y Apolodoro de Atenas. Polignoto, habiendo formado un círculo de artistas en Atenas, donde recibió derechos de ciudadanía, comenzó su actividad docente. Instó a los artistas a luchar por la realidad. Sin embargo, sólo dominaba el dibujo lineal, sin representar luces ni sombras. Pero aquí también la línea funcionó para transmitir espacio. Plinio escribe: “Polignoto... que pintaba mujeres con ropas traslúcidas, se cubría la cabeza con gorros de colores y fue el primero en introducir muchas cosas nuevas en la pintura, en cuanto empezó a abrir la boca, mostrar los dientes y dar variedad en lugar del rostro inmóvil anterior”. Aristóteles señaló que Polignoto transmitía idealmente la forma del cuerpo humano y dibujaba modelos de tamaño natural. Sin embargo, el cuadro parecía un dibujo pintado en monocromo. La verdadera revolución en el campo del dibujo y los métodos de enseñanza se atribuye a Apolodoro de Atenas, a quien Plinio se refiere como la “luminaria del arte”. El mérito de Apolodoro radica en que fue el primero en introducir el claroscuro y comenzó a modelar el volumen de una forma en un dibujo. Esto fue considerado un milagro. Existía la necesidad de otros métodos de enseñanza que consideraran los patrones de distribución de luces y sombras en relación con la fuente de luz. La pintura empezó a basarse en el juego de calidez y frialdad. Apolodoro no sólo fue un artista talentoso, sino también un excelente maestro. Uno de sus alumnos fue Zeucis (420-380 a. C.). En uno de sus epigramas, Apolodoro lo llamó “el ladrón de mi arte”. El método de Zeukis se basaba en un estudio detenido de la naturaleza, comprendiendo las leyes de la belleza a través de la observación. Existe la leyenda de que Zeukis pintó a un niño cargando uvas. 14 pájaros acudieron en masa a las uvas, por lo que fue dibujada hábilmente. Y el maestro se molestó: "Si hubiera representado al niño con tanta habilidad, los pájaros no habrían volado, se habrían asustado". Es famosa la rivalidad entre Zeucis y otro artista importante, Parrasio. Plinio escribe: “Se dice que Parrasio entró en competencia con Zeucis. Zeukis trajo un cuadro en el que las uvas estaban tan bien representadas que los pájaros acudían en masa. Parrasio trajo un panel pintado de manera tan verosímil que Zeucis, orgulloso del veredicto de los pájaros, comenzó a exigir que se retirara el panel y se mostrara el cuadro. Y luego se dio cuenta de su error y renunció a la palma bajo la influencia de una noble vergüenza”. Parrasio también se mostró como un artista-teórico, escribiendo un tratado sobre dibujo, en el que prestó especial atención a la línea y su trabajo en la creación de la ilusión del espacio. “Después de todo, el contorno debe consistir en su propia línea y terminar de tal manera que insinúe lo que está oculto. Rasgos característicos de su enseñanza: - claridad en la transmisión de los contornos de los objetos; -linealidad en la transmisión de la forma de los objetos; -trabajo activo de la naturaleza; -combinación de dibujo altamente técnico con conocimiento de las leyes de la construcción realista del cuerpo humano; - dominio de los medios de dibujo de luces y sombras; -el deseo de transmitir el realismo de la imagen, alcanzando un fin en sí misma. En el siglo IV a.C. mi. Hubo varias escuelas de dibujo famosas: Sikyon, Éfeso, Tebana. La escuela tebana, fundada por Arístides, concedía importancia a los efectos de luces y sombras, a la transmisión de sensaciones e ilusiones. La escuela de Efeso, Efranor o Zeukis, se basó en la percepción sensorial de la naturaleza, su belleza externa. 15 La escuela de Sición, fundada por Eupompus, se basó en datos científicos de las ciencias naturales y se adhirió estrictamente a las leyes de la representación de la naturaleza real. Esta escuela exigía la mayor precisión y rigor en el dibujo. Ella influyó en el desarrollo posterior de las bellas artes. Eupompus (400-375 a.C.) fue un destacado maestro y pintor. Animó a sus alumnos a estudiar las leyes de la naturaleza basándose en datos científicos, principalmente matemáticos. es fundamentalmente Nuevo método– observación + análisis. Alumno Eupompus - Panfil dio gran importancia El dibujo como asignatura de educación general, ya que al dibujar una persona no solo transmite la forma de un objeto, sino que también aprende su estructura. Panfil trabajó mucho en el campo del contacto entre el dibujo y la geometría, ya que creía que esta última desarrolla el pensamiento espacial. En la puerta de su escuela estaba escrito: “Aquí no se permiten personas que no sepan geometría”. La duración del entrenamiento de Panfil fue de 12 años y costó un talento (26,196 kg de oro). Hacia el siglo IV a.C. mi. Los artistas griegos antiguos comenzaron a desarrollar la teoría de la perspectiva. Sin embargo, tenía poco parecido con el creado por Phillippo Brunelleschi (con un punto de fuga). Lo más probable es que se trate de una percepción perceptiva de la realidad. Así, en la historia del arte de Europa occidental aparecieron y aún existen hoy dos direcciones: el dibujo a partir de una mancha de color y el análisis constructivo de la forma. Los maestros de la antigua Grecia animaban a sus alumnos a estudiar la naturaleza sobre una base científica, dando preferencia al conocimiento más que a los impulsos de inspiración. Por eso, aprender a dibujar era de suma importancia. Los estudiantes pintaron principalmente sobre tablillas de haya cubiertas con cera, una barra de metal o hueso. Las escuelas de arte de la Antigua Grecia son talleres-estudio privados que recuerdan en principio a los talleres privados del Renacimiento. 16 Resultado: - nuevos métodos de enseñanza, basados ​​en el dibujo de la vida; - la tarea de un dibujante no es sólo copiar objetos, sino también comprender las leyes de su construcción; - el dibujo en la escuela secundaria como herramienta para comprender la realidad circundante; - desarrollo de cánones para construir el cuerpo humano según las leyes de la realidad visible el conocimiento científico; - el hombre es la corona de la belleza, todo en él es proporcionado y armonioso, “El hombre es la medida de todas las cosas” (Heráclides). Conferencia nº 5 “Educación artística en la Antigua Roma” El patrimonio artístico es significativo por su valor para la cultura mundial. Pero tiene un carácter diferente al griego. Se trata de la cosmovisión de los romanos. Ellos, como los griegos y los etruscos, eran paganos, pero su religión, y por tanto su imaginación artística, era más prosaica que la griega y su visión del mundo más práctica y sobria. Los romanos crearon su propio teatro maravilloso, comedias agudas, memorias, desarrollaron un código de leyes (el derecho romano fue la base de toda la jurisprudencia europea), nuevas formas en la arquitectura (el descubrimiento del hormigón dio nuevas posibilidades constructivas para la construcción de edificios gigantes y techos abovedados) y bellas artes (relieve histórico, retrato escultórico realista, escultura estatuaria, interesantes ejemplos de pintura monumental). Después de la conquista de Grecia por Roma, se inició un conocimiento más estrecho del arte griego, que los romanos veneraban como modelo. “El conquistador ignorante fue conquistado por el arte de un pueblo conquistado”. 17 En el siglo II. antes de Cristo mi. El griego era común en la alta sociedad. Obras de arte griego llenaron edificios públicos de Roma, edificios residenciales y villas de campo. Luego, además de los originales, aparecieron muchas copias de las famosas obras griegas de Mirón y Fidias. Escopas, Praxíteles, Lisipo. Pero la inspiración poética del arte griego, la actitud misma hacia el artista como el elegido de los dioses que le dotó de talento, nunca existió en Roma. De ahí el sistema de educación artística, que sólo proporcionaba las habilidades de un artesano de clase alta, un copista. De hecho, entre las pulidas copias mecánicas, la escultura griega original parece tan viva en su juego de planos que parece una ligera brisa en un día caluroso. Roma no introdujo nada fundamentalmente nuevo en la metodología de enseñanza de las bellas artes. Aunque se consideraba que se dedicaba a las bellas artes en buena forma y en la alta sociedad romana. Pero esto no fue más que un homenaje a la moda. Por tanto, el pensamiento utilitario de los romanos no tuvo el mejor efecto en el desarrollo de la educación artística en este país. Conferencia nº 6 “Métodos de trabajo en el arte medieval” El arte medieval es una etapa especial en el desarrollo artístico mundial. Una de sus características principales es su estrecha conexión con la religión, sus dogmas y, por tanto, el espiritismo y el ascetismo. La religión y su institución social, la iglesia, fueron una poderosa fuerza ideológica, el factor más importante en la formación de toda la cultura feudal. Además, la iglesia era el principal cliente del arte. Por último, no debemos olvidar que el clero era la única clase educada en aquella época. Por tanto, el pensamiento religioso dio forma a todo el arte medieval. Sin embargo, 18 esto no significa que las verdaderas contradicciones de la vida no encontraron expresión en el arte medieval, que los artistas medievales no se esforzaron por buscar la armonía. La estructura figurativa y el lenguaje del arte medieval son más complejos y expresivos que el arte de la antigüedad; transmite el mundo interior del hombre con mayor profundidad dramática. Expresa más claramente el deseo de comprender las leyes generales del universo. El maestro medieval buscó crear una imagen artística grandiosa del mundo en la arquitectura, la pintura monumental y la escultura que adornaban los templos medievales. Pero en el propio sistema artístico, en el método artístico del arte medieval, había una limitación inherente, que se reflejaba principalmente en las convenciones extremas, en el simbolismo y alegorismo del lenguaje figurativo, al que se refería la transmisión veraz de la belleza del cuerpo físico. sacrificado. Los logros del arte realista de la antigüedad quedaron relegados al olvido. Ghiberti escribió: “Entonces, durante la época del emperador Constantino y el Papa Silvestre, prevaleció la fe cristiana. La idolatría fue sometida a la mayor persecución, todas las estatuas y cuadros de la mayor perfección fueron rotos y destruidos. Así, junto con las estatuas y pinturas, perecieron los rollos y registros, dibujos y reglas que daban instrucciones a tan sublime y sutil arte”. Las bellas artes se construyeron sin depender de la ciencia, sólo de la atención y el ojo fiel del artista. La fisicalidad se conservó únicamente tomando prestadas imágenes del arte antiguo (Orfeo, la imagen del joven Cristo Pastor). Sin embargo, estos préstamos no duraron mucho. La imagen del Cristo joven fue reemplazada por el culto al anciano con su propia estructura figurativa. La base de la formación durante este período es la copia mecánica. Sin embargo, en el arte medieval existía un sistema que intentaba encontrar ciertos patrones en la construcción de la imagen. Este es el sistema Villars de Honnecourt. Su esencia radica en la construcción de cálculos matemáticos abstractos, la búsqueda de patrones geométricos, la cabalística de los números, y no en la búsqueda de patrones en la estructura de las formas naturales. El arte bizantino se distinguió por una mayor canonicidad en comparación con el arte de la Europa medieval. Y aquí practicamos trabajando a partir de muestras. Un trabajo interesante sobre los métodos de las bellas artes de Bizancio ha sobrevivido hasta el día de hoy. Se trata de “Erminia, o Instrucciones en el arte de pintar” 1701-1745, escrita por el monje athonita Dionisio de Fourna (Furnographiot). Contiene muchos datos sobre el oficio de pintor (cómo hacer una copia, carbones, pinceles, colas, imprimaciones, instrucciones detalladas sobre el método de pintar caras, ropa) y mucho más. Por ejemplo, sobre cómo hacer copias: “...pega el papel empapado en aceite en los cuatro bordes del original; hacer pintura negra con una pequeña cantidad de yema y con ella delinear cuidadosamente el diseño y aplicar sombras; luego prepara el blanco y rellena los huecos y utiliza el blanco más fino para marcar las zonas claras. Entonces saldrá un contorno de la imagen, porque el papel es transparente y a través de él son visibles todas las características del original”. Otro ejemplo de copia: “Si en el reverso del original no hay ni dibujo ni mancha, entonces ponle papel sin engrasar, sostenlo a contraluz contra la ventana... y, viendo todos los rasgos, dibuja con cuidado ellos en tu papel, y marca la luz con pintura roja " Entonces, en la Edad Media: - el principal método de enseñanza era la copia de muestras, lo que contribuyó al desarrollo del trabajo artesanal; - proceso de aprendizaje - Trabajo independiente como parte de un artel de artesanos. 20

ESCUELA LYUDMILA VALENTINOVNA

Doctor en Ciencias Pedagógicas, Profesor, Académico de la Academia de Educación de Rusia, Director del Instituto de la Institución Científica del Estado Federal
educación artística" RAO; Moscú

Anotación:

El artículo destaca el estado actual. educación rusa en el campo de diversos tipos de arte, da una idea general de la nueva dirección conocimiento humanitario– pedagogía del arte, describe los principios de la didáctica artística (asociatividad, variabilidad, imaginería, improvisación). El autor destaca características comunes pedagogía del arte, revela consistentemente los principales enfoques existentes para la educación de la generación joven a través del arte (monoartístico, poliartístico, universal, etc.).

En la Conferencia Mundial sobre Educación Artística en Seúl (mayo de 2010
año) se inició la investigación en el campo de la educación a través de las artes. EN
Actualmente en Rusia, así como en algunos otros países de la CEI, se han preparado
Conceptos de educación a través del arte, que son la base fundamental para
más investigaciones en esta área. Una dirección prometedora dentro
cooperación internacional con la Oficina de la UNESCO en Moscú, países de la Commonwealth
Estados Independientes, Moscú Universidad Estatal cultura y
el arte es la realización proyecto a largo plazo sobre la creación y desarrollo de “Web-
Observatorio de Educación Artística en los países de la CEI." observatorio web
es un portal web que proporciona principalmente acceso a
Bases de datos nacionales de información sobre educación artística en
países participantes.
El Observatorio Web implica un seguimiento sistemático del desarrollo
educación artística en Rusia, cerca y lejos en el extranjero y será
contribuir al apoyo de la diversidad cultural y el patrimonio cultural, más
inclusión intensiva del arte en la educación de niños y jóvenes en todos los niveles,
difusión de enfoques innovadores en educación y, en última instancia, aumentar su
calidad.
La Hoja de ruta para la educación artística de la UNESCO enumera una serie de
principios de construcción de la educación en el campo del arte. La gente suele preguntar qué significa
¿Se llama esto una “hoja de ruta”? Hace poco escuché el término del Primer Ministro
Federación de Rusia, esto se refería al ámbito económico. Para mí es un plan, una estrategia, un plan, una acción.
mucho trabajo cotidiano que conducirá a resultados artísticos.
La educación será en realidad uno de los mecanismos más importantes para transmitir todas las
sistemas de valores espirituales, preservación y reproducción de tradiciones culturales.
En la teoría y la práctica de la educación artística rusa moderna.
Ha surgido una nueva dirección en las humanidades: la pedagogía del arte. Bajo
Se entiende por “pedagogía del arte” la pedagogía que desarrolla creativamente, abarcando
teoría y práctica de la educación estética y la educación artística. Pedagogía
El arte como campo independiente se formó a lo largo del siglo XX gracias a los esfuerzos de
investigadores y artistas que propusieron ideas humanistas de “educación a través
arte”, “formación de una cultura de la personalidad creativa”, “despertar
humano en el hombre”, “introducción al arte como cultura espiritual”, etc.
Sin negar la importancia de la didáctica general que regula la educación.
proceso, los creadores de la pedagogía del arte propusieron los siguientes nuevos principios,
Principios de la didáctica artística:
- asociatividad, proveniente de la característica inherente al arte de generar en
en la conciencia humana, fenómenos derivados de ideas, imágenes y significados percibidos;
- la improvisación como un lado inesperado y creativamente transformador
organización del proceso de aprendizaje;
- imágenes que ayudan a revelar los fenómenos de la realidad artística en
su profundidad e integridad;
- variabilidad como un cambio consistente en el plan durante la implementación
imágenes artísticas.
Pero quiero enfatizar que está surgiendo una nueva dirección, la pedagogía del arte.
basado en el desarrollo de las principales escuelas científicas: “Teoría y práctica del arte
educación y desarrollo" (A. V. Bakushinsky); "Aprendizaje integrado y
educación poliartística" (B. P. Yusov); “El arte como parte de la cultura espiritual
humanidad" (D. B. Kabalevsky, B. M. Nemensky); "Teoría de la educación estética"
(A.I. Burov); “Educación teatral (Yu. I. Rubina, P. M. Ershov) y
educación cinematográfica" (Yu. N. Usov).
La presencia en las escuelas científicas de representantes de diferentes direcciones, con sus propios
estilo creativo individual, sistema de ideas e ideas innovadoras en relación con
El problema de la formación de la cultura artística humana como parte de su espiritual.
cultura, permite una comprensión y una conciencia más profundas de los requisitos metodológicos
formación de escuelas, amplía las ideas sobre las raíces históricas de ciertos
fenómenos de la cultura y el arte nacionales. Se destacan las características comunes de la pedagogía.
artes que se desarrollan en los laboratorios de investigación del Instituto: estas son
conceptual, científico, artístico.
La conceptualidad se expresa, en primer lugar, en el abordaje artístico.
La educación como parte integral y absolutamente obligatoria de la cultura espiritual.
persona, cuando las opiniones de una persona sobre el arte no pueden separarse de las opiniones sobre
vida.
La cientificidad reside principalmente en la forma de considerar el arte.
y problemas de la vida mediante un método adecuado a la naturaleza del conocimiento humano,
que surgen de la naturaleza y leyes del art. De ahí la necesidad
Formación de un nivel de pensamiento filosófico entre los escolares.
El arte se manifiesta como un enfoque dictado por la esencia de sí mismo.
el objeto en estudio (conocible); como principio rector para la selección de contenidos y
fundamentos metodológicos para su divulgación; como principio organizador, manifestado en
unidad orgánica de contenidos y formas de educación artística.
En escenario moderno desarrollo de la educación artística rusa
Se destacan sus principales enfoques.
El enfoque monoartístico se basa en el estudio general y en profundidad.
tipos individuales de arte (música, bellas artes, coreografía, etc.) en
dentro del currículo obligatorio o en actividades artísticas extraescolares.
Este enfoque se implementa en el sistema de educación secundaria general, música,
escuelas de arte, coreográficas, instituciones de educación secundaria y superior.
educación vocacional.
Un enfoque poliartístico, es decir, holístico, de la enseñanza, cuando está en el centro.
proceso no es objeto de estudio (música, bellas artes, palabra
etc.), sino el propio niño, con el carácter poliartístico inherente a la infancia. clases en
En el marco de este enfoque, asumen el desarrollo armonioso de una persona en crecimiento con
Con ayuda diferentes tipos la creatividad de los niños: musical, visual,
teatral, coreográfico, etc. Esto estimula el desarrollo de la creatividad.
la imaginación de los niños, que es un requisito previo para futuras actividades educativas. EN
Actualmente, este enfoque se utiliza más ampliamente en instituciones preescolares.
educación y escuela primaria.
Un tercer enfoque de la educación artística cada vez más
relevancia en la actualidad, basada en el uso del arte como método
Enseñanza de materias de humanidades, ciencias naturales y matemáticas.
direcciones. Un ejemplo de una aplicación generalizada de este enfoque es la percepción
obras de arte musical y visual, acceso a las páginas
biografías de destacados científicos nacionales y mundiales: físicos, biólogos,
fisiólogos y otros que buscaron apoyo y terreno para nuevas ideas en el arte,
ideas y experimentos.
Al estudiar lenguas nativas y extranjeras, se utiliza activamente.
método de entonación, derivado de la teoría de la entonación. Esta teoría pasa factura
los fundamentos de la música, el arte de la palabra y el arte del movimiento, cuya clave es
la entonación como portadora de significado figurativo. Este enfoque se vuelve innovador en
práctica de docentes-innovadores, docentes-investigadores.
El más prometedor es el cuarto enfoque artístico.
educación, que puede presentarse como un método universal de la Escuela del Futuro.
La esencia del enfoque es enseñar todas las materias académicas en un solo
contexto cultural e histórico y basado en patrones generales y parentesco.
conocimiento científico y artístico.
En este caso, el arte no es ilustrativo con fines educativos.
disciplinas no relacionadas con el arte, sino que se convierten en un proceso y un resultado
comprensión de cualquier fenómeno cultural (espiritual, material) y la naturaleza de este
fenómenos que dieron origen a leyes físicas, químicas, biológicas y de otro tipo. Y luego
La generación más joven está desarrollando una imagen holística del mundo en toda su diversidad y
unidad. Este método encuentra su implementación en la práctica del individuo.
Instituciones educativas de tipo innovador asociadas a la activación.
potencial creativo y talento infantil en general, donde en el proceso de experimentación
La actividad confirma la alta eficacia de la idea de su aplicación.
LITERATURA
1. Lazarev M.A. 2013. Sobre la cuestión de la relación entre el conocimiento filosófico y figurativo del mundo. - Humanitario
espacio. Almanaque internacional. 2(4): 666-674.
2. Escuelas científicas de pedagogía del arte: monografía. Parte I. / editado por: LG Savenková. – M.: Editorial
RAO, 2008.
3. Humanitarización de la educación en la práctica de las instituciones educativas. Colección de artículos / Departamento
educación de la ciudad de Moscú; [ed.-comp. E.A. Ermolinskaya, ed. LG Savenková]. – Moscú: Intellect-Center,
2014.

PROBLEMAS DE LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA

Profesor Titular del Departamento

métodos de enseñanza para bellas artes y artes creativas

El estado actual de la educación artística en Rusia no está determinado por la escasa financiación o la inercia de ciertas normas o esquemas administrativos y legales; todo esto es sólo una consecuencia o síntoma de la enfermedad. No debemos empezar por ellos, sino por la razón principal: una actitud profundamente errónea, ignorante e inexplicable para la tradición cultural rusa de la sociedad y las autoridades hacia la cultura artística y la educación artística en general. En un país donde la cultura artística ha sido tradicionalmente el ámbito de encarnación de los valores espirituales y morales, el autoconocimiento y la superación personal de una persona, se ha establecido exactamente la actitud opuesta hacia ella. Adquiere en la conciencia pública el estatus de una especie de “postre”, una decoración opcional. vida real, se percibe como un detalle que no tiene un significado serio en la vida. Esta actitud hacia la cultura crece rápidamente en condiciones de pragmatismo extremo, la omnipotencia del mercado, la formación activa de la "conciencia de mercado" de una persona y deforma el arte profesional mismo. Pero toda la historia de la humanidad atestigua que el fenómeno que llamamos arte, o cultura artística, es un componente integral de la forma humana de existencia en el mundo. Y su degradación, la pérdida por parte de las nuevas generaciones de la comprensión de su valor vital, la pérdida de responsabilidad por su preservación, desarrollo y “traducción” al futuro es un camino directo a la deshumanización de esta sociedad. Lo cual puede ir de la mano de la “competencia” en muchos otros sentidos.

Los principales problemas de la educación artística en Rusia se pueden dividir en dos grandes grupos: organizativos y metodológicos.

Las razones organizativas están relacionadas con la enseñanza de la cultura artística y el arte, desde la educación preescolar hasta la educación en las universidades.

En las condiciones de la actitud predominante hoy hacia la cultura artística, el ciclo correspondiente de las disciplinas escolares se encuentra inevitablemente en el tercer lugar: tanto en términos del estatus de los docentes como en términos del tiempo que se le asigna, y desde el punto de vista de en vista de la preocupación por su equipamiento, por su presencia real, no nominal, en una escuela en particular, y en relación con ella, todos los participantes y líderes del proceso educativo. Se sabe que durante mucho tiempo los niños han percibido las clases de arte como opcionales y sin importancia.

Evidentemente, de forma espontánea u organizada, la educación artística del niño comienza antes. Además, desde un punto de vista psicológico, la edad de 5 a 6 años es la más sensible para iniciar estudios artísticos sistemáticos, y precisamente a esta edad se sientan las bases para un mayor desarrollo artístico. En los programas de jardín de infantes, el arte, al menos desde un punto de vista formal, ocupa el lugar que le corresponde. Sin embargo, la brecha entre jardines y nivel alto equipo y enseñanza y la mayor parte del resto, donde en la implementación formal del programa, los niños en realidad no son introducidos a las artes. Además, a los jardines de infancia, debido a su ausencia o escasez, asiste en promedio alrededor del 50% de los niños en Rusia.

De acuerdo con el componente federal del estándar estatal condicionalmente vigente de educación primaria y general básica (2004), se asigna 1 hora por semana a las materias de educación artística: significativamente menos que en los países definidos como países con un nivel promedio de desarrollo y aproximadamente 2,5 veces menos que en los “países altamente desarrollados” que tanto ansiamos emular en tantos otros aspectos. Se puede afirmar que el arte está presente en la escuela al nivel del “mínimo biológico”, incluso si nos referimos a estándares y planes de estudio, y no a la realidad escolar. En la práctica, no todas las escuelas imparten regularmente bellas artes y música y, a menudo, las imparten personas que no son especialistas. Al mismo tiempo, como ya se mencionó, existe obviamente un deseo insaciable de la dirección educativa de acortar el ciclo artístico o desplazarlo al campo de la educación adicional. Sería imposible reconciliarse con esto último incluso si la educación artística adicional fuera universalmente accesible, de alta calidad y gratuita, ya que en una sociedad que pretende tener un cierto nivel de espiritualidad y cultura, cada persona debería recibir los fundamentos del desarrollo artístico, y En ningún otro lugar, excepto en la escuela integral, es imposible garantizar esto. En cuanto a la calidad de la educación artística adicional (y básica) en todo el país, suscita serias dudas, dado el "antecedentes culturales" de toda Rusia: dos tercios de las aldeas no tienen instituciones culturales y sus residentes carecen de recursos. de cualquier oportunidad de encontrar arte vivo; en algunas ciudades hay teatro infantil, etc., etc.

Considerando el segundo grupo de problemas de la educación artística, cabe señalar que la paradoja de la situación radica en el hecho de que, aunque estamos a la zaga de los países desarrollados en parámetros mensurables, sin reconocer realmente su valor para los individuos y la sociedad, tenemos desarrollos teóricos, logros metodológicos y programas educativos específicos de alto nivel mundial. Algunos de ellos (por ejemplo, sistemas y) se han generalizado. Esto es bueno, pero también tiene un inconveniente: las cualificaciones tradicionales insuficientes o unilaterales de un docente pueden llevar al descrédito de los nuevos idea pedagógica. La difusión de otros sistemas, por el contrario, es muy pequeña. Así, según programas de educación para el desarrollo científicamente fundamentados y probados en la práctica (G. Kudina, Z. Novlyanskaya, Yu. Poluyanov), funcionan decenas, en el mejor de los casos “pequeños cientos” de escuelas rusas; Esto también se debe en gran medida a la falta de preparación del profesorado para trabajar con métodos innovadores. A veces surgen dificultades con la publicación de tales desarrollos, ya que el derecho a un voto decisivo en estos asuntos a menudo se otorga a los autores de programas competidores o a expertos que obviamente ocupan una posición diferente, incluso opuesta, en pedagogía. Un obstáculo inesperado para la educación artística, especialmente literaria, fue creado por la Ley de Derecho de Autor, que de hecho priva a los autores y editores de libros de texto y material didáctico de la oportunidad de presentar a los niños las mejores obras literatura infantil moderna, como ocurre con muchos ejemplos de creatividad visual y musical. Esta cuestión requiere una solución inmediata, que se manifiesta, en primer lugar, en la devolución de los beneficios que ya existían a las publicaciones pedagógicas.

Debemos prestar atención a la siguiente paradoja: la educación artística, a la que se le da la posición de un contrapeso opcional, o incluso gravoso, resuelve una serie de problemas que la escuela y la sociedad consideran los más importantes, pero que no pueden resolver. Es bien sabido que la educación escolar se basa casi exclusivamente en el desarrollo de conceptos abstractos, diagramas, signos convencionales, relaciones numéricas, etc. Y, contrariamente a las características de edad de los niños en edad de asistir a la escuela primaria, ignora y devalúa la capacidad del niño. experiencia sensorial directa como algo "insignificante". Classes de arte, creatividad artística se basan en la experiencia sensorial integral del niño, en su interés por el tema de la percepción directa. Y esta propiedad del niño actúa no sólo como característica de edad y especialmente no como un obstáculo para el desarrollo del pensamiento abstracto, sino como un valor insustituible que está sujeto a un mayor desarrollo y mejora en el proceso de la creatividad artística, que puede preservar la integridad del desarrollo mental del niño.

La educación general racionalizada ignora la esfera de los sentimientos de una persona en crecimiento y deja su desarrollo emocional y moral al azar. Esto está plagado de "embotamiento emocional", una falta de sensibilidad hacia otra persona y hacia la naturaleza, la dictadura de un intelecto estrechamente entendido que no distingue entre el bien y el mal. Las consecuencias de tal transformación de una persona en un "robot competente" son bastante obvias. En la educación general secular, sólo el ciclo humanitario y artístico puede mantener constantemente el alma humana en el centro de atención, enriquecer la vida emocional del niño, despertar la capacidad de respuesta espiritual, desarrollar la moral y los valores, y no solo esfera intelectual. Una educación artística completa preserva la integridad del desarrollo personal del niño. El problema más importante educación moderna Se reconoce el desarrollo de la creatividad y la “creatividad” de los estudiantes. El enfoque habitual de este problema es puramente pragmático: la creatividad es útil para una persona y el país del que es ciudadano, para el “éxito”, la competitividad, etc. De hecho, la cuestión es mucho más profunda. La necesidad de creatividad es una característica integral de una persona con un desarrollo normal, que no puede reducirse a resolver ningún problema pragmático particular. La falta de creatividad en las escuelas modernas y la falta de experiencia positiva de la libre creatividad por parte del niño distorsionan el proceso normal de desarrollo de la personalidad. Esto está plagado de crisis personales impredecibles y manifestaciones asociales, incluso los llamados crímenes inmotivados. Nota también: es la falta de creatividad lo más probable razón principal ese hecho aparentemente paradójico de que el éxito escolar de los niños no aumenta de año en año, sino que disminuye. Es en el campo del arte donde un niño puede adquirir una experiencia creativa temprana, exitosa y completa: la generación e implementación de sus propias ideas. Una experiencia indispensable para el desarrollo de la autoconciencia, el sentido de sí mismo de la persona en el mundo y que le ayudará en el futuro a ser “creativo” en cualquier campo de actividad. Una de las tareas urgentes de la educación es la transición de un enfoque “basado en el conocimiento” a uno “basado en competencias”. En la educación artística, este problema se resuelve "por sí solo", ya que el arte no es un área de conocimiento abstracto, sino principalmente un área de creatividad práctica. El arte se ha utilizado con éxito durante mucho tiempo como una poderosa herramienta terapéutica; Esto por sí solo garantiza su beneficioso efecto preventivo sobre la salud de los niños. EN Instituciones educacionales, donde la creatividad artística ocupa el lugar que le corresponde, aumenta el tono emocional de los niños, surge una actitud positiva hacia la escuela y disminuye el neuroticismo, la ansiedad y el cansancio en los niños. Cabe destacar especialmente la última circunstancia: las clases de arte alivian, y no aumentan, la sobrecarga. La fatiga de los niños se debe en gran medida a la infrautilización de la creatividad, que es su necesidad natural. Las investigaciones demuestran que practicar diferentes tipos de creatividad artística activa la actividad intelectual de niños y jóvenes; tener un efecto positivo en el rendimiento académico en las denominadas materias básicas; aumentar la creatividad humana en general; Desarrollar la imaginación, sin la cual no se puede hablar de creatividad en ningún ámbito de la actividad humana. Por lo tanto, no debería sorprender que investigaciones extranjeras muestren que el gasto en cultura es una condición para el crecimiento económico. Esto se puede atribuir plenamente a la educación artística. Los escolares que ingresan a clases "estéticas" sin una preselección comienzan a superar notablemente a sus compañeros de las clases de "educación general", tanto en el ámbito intelectual como en el desarrollo emocional y moral. Las actividades artísticas intensificadas, aunque no se realicen en la infancia, sino en la adolescencia y con una población estudiantil débil, conducen al crecimiento personal de los niños: esfera emocional se enriquece, los motivos egoístas y consumistas dan paso al deseo de autodesarrollo y cuidado de los demás; La independencia y la responsabilidad del niño aumentan: signos de salud psicológica. Los datos de estudios sociopsicológicos muestran que entre los adultos que tienen una amplia experiencia en la comunicación con el arte, hay personas más desarrolladas personalmente y socialmente responsables.

Una vez más, al formular las condiciones básicas bajo las cuales la educación artística general puede realizar su potencial, ahora prácticamente no reclamado, se pueden sacar las siguientes conclusiones.

Actualmente, es necesario un replanteamiento fundamental por parte de la sociedad, el Estado y el sistema educativo sobre el lugar y la importancia de la cultura artística y la educación artística. No deben ser vistos como peticionarios molestos, sino como garantes de la preservación del modo de existencia humana de nuestra sociedad.

El estado actual de la educación requiere una ampliación significativa de la presencia del arte en las escuelas secundarias mediante la introducción de nuevas materias y una reorientación parcial de las existentes.

Es necesario desarrollar bases conceptuales y metodológicas unificadas para la enseñanza de diversas artes orientada creativamente con una amplia variabilidad de programas y métodos específicos. Apoyo de departamentos científicos, programas de investigación y publicaciones relevantes.

Es necesario unificar Cultura y Educación en el marco de las cuestiones educativas con todas las consecuencias informativas, administrativas, jurídicas y financieras de tal unificación. Cambios principales en el sistema de formación de profesores de diversas artes, lo que requerirá la participación de maestros del arte para su implementación.